tag:blogger.com,1999:blog-72840209206404237632024-02-07T05:05:30.903+01:00Archivo· La Llave Azul ·Unknownnoreply@blogger.comBlogger179125tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-79071770807453750072014-05-14T17:06:00.002+02:002014-05-14T17:06:44.097+02:00Una carta de amor desesperada<h2 style="text-align: justify;">
Llega a nuestros cines la gran triunfadora del pasado Festival de Málaga de cine español. <i>10.000 km </i>, una exploración de las relaciones a distancia con tan solo dos actores: David Verdaguer y Natalia Tena. ¿Estamos ante la nueva <i>Stockholm</i>?</h2>
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<i>por <b><a href="http://twitter.com/luissummer">Luis Fernández</a></b></i></div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-UAEi9NN6hf8/U3OE-e7AXyI/AAAAAAAAFTI/bzErXcF-t-M/s1600/10000km.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; display: inline !important; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-UAEi9NN6hf8/U3OE-e7AXyI/AAAAAAAAFTI/bzErXcF-t-M/s1600/10000km.jpg" height="400" width="640" /></a></h2>
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Una pareja. Una decisión. Una vida. <i>10.000 km</i> nos pone en la encrucijada vital de <b>Alex </b>y <b>Sergio</b>. ¿Podemos amar en la distancia? ¿Es inocuo el tiempo? La multipremiada cinta en el pasado <b>Festival de Málaga </b>nos enrola en una viaje íntimo y apasionado sobre las relaciones a distancia.</div>
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Dos espacios. Dos personas. Dos continentes. A pesar de la enormidad de la distancia, el espacio se vuelve claustrofóbico. La película se encuentra construida en su gran mayoría a partir de conversaciones que se producen a través de aplicaciones de mensajería instantánea y webcams, que en lugar de enclaustrar a la obra le aportan dinamismo, y nos regala un poderoso retrato de la sociedad actual. ¿Paso previo a la (no tan) futurista <i>Her</i>?</div>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Cf3Y-6N0zIU/U3OE9IYleyI/AAAAAAAAFTA/fS5y1rbrU_M/s1600/10000-km-03.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-Cf3Y-6N0zIU/U3OE9IYleyI/AAAAAAAAFTA/fS5y1rbrU_M/s1600/10000-km-03.png" height="336" width="640" /></a></div>
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Es curioso como esta sensación se contrapone a la que experimenta el espectador, que se ve encerrado entre las cuatro paredes de los pisos de los protagonistas, casi únicos escenarios en los que se mueve la película, y, sobre todo, entre las cuatro paredes que supone su intimidad. Es este el mayor acierto de la película: cuando el pudor se apodera del espectador al tener la sensación de estar presenciando momentos tan secretos, tan privados que no debería estar observando. Y no, no hablamos de las escenas de sexo, que se crean por la fuerza y la magia del día a día.</div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-VKtsmILdlOs/U3OE9y9hZzI/AAAAAAAAFTY/sM0ofIuBSZg/s1600/10000km+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-VKtsmILdlOs/U3OE9y9hZzI/AAAAAAAAFTY/sM0ofIuBSZg/s1600/10000km+%25281%2529.jpg" height="338" width="640" /></a></div>
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Es <b>Natalia Tena </b>la gran triunfadora en esta película. Fuerte, versátil, frágil cuando debe… En parte, gracias a un guión que le otorga a ella el arco de mayor peso, pero sobre todo gracias a la naturalidad que desprende en su interpretación desde el primer minuto. Es ella quien mantiene a flote las escenas de mayor dramatismo. Hay una mirada – en una escena que no desvelaremos – que se quedará grabada en la mente de todos los espectadores, por dolorosa, por todo lo que esconde, porque refleja y es en sí misma la esencia de todo lo que la película nos quiere transmitir. Aún así, no debemos desdeñar tampoco el trabajo de <b>David Verdaguer</b>, que si bien tarda en más en acomodarse a las necesidades de su personaje finalmente consigue elevar el tono de su interpretación.</div>
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-CFa7FoEkAMI/U3OE9fLRYhI/AAAAAAAAFTE/9ry9ObBs1bk/s1600/10000.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-CFa7FoEkAMI/U3OE9fLRYhI/AAAAAAAAFTE/9ry9ObBs1bk/s1600/10000.jpg" height="332" width="640" /></a></div>
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Es destacable también una labor de dirección que explota las posibilidades de las nuevas formas de comunicación, de forma natural, que sin embargo falla a la hora de impregnar a la película de la intensidad emocional necesaria en ciertos momentos. Además, no podemos dejar de tener la sensación de que la obra se encuentra innecesariamente alargada. Fallo que puede ser también atribuible a un guión que, si bien es perfectamente natural y creíble, falla a la hora de conseguir la verdadera emoción que llega a bocados y nunca acaba de explotar.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAyIg5WWbVWdmLetmwagLPCh3XP8pBMybm6EYn9zSo7TxZEgDjcFf7nqp9In70k7PPCycQkkj04Rz_0SVG5nFoHA6dRX5m3L-Ehyphenhyphensx7VqnYX2LF_okeNtsAs1FxjWqCYEhmg22LVY3XkbN/s1600/10000-km.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAyIg5WWbVWdmLetmwagLPCh3XP8pBMybm6EYn9zSo7TxZEgDjcFf7nqp9In70k7PPCycQkkj04Rz_0SVG5nFoHA6dRX5m3L-Ehyphenhyphensx7VqnYX2LF_okeNtsAs1FxjWqCYEhmg22LVY3XkbN/s1600/10000-km.jpg" height="424" width="640" /></a></div>
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Sin duda, una obra que merece un visionado, un visionado que resultará desgarrador para algunos, indiferente para otros, para una película en la que se pueden apreciar muchas virtudes se encuentre el espectador en un punto u otro. Especialmente la valentía de enfrentarse a la realidad sin edulcorarla, con un final que deja al espectador roto y con algunas escenas que perduran en la memoria.</div>
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<i>10.000 km </i>consigue la risa sin acudir al chiste, consigue la emoción sin acudir a la lágrima, y consigue el miedo sin acudir al terror.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-56303224680335976172014-05-13T17:45:00.000+02:002014-05-13T17:45:10.869+02:00XI Documenta Madrid | Punto... y aparte.<h2 style="text-align: justify;">
Repasamos el palmarés del ya clausurado 11º DocumentaMadrid hablando de cine documental español: <i>Costa da morte,</i> <i>Bugarach </i>y <i>Antonio Vega: Tu voz entre otras mil </i>son las protagonistas de una crónica en la que también hay espacio para la premiada <i>The dog </i>y la nominada al Oscar <i>The square</i>.</h2>
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<i>por <b><a href="http://twitter.com/daysmovie">Sofia Pérez</a></b></i></div>
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-EoQnOtZScbU/U3I8a4YcMLI/AAAAAAAAFSU/afTZxctGc3s/s1600/TheDog-566x320.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-EoQnOtZScbU/U3I8a4YcMLI/AAAAAAAAFSU/afTZxctGc3s/s1600/TheDog-566x320.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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El <b>XI DocumentaMadrid</b> finalizó este fin de semana, aunque el viernes 9 ya dio a conocer su palmarés, que en la <b>Sección Oficial</b> de largometrajes ha concedido el <b>Primer Premio del Jurado</b> a la película india producida por <b>Suiza </b><i>My name is Salt</i>, de <b>Farida Pacha</b>. Además, <i>Iranien </i>(de la que hablamos en la <a href="http://www.lallaveazul.com/2014/05/xi-documentamadrid-el-significado-de.html">tercera crónica del festival</a>) obtuvo una <b>Mención Especial</b>, y el <b>Segundo Premio del Jurado</b> fue a parar a <i>The Dog</i>, de <b>Allison Berg </b>y <b>Frank Keraudren</b>. La película hace un repaso a la historia real de John <b>Wojtowicz</b>, famoso por haber atracado un banco en <b>1972 </b>para poder financiar la operación de cambio de cambio de sexo de su pareja. Un suceso tan surrealista que tenía que quedar plasmado en el cine, o eso debió pensar <b>Sydney Lumet </b>cuando lo relató en <i>Tarde de perros</i> (<b>1975</b>). <i>The dog</i> no llega a explotar las posibilidades metacinéfilas que le ofrecía este encuentro cinematográfico entre ficción y documental, centrándose más en la vida del personaje, cuyo carisma y su desvergonzada forma de hablar ante la cámara, sin ningún tipo de tapujo, ya consiguen que la película funcione en gran parte. Además, los directores saben conducir la narración, a través de testimonios e imágenes de archivo, sin ninguna recreación, para que enganche y resulte muy atractiva, haciendo especial hincapié en la descripción de la agitada década de los <b>70 </b>para la comunidad gay. En general, <i>The dog </i>es una película divertida y con un gran ritmo, que refleja la obstinación pero también las dificultades de alguien que no quiere vivir según las normas establecidas.</div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-cDZ1yXdwfo4/U2D1k8TZefI/AAAAAAAAFMM/xoCmMLiwFak/s1600/la-imagen-arde_600.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-cDZ1yXdwfo4/U2D1k8TZefI/AAAAAAAAFMM/xoCmMLiwFak/s1600/la-imagen-arde_600.jpg" height="358" width="640" /></a></div>
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Antes de centrarnos en las películas de clausura, no podemos dejar de hacer referencia a dos trabajos que tienen en común su exaltación de la naturaleza, pero desde enfoques distintos: en la sección <b>Panorama</b>, <i>Costa da morte</i>, de <b>Lois Patiño</b>, que da una visión costumbrista y romántica, y en la <b>Sección Oficial </b><i>Bugarach</i>, coproducción de española y alemana de <b>Ventura Durall</b>, <b>Salvador Sunyer</b> y <b>Sergi Cameron</b>, que lo hace de forma más mística. <i>Costa da morte</i>, que viene de triunfar en numerosos festivales como <b>Locarno </b>y <b>Sevilla</b>, nos adentra en la cotidianidad de esta región gallega a través de las historias que nos relata su gente, pero siempre tomando distancia de las figuras humanas, para evidenciar la pequeñez del hombre frente a la enormidad y el esplendor de la naturaleza, entroncando con la tradición pictórica del paisajismo sublime. De hecho, la película podría entenderse como un conjunto museístico de estampas que enfrentan pasado y presente, modernidad y tradición, música y sonidos naturales, luz y oscuridad, vida y muerte… Un lienzo embriagador que recoge y reformula la esencia del género a través de las imágenes y la sonoridad.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxvor5xGVmaE_dp7i1EjaaUXV4h0w2eVnFqFE9ilkICGGkfoIcXKBO19_5uxHfShBzi2K4Ho0qz1bHblcf1fmAi472s9781JT5XDuNbgXBVn-1Y1Jg0F8PFGx4xqDY-OBjGT-nfI4pqH1X/s1600/bugimagen14-12310.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxvor5xGVmaE_dp7i1EjaaUXV4h0w2eVnFqFE9ilkICGGkfoIcXKBO19_5uxHfShBzi2K4Ho0qz1bHblcf1fmAi472s9781JT5XDuNbgXBVn-1Y1Jg0F8PFGx4xqDY-OBjGT-nfI4pqH1X/s1600/bugimagen14-12310.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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En <i>Bugarach</i>, asistimos a la introducción del documental en un género reservado normalmente para la ficción: el apocalíptico. En el pueblo que da título a la película, situado al sur de <b>Francia</b>, está ubicado el pico de una montaña al que, durante mucho tiempo, se le han atribuido propiedades mágicas, religiosas y extraterrestres. Esto hizo que se extendiera el rumor de que aquel sería el único rincón que se salvaría del fin del mundo anunciado por el calendario maya el <b>21 de Diciembre de 2012</b>, lo cual atraerá a personajes variopintos que perturbarán la paz del lugar. La relación de estos personajes y de los habitantes del pueblo con esta montaña, que se erige como protagonista esperanzadora y a la vez temible, recuerda a <i>Picnic en Hanging Rock </i>(<b>1975</b>), de <b>Peter Weir</b>, con un halo de misterio que rodea al conjunto geológico. <i>Bugarach </i>exhibe una construcción muy elaborada cuya aparatosidad, al revés que ocurre con la de <i>Costa da morte</i>, la aleja de su carácter documental. Aún así, no deja de ser una película que conserva cierta frescura, con una historia, cuando menos, curiosa.</div>
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Lucha de gigantes</h2>
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Tiene sentido, en una edición de <b>DocumentaMadrid </b>que se ha centrado especialmente en problemas políticos y sociales de plena actualidad, que la clausura oficial corriera a cargo en un film como <i>Al midan (The square)</i>, de<b> Jeanne Nouhaim</b>, nominado al <b>Oscar </b>junto a <i>The act of killing</i> (<b>2013</b>, triunfadora el año pasado en el festival) y la ganadora <i>A 20 pasos de la fama</i> (<b>2013</b>). La película tiene un punto de partida similar al de la también proyectada<i> Return to Homs</i> (ganadora del <b>Premio del Público</b>): un grupo de revolucionarios que se enfrentan a un gobierno dictatorial para conseguir la independencia de su pueblo. En este caso, la historia se sitúa en la <b>Plaza Tahrir</b> de<b> El Cairo</b>, centro de resistencia desde <b>2011 </b>contra el gobierno primero de <b>Hosni Mubarak</b>, y más tarde de los militares y de los <b>Hermanos Musulmanes</b>. A diferencia de <i>Return to Homs</i> (por su propia naturaleza de reportaje bélico), <i>The square</i> hace gala de un cuidado tratamiento estético, que al principio puede confundirse con efectismo, pero que poco a poco va abriendo brechas en torno al panorama de la insostenible situación egipcia, y de aquellos que quieren establecer unas bases para un cambio de mentalidad popular. Las victorias que consiguen quedan contrapuestas a crudas imágenes de represión. Sin embargo, la mirada de <b>Nouhaim </b>es esperanzadora con respecto al futuro gracias a las bases que están asentándose estos años. Un proyecto de enorme envergadura sobre cuestiones todavía abiertas, mostrado con veracidad y valentía. Imprescindible.</div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-u2txrZAZcXw/U2D1QVPIW3I/AAAAAAAAFME/LcHpZ7SZbgM/s1600/the_square_featured-copy-618x400.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-u2txrZAZcXw/U2D1QVPIW3I/AAAAAAAAFME/LcHpZ7SZbgM/s1600/the_square_featured-copy-618x400.jpg" height="414" width="640" /></a></div>
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Y para cerrar <b>Panorama </b>(dentro de la cual, la ganadora fue <i>Gabor</i>, de <b>Sebastián Alfie</b>), no había mejor manera de hacerlo que con el documental biográfico del que fue una de las figuras más importantes de la música española: <i>Antonio Vega. Tu voz entre otras mil</i>. La película de la periodista <b>Paloma Concejero</b> es una auténtica revelación, ya que logra hacer un retrato bastante veraz del músico y de su personalidad, alejado de la mitificación, y además, con un cuidado acabado técnico. El documental echa mano de todos los recursos disponibles, desde imágenes grabadas por el padre de <b>Antonio </b>con una <b>Super 8</b>, hasta entrevistas, conciertos y videoclips, pasando por animaciones, algunas anecdóticas, y otras muy bien integradas en el conjunto (la del astronauta mientras suena El sitio de mi recreo es realmente poética), y por la introducción de escenas de películas, especialmente del expresionismo alemán, que ayudan a ilustrar conceptos de los que no se poseen documentos visuales. Por otro lado, los testimonios no son arbitrarios, sino de gente que fue cercana a él y le conocieron en sus buenas y sus malas épocas (familia, amigos, compañeros de profesión). Ninguno da una visión romántica y benevolente de <b>Antonio</b>, sino que se limitan a contar su experiencia con él. Sin embargo, la película no se puede desprender de un inevitable espíritu nostálgico, consecuente desde el momento en el que empiezan a sonar sus inolvidables canciones, que hacen que cualquiera que disfrutara con ellas salga de la sala de cine con un nudo en la garganta.</div>
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-_nCeij3DMBA/U3I9TmdqH0I/AAAAAAAAFSg/8bO5EsKJgzc/s1600/ANTONIO-VEGA-Foto-9.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-_nCeij3DMBA/U3I9TmdqH0I/AAAAAAAAFSg/8bO5EsKJgzc/s1600/ANTONIO-VEGA-Foto-9.jpg" height="400" width="640" /></a></div>
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Para acabar, los ganadores en el apartado de cortometrajes de la <b>Sección Oficial </b>fueron el argentino<i> La reina</i> de <b>Manuel Abramovich </b>y el alemán <i>Substanz </i>de <b>Sebastian Mez</b> en primer y segundo puesto respectivamente, el <b>Premio Especial</b> para el brasileño <i>Jessy </i>de <b>Paula Lice</b>, <b>Rodrigo Luna</b> y <b>Ronei Jorge</b>, la <b>Mención Especial </b>para el mexicano <i>La Parka </i>de <b>Gabriel Serra Arguello</b>, y el <b>Premio del Público</b> para el español <i>Walls </i>de <b>Miguel López Beraza</b> (tanto éste como <i>Substanz </i>los destacábamos en nuestro <a href="http://www.lallaveazul.com/2014/05/xi-documentamadrid-de-lo-social-lo.html">segundo artículo</a>), mientras que en <b>Panorama</b>, el galardonado fue <i>¡Bello, bello, bello!</i> de<b> Pilar Álvarez</b>. Un año más, <b>DocumentaMadrid </b>ha acercado al público un tipo de cine alejado de los circuitos comerciales y le ha dado la oportunidad de establecer un diálogo cercano con muchos de los responsables de las películas proyectadas. No podemos dejar de dar la enhorabuena al festival por la selección de trabajos, que nos han abierto los ojos ante muchas y variadas realidades del mundo actual, y por su éxito de asistencia. Desde<b><span style="color: blue;"> La llave azul </span></b>hemos estado encantados de formar parte de esta edición, y esperamos que esto solo sea un punto y aparte en un vínculo que reanudaremos el próximo año.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-65141492431602522062014-05-11T18:09:00.002+02:002014-05-11T18:09:59.153+02:00Piélagos en Corto 2014 | Primera Crónica <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-I0bDaXOuyZA/U2-dEd17_GI/AAAAAAAAFQk/sOLa_8rTEdM/s1600/10342506_639111202843893_1225904413179751781_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-I0bDaXOuyZA/U2-dEd17_GI/AAAAAAAAFQk/sOLa_8rTEdM/s1600/10342506_639111202843893_1225904413179751781_n.jpg" height="480" width="640" /></a></div>
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El <b>V Festival Internacional de Cortometrajes PIÉLAGOS EN CORTO </b>clausuró ayer su edición más numerosa e internacional en una ágil gala conducida por la carismática pareja de actores formada por <b>Fael García </b>y <b>Patricia Mediavilla </b>en la que se respiraba un ambiente de cine y alegría y en la cual conocimos los cortometrajes ganadores. </div>
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Comenzamos pues a desgranar las obras presentadas en el festival, sección a sección, y, a continuación de esta primera crónica, os dejamos el palmarés completo del mismo. ¿Coincidirán los gustos de <b>La Llave Azul</b> con las decisiones del jurado?</div>
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<i>por <b><a href="http://twitter.com/jesusteatrero">Jesús Choya</a></b>.</i></div>
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<u>Panorama cántabro.</u></h2>
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Cinco cortometrajes se presentaron en la categoría <b>Cantabria</b>, un espacio que busca acercar al público algunos de los cortos más representativos realizados en la comunidad y estrenados durante la temporada anterior.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-JvVfkZ-Vt0g/U2-ecilujaI/AAAAAAAAFQ0/euu0yuB-6U4/s1600/aptitudes+fotografia.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-JvVfkZ-Vt0g/U2-ecilujaI/AAAAAAAAFQ0/euu0yuB-6U4/s1600/aptitudes+fotografia.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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Entre los cinco, que guardan un nivel considerablemente bueno, destaca <i>Aptitudes</i>, una sátira social de <b>Nacho Solana </b>que nos presenta a un "hijo de puta" que se enfrenta a una mordaz y divertida entrevista laboral. Fundamental resulta, además de un guión directo y medido, el trabajo gestual de un <b>Agustin Ruíz </b>que se amolda a la perfección a su personaje realizando una de las mejores interpretaciones masculinas vistas en el festival. Una notable obra cargada de humor ácido con algunos momentos apoteósicos y a la cual se la agradece que no se ande por las ramas, algo fundamental en un formato tal como éste. También muy directo es <i>El sofá</i>, un cortometraje de apenas cuarenta segundos dirigido por el realizador <b>Álvaro Oliva</b>, que funciona y provoca risas como el ingenioso y sencillo "gag" que constituye.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/--aWo6ddlDJU/U2-ecfaQCxI/AAAAAAAAFQ8/7CoOPuJxgHc/s1600/1979474_611328585622155_750401169_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/--aWo6ddlDJU/U2-ecfaQCxI/AAAAAAAAFQ8/7CoOPuJxgHc/s1600/1979474_611328585622155_750401169_n.jpg" height="320" width="225" /></a></div>
Las dos piezas románticas de la categoría - <i>Eslogan</i>, de <b>Álvaro de la Hoz</b>, y <i>porsiemprejamón</i>, de <b>Ruth Díaz - </b>también acaban por ser obras muy resaltables. La primera narra con encanto el romance imposible entre un personaje que habita dentro de una valla publicitaria (fantástico <b>Sergio Mur</b>) y una chica de carne y hueso que coge siempre el autobús en la parada situada bajo dicha valla, interpretada por <b>Marta Hazas</b>. El cortometraje resulta muy agradable de ver y juega estupendamente su interesante y simpática idea original. Por otro lado, la ópera prima en la dirección de la actriz <b>Ruth Díaz</b> funciona como perfecto complemento narrativo y estilístico a <i>La gran familia española </i>de <b>Sánchez Arévalo </b>gracias a un relato sobre el amor y la amistad (así como la mezcla y los límites de ambos), también encantador, pero algo reiterativo y con un final demasiado difuso. Lo que es innegable es que <i>porsiemprejamón </i>resulta una píldora cautivadora para el público y que cuenta con un estupendo <b>Asier Etxeandía</b>.</div>
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Más difusa aún resulta la coproducción cántabro-vasca <i>Multiverso</i>, de <b>Nacho Sánchez </b>y <b>Guillermo Sevillano</b>,<i> </i>que desperdicia una idea, relativamente, interesante con un desarrollo que para nada lo es. Tampoco ayudan demasiado las interpretaciones masculinas protagonistas, nada creíbles y completamente distantes. A destacar, la buena ejecución formal de los <i>flashbacks </i>que son, con mucho, lo mejor y más estimulante de uno de los cortometrajes más regulares del festival. </div>
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<h2>
<u>
Panorama social.</u></h2>
<div>
Una de las novedades de esta edición del festival fue la creación de una categoría especial que acoge los mejores cortometrajes de temática social. "Otras miradas" fue el título original de la categoría, que responde bastante bien a la naturaleza de las propuestas proyectadas.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq4WETPTqTF1mjhGj5ChtQc1-ztjXhEWqj31tTKVRXzmHkX7aVy3CTyBi8JzBxBeyASaFfaQ1mUhDy7_6Pz-Sl2IwjQRWcyUdNLxGae8VAS3YLqstrEmWJY70T6IuukanAZzgTWB_Kuali/s1600/07Sin+Respuesta.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq4WETPTqTF1mjhGj5ChtQc1-ztjXhEWqj31tTKVRXzmHkX7aVy3CTyBi8JzBxBeyASaFfaQ1mUhDy7_6Pz-Sl2IwjQRWcyUdNLxGae8VAS3YLqstrEmWJY70T6IuukanAZzgTWB_Kuali/s1600/07Sin+Respuesta.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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<i>Cuando todo pase </i>de <b>Suso Imbernón </b>y <i>Sin respuesta </i>de <b>Miguel Parra </b>fueron los dos cortometrajes de mayor interés y calidad respaldados, ambos, por dos interpretaciones femeninas de gran potencial. El primero narra con pulso pero sin prisas la historia de una madre coraje, interpretada con fuerza por una excelente <b>María Ortega </b>que sostiene el peso dramático del filme, que lucha por sacar a su familia adelante y cumplir las ilusiones de su hijo en un entorno de crisis económica y asfixiantes deudas. Una historia interesante y real, y una ejecución tan sencilla como directa y eficaz hacen de <i>Cuando todo pase </i>uno de los más valiosos documentos cinematográficos de la situación económico-social actual. En segundo lugar, la primera obra del periodista <b>Miguel Parra </b>sitúa a una brillante <b>Natalia Mateo </b>como centro de un relato austero en medios pero completamente imponente. <b>Parra </b>aprovecha las posibilidades artísticas y atmosféricas de utilizar angustiosos planos fijos que ayudan a la inmersión emocional del espectador en una potente historia sobre responsabilidades éticas que supone un magnífico ejemplo de que con poco puede hacerse mucho. De la situación actual nos habla también, pero con mucho menos tino, <i>Off </i>de <b>Aimón Ninyerola </b>que narra la historia de supervivencia de una familia a la cual, los acontecimientos, superan de golpe. Se trata de un filme con notables interpretaciones pero rodado y estructurado de manera torpe y lineal, y con una historia tan cruda como manida y anodina.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-nRqGfDTVvyI/U2-fQNJ8JsI/AAAAAAAAFRU/WbnzNeqpj5M/s1600/cuando-todo-pase.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-nRqGfDTVvyI/U2-fQNJ8JsI/AAAAAAAAFRU/WbnzNeqpj5M/s1600/cuando-todo-pase.jpg" height="270" width="640" /></a></div>
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Las cosas que ni sabemos ni nos atrevemos a decir son el eje principal alrededor del cual se desarrolla el irónico <i>Somos amigos</i>. El cortometraje de <b>Carlos Solano </b>nos sumerge en una historia que busca indagar entre los límites de la amistad y el trabajo de forma ligera y divertida sin despreciar el fondo dramático de la misma. <b>Felix Gómez </b>brilla en una pieza muy entretenida de la que también cabe destacar una selección musical paradójicamente optimista y elegida a la perfección.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5OL1BFYphndzhgq_C8bUqLqqq14jGbW5CXNZNN_mXoXE6jWsMXS_NJG9QpGZQAXXtr3IaI10BVwaXPA96Hl1-NXSodoVu-5GR8Cw7jsj5p603nWPpGN5dhQlHboxmax7dbOvZzcVNbqS0/s1600/3itpjq7sl4afmdv3dhi.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5OL1BFYphndzhgq_C8bUqLqqq14jGbW5CXNZNN_mXoXE6jWsMXS_NJG9QpGZQAXXtr3IaI10BVwaXPA96Hl1-NXSodoVu-5GR8Cw7jsj5p603nWPpGN5dhQlHboxmax7dbOvZzcVNbqS0/s1600/3itpjq7sl4afmdv3dhi.png" height="274" width="640" /></a></div>
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De amistad habla también el mexicano <i>Diego </i>(<b>Sara Seligman</b>) que sitúa al espectador en el hostil y violento terreno ya mostrado en recientes filmes como <i>Heli </i>o <i>La jaula de oro</i>. <b>Diego</b> es un niño que no empatiza con el pensamiento de su familia que equipara violencia con masculinidad y que, por tanto, decide guiarse por su sensibilidad aún valorando los riesgos que su acción le conllevará. <i>Diego </i>es un bonito cortometraje con suficiente capacidad para sensibilizar y emocionar al espectador como para resultar una de las obras más apreciables de la categoría.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-PNGfx_QRQCo/U2-f9FhnNUI/AAAAAAAAFRY/6xMpvrGu9lc/s1600/diego.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-PNGfx_QRQCo/U2-f9FhnNUI/AAAAAAAAFRY/6xMpvrGu9lc/s1600/diego.jpg" height="358" width="640" /></a></div>
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También son capaces de emocionar <i>Quiero</i> y <i>El mundo tan pequeñito</i>. El primero, trabajo de final de curso del alumno de la <b>ESCAC</b> <b>Bernat Gual</b>, presenta las dificultades diarias en la vida de un niño sordociego de nacimiento y su madre, de la que es totalmente dependiente. Interpretaciones desgarradoras, una fotografía bellísima y un esperanzador giro final donde el drama más tremendista se vuelve del lado de la sensibilidad más sencilla y conmovedora hacen de <i>Quiero </i>un duro pero también precioso homenaje a todas aquellas madres que luchan contra viento y marea por sacar adelante a sus hijos. <i>El mundo tan pequeñito </i>de<b> Emilia Ruíz </b>es una pieza muy irregular pero, en conjunto, estimulante que propone una reflexión sobre los sueños, la vejez y la inmigración que, desgraciadamente, se tuerce en un final demasiado incoherente con lo planteado anteriormente. Pese a ese detalle, estamos ante una pieza interesante sostenida por la interpretación de una muy emocional <b>Isabel García</b>.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-hnpcmoy9iX0/U2-gS-cDbYI/AAAAAAAAFRo/0a7W0SKuKjc/s1600/353_3_foto_g.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-hnpcmoy9iX0/U2-gS-cDbYI/AAAAAAAAFRo/0a7W0SKuKjc/s1600/353_3_foto_g.jpg" height="358" width="640" /></a></div>
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Menos convincentes resultan las propuestas de <i>Un lugar mejor</i> (<b>Moisés Romera Pérez</b>), <i>Baghdad Messi </i>(<b>Sahim Omar Kalifa</b>) y <i>Remanecer </i>(<b>Naftalí Vela</b>). El breve trabajo de <b>Romera Pérez </b>se queda corto en su irónico y, eso sí, original retrato del momento que atravesamos mientras que la internacionalmente aclamada obra belga-iraquí de <b>Omar Kalifa </b>se descubre como un relato con tintes futboleros, maniqueo, mil veces visto y, a todas luces, decepcionante de la árida situación del país árabe. Por último, la obra de <b>Vela </b>resulta un ensayo demasiado críptico y dilatado sobre el poder traumático de los propios recuerdos en el que solo las interpretaciones de <b>Asier Hornaza </b>y <b>Miriam Martín </b>logran destacar.<br />
<h2>
<u>Palmarés.</u></h2>
<div>
<b>Mejor cortometraje Nacional-Internacional</b>: <i>Misterio </i>de <b>Chema García Ibarra </b>(<b>España</b>)</div>
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<b>Segundo mejor cortometraje Nacional-Internacional</b>: <i>Mano a mano </i>de <b>Ignacio Tatay </b>(<b>España</b>)</div>
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<b>Tercer mejor cortometraje Nacional-Internacional</b>: <i>Rojo </i>de <b>Carlos Alejandro M.M </b>(<b>Venezuela</b>)</div>
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<br /></div>
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<b>Mejor cortometraje Fantástico</b>: <i>The only man </i>de <b>Jos Man </b>(<b>España</b>)</div>
<div>
<b>Segundo mejor cortometraje Fantástico</b>: <i>Timothy </i>de <b>Marc Martínez Jordán </b>(<b>España</b>)</div>
<div>
<b>Tercer mejor cortometraje Fantástico</b>: <i>Monster </i>de <b>Piotr Ryczko </b>(<b>Polonia</b>)</div>
<div>
<br /></div>
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<b>Mejor cortometraje Social</b>: <i>Baghdad Messi </i>de <b>Sahim Omar Kalifa </b>(<b>Bélgica</b>-<b>Iraq</b>)</div>
<div>
<b>Segundo mejor cortometraje Social</b>: <i>Cuando todo pase </i>de <b>Suso Imbernón </b>(<b>España</b>)</div>
<div>
<b>Tercer mejor cortometraje Social</b>: <i>Diego </i>de <b>Sara Seligman </b>(<b>México</b>)</div>
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<br /></div>
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<b>Mejor cortometraje Cantabria</b>: <i>porsiemprejamón </i>de <b>Ruth Díaz </b></div>
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<b>Segundo mejor cortometraje Cantabria</b>: <i>Eslogan </i>de <b>Álvaro de la Hoz</b></div>
<div>
<b>Tercer mejor cortometraje Cantabria</b>: <i>Aptitudes </i>de <b>Nacho Solana</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<b>Mejor largometraje Puesta de Largo</b>: <i>Your lost memories </i>de <b>Miguel Ángel Blanca </b>y <b>Alejandro Marzoa </b></div>
<div>
<b>Finalista</b>: <i>Casting </i>de <b>Jorge Naranjo</b></div>
<div>
<b><br /></b></div>
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<b>Mejor actriz</b>: <b>Ruth Díaz </b>por <i>porsiemprejamón </i>de <b>Ruth Díaz</b></div>
<div>
<b>Finalistas</b>: <b>María Ortega </b>por <i>Cuando todo pase </i>de <b>Suso Imbernón </b>(2º) y <b>Alicia Rubio </b>por <i>Cristales </i>de <b>Juan Ferro </b>(3º)</div>
<div>
<br /></div>
<div>
<b>Mejor actor</b>: <b>Timothy Gibbs </b>por <i>The only man </i>de <b>Jos Man</b></div>
<div>
<b>Finalistas</b>: <b>Samuel Andavert </b>por <i>Your lost memories </i>de <b>Miguel Ángel Blanca </b>y <b>Alejandro Marzoa </b>(2º) y <b>Oscar Ladoire </b>por <i>Democracia </i>de <b>Borja Cobeaga </b>(3º)</div>
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<br /></div>
<div>
<b>Mejor guión</b>: <i>Misterio </i>de <b>Chema García Ibarra</b></div>
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<b>Finalista</b>: <i>Baghdad Messi </i>de <b>Sahim Omar Kalifa</b></div>
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<b><br /></b></div>
<div>
<b>Mención especial a la Mejor Fotografía</b>: <i>porsiemprejamón </i>de <b>Ruth Díaz</b></div>
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<b>Mención especial a la Mejor Dirección</b>: <b>Pablo Bullejos </b>por el filme colectivo <i>Pixel Theory</i></div>
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<i><br /></i></div>
<div>
<b>Premio especial Valdearenas a la Interpretación</b>: <b>Alicia Rubio</b></div>
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<b>Premio especial Valdearenas a la Distribución</b>: <b>Eduardo Mailuki </b>de <b>Mailuki Films</b></div>
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<b><br /></b></div>
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<b>Premio "Uno corto y rapidito"</b>: <i>Mar </i>de <b>Álvaro Oliva </b></div>
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<b>Premio "Location"</b>: <i>Rompiendo la monotonía </i>de <b>Eva Gómez</b></div>
</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-70992687805177907402014-05-10T16:10:00.000+02:002014-05-10T16:27:50.372+02:00Dis-gustación<h2 style="text-align: justify;">
Leonor Watling se enamora de un prestigioso cocinero dublinés, en la sosa comedia gastronómica hispano-irlandesa 'Amor en su punto' que ya puede verse en salas nacionales.</h2>
<div style="text-align: right;">
<i>por <b><a href="http://twitter.com/kind3f">Miguel Alcalde</a></b>.</i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSOqPRtvzmjCHCVtfYmG50u83Gfey6u724CPS-05CwDCZWGbddyZxVPAMSMdakOfkmolpT1RJdsctmxqASzQG8-WfCNCZuPwSc4UuICmv2LaBnWH8hlIzKxSNvdKLORq06UZ4P8QIAGNyk/s1600/Amor+en+su+punto_0030.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; display: inline !important; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSOqPRtvzmjCHCVtfYmG50u83Gfey6u724CPS-05CwDCZWGbddyZxVPAMSMdakOfkmolpT1RJdsctmxqASzQG8-WfCNCZuPwSc4UuICmv2LaBnWH8hlIzKxSNvdKLORq06UZ4P8QIAGNyk/s1600/Amor+en+su+punto_0030.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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En un momento determinado de <i>Amor en su punto</i>, <b>Leonor Watling</b> y <b>Richard Coyle</b> acuden al cine a ver una película gastronómica. El personaje de <b>Coyle</b>, inocentón, previsible y siempre simple, habla maravillas de la misma. <i>Watling</i>, por el contrario, afirma que es una basura. <i>“¿Por qué se siguen empeñando en hacer este tipo de películas basadas en la comida que no tienen ningún tipo de gracia?”</i>. Esa frase, por irónico que parezca, tiene un carácter premonitorio e imperiosamente aplicable al propio film. <b>Coyle </b>discrepa, cosa que supone la primera discusión de la pareja: la madurez por un lado, la ingenuidad por el otro. Parece que mediante esta escena los propios directores están poniendo en tela de juicio la seriedad, calidad o profesionalidad de su cinta; porque <i>Amor en su punto</i> es precisamente todo lo que el personaje de <b>Watling </b>desdeña: una absoluta sosería disfrazada de falso encanto irlandés. Un despliegue gastronómico que, lejos de resultar delicioso, casi incita a la náusea (literalmente en dos o tres escenas).</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhqmQ6FSKz8m5VMe5Lm7tUEZQ7aZcSYw9Y8_Fs17vRll0OgNLeS2GQPeyoKyUs8VNgUeirTc6eNzGWDxEygODAHTQ7czesN0AKvBvjD_eNdi1PikkLyjT5Bux16hpFa-QSyzI7-RtN7HcM/s1600/Amor+en+su+punto_0026.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhqmQ6FSKz8m5VMe5Lm7tUEZQ7aZcSYw9Y8_Fs17vRll0OgNLeS2GQPeyoKyUs8VNgUeirTc6eNzGWDxEygODAHTQ7czesN0AKvBvjD_eNdi1PikkLyjT5Bux16hpFa-QSyzI7-RtN7HcM/s1600/Amor+en+su+punto_0026.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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A priori, la película parece tener los ingredientes necesarios para resultar, si bien no buena, por lo menos decente, simpática: chico conoce a chica, se enamoran, comparten el gusto por la cocina y sus diferencias conyugales se extrapolan a las vicisitudes de sendos paladares. De hecho, situar la narración en el maravilloso <b>Dublín</b>, parece aportar cierto <i>fairytale vibe</i> del que un realizador más “avispado” podría haberse aprovechado. Todos estos elementos suponen un estrepitoso fracaso a la hora de ser trasladados a la pantalla: los acontecimientos se suceden de manera atropellada, sin ningún tipo de cohesión interna o estructura determinada. Un “batiburrillo” de acontecimientos insulsos (manda narices en una película sobre cocina) rigen la totalidad de un film apoyado en un guión insostenible cuyos personajes son absolutamente planos, a pesar de los intentos constantes de construcción de un pasado para el protagonista. No existe motivación para sus actos, deambulan por las calles de la capital irlandesa sin aparente rumbo y se rigen por deseos y pulsiones que denotan una total falta de profundidad, alma.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisqLjIZTA1VZqGzqnsgZ4JvOwRmPltSb-wz4rjqdNVMX3frr1ukXLMrDikaiRckLRvFqvLFb7LuP0ISv1eJ-c-ZLkSJdRNtMsL0G8qBd6UVeamzfJQn1PT5KEbRnh0cp2GnWG9KXz7pNn_/s1600/Amor+en+su+punto_0010.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisqLjIZTA1VZqGzqnsgZ4JvOwRmPltSb-wz4rjqdNVMX3frr1ukXLMrDikaiRckLRvFqvLFb7LuP0ISv1eJ-c-ZLkSJdRNtMsL0G8qBd6UVeamzfJQn1PT5KEbRnh0cp2GnWG9KXz7pNn_/s1600/Amor+en+su+punto_0010.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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El efecto inmediato de toda esta parafernalia es el completo olvido del film por parte del espectador una vez ha abandonado la sala. Hasta la más absurda comedia podría permanecer en la mente del público: un "gag" particularmente divertido, un momento ciertamente memorable… El problema de <i>Amor en su punto</i> es que, valga la redundancia, no sabe encontrar ese punto. No sabe qué quiere ser y, durante su hora y media, se debate entre una serie de estilos sin llegar a encontrar de forma ni siquiera de forma eventual el suyo propio.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQZLn1leUoFzuTXHN2d9VWkm4OmOX8vBhQ4UeJsXDmHSoHX5CL0mZD3wxqyMRfMcY_erAsjkGH38R2gUxxlVbKB7jp9gUaAxkbXULkD8jWIr6E-24AX-ilmekMOL8vJAORAi0KjB1MhZeQ/s1600/Amor+en+su+punto_0028.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQZLn1leUoFzuTXHN2d9VWkm4OmOX8vBhQ4UeJsXDmHSoHX5CL0mZD3wxqyMRfMcY_erAsjkGH38R2gUxxlVbKB7jp9gUaAxkbXULkD8jWIr6E-24AX-ilmekMOL8vJAORAi0KjB1MhZeQ/s1600/Amor+en+su+punto_0028.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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De hecho, se centra de tal manera en la consecución de algún tipo de química entre sus dos protagonistas, que relega a un segundo plano todo aquello importante para la realización de una película propiamente dicha. No hay “jugo” en el bistec que pretende ser esta acumulación de escenas sin ton ni son; más bien se queda en un brócoli poco cocido, bonito y pomposo por fuera, pero tan poco apasionante por dentro…</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-45752427902930450502014-05-09T13:34:00.000+02:002014-05-09T21:41:06.429+02:00XI DocumentaMadrid | El significado de las imágenes y de las palabras<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<h2 style="background-color: white; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 11px; font-weight: normal; letter-spacing: 0.2em; line-height: 1.4em; margin: 1.5em 0px 15px; outline: 0px; padding: 0px 0px 10px; text-align: justify; text-transform: uppercase;">
la sección oficial de documentamadrid continúa trayéndonos películas de todo tipo de temáticas, usando lenguajes radicalmente opuestos, o parecidos pero utilizados de forma diferente. una comunidad menonita en la pampa, el hijo de un líder del hamas, un grupo de mulás iraníes y dos abuelas con mucho caracter, son todos los personajes que os traemos en esta tercera crónica. </h2>
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Por <b><i><a href="https://twitter.com/daysmovie">Sofia Pérez Delgado</a></i></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqyFeLJz4sQA2RMZ_0Btv907lLIMPkpjD2I-_uW0DqYORI5FuhLcQ77c9aUS2nckcEVfjT4tcnQudlgDbdhdCQ6u2hMcmZTz5zAv3nGUhrmFDHvwD7zOZD_EMqvOtO1UVahY6UmFhwNUWY/s1600/big.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqyFeLJz4sQA2RMZ_0Btv907lLIMPkpjD2I-_uW0DqYORI5FuhLcQ77c9aUS2nckcEVfjT4tcnQudlgDbdhdCQ6u2hMcmZTz5zAv3nGUhrmFDHvwD7zOZD_EMqvOtO1UVahY6UmFhwNUWY/s1600/big.jpg" height="358" width="640" /></a></div>
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Seguimos nuestro repaso a las diferentes secciones de <b>DocumentaMadrid</b>, volviendo de nuevo a
la <b>Sección Oficial</b> a competición. En
ella, nos encontramos con una de esas películas que le plantean un reto al
crítico, por el riesgo de sobre interpretación que puede provocar: hablamos de
la argentina <i>Ekpyrosis</i>, un film
absolutamente abstracto. Aparte de su observación de los habitantes de una
comunidad <b>menonita</b> (de la misma rama
que los <b>Amish</b>) en <b>La Pampa</b>, no hay en este documental
ningún tipo de intencionalidad narrativa, algo que, en principio, no tiene que
ser necesariamente malo. Una película contemplativa puede ilustrar numerosos
conceptos a través de su estética. Pero las imágenes de <i>Ekpyrosis</i>, deliberadamente deformadas, resultan igual de crípticas
que su argumento. ¿Qué quieren decir esos planos de animales descuartizados en
un matadero? ¿Y los planos aéreos y ralentíes? Es entonces cuando el crítico
debería empezar a tratar de resolver el misterio. Menos mal que el realizador <b>Nicolás Klement</b> estuvo presente en el
festival para aclararnos (¿?) las ideas sobre su ópera prima: la película es
superficial y sin sentido, no tiene ningún significado oculto, al menos de
manera consciente. No trata de nada, ni quiere transmitir nada más allá de
alcanzar la pureza más absoluta del medio cinematográfico. No es una teoría en
absoluto desdeñable, si no fuera porque sus intenciones iniciales acaban siendo
contaminadas por sus pretensiones. En su búsqueda de la esencia del cine, es
lógico que el director centre su atención en los niños, que son aquellos que,
con su espontaneidad, pueden crear un momento irrepetible ante la cámara. Sin
embargo, esos momentos son precisamente los que no se fuerzan, y la filmación
obsesiva que <b>Klement</b> les dedica deja
en evidencia una búsqueda obstinada de ese instante único. Podríamos decir que <i>Ekpyrosis</i> busca el realismo desde la impostura.
El deje de arrogancia que planea sobre la propia película como instrumento
visual, y sobre los personajes que la protagonizan, no hace otra cosa que afirmar
que, finalmente, el director sí que ha conseguido su objetivo: nos encontramos
antes la nada más absoluta. <o:p></o:p></div>
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Y de una película en la que las imágenes no expresan nada, a
otra en la que lo expresan (y lo condicionan) todo. El director <b>Nadav Schirman</b> ya participó el año
pasado en <b>DocumentaMadrid</b> con su
largometraje <i>In the dark room<b> </b></i><b>(2013)</b>, sobre la que fue la mujer del terrorista <b>Carlos “El Chacal”</b> durante 13 años, <b>Magdalena Kopp</b>, contada como un
thriller en primera persona. Del mismo modo, aunque de forma más ambiciosa,
está enfocado el trabajo que ha presentado este año en el festival, <i>The Green Prince</i>, ganadora, al igual que
<i>Return to Homs </i>(de la que hablábamos
en la primera crónica), en el último <b>Sundance</b>,
en este caso el <b>Premio del Público</b>.
La película tiene como protagonista un personaje único: <b>Mosab Hassan Yousef</b>, hijo del líder del <b>Hamas</b> palestino, que estuvo 10 años engañando a todo el mundo
mientras colaboraba con el <b>Shin Bet</b>
israelí. Sin entrar a analizar la historia (cada uno puede tener su opinión
sobre los actos de <b>Mosab</b>), el
problema surge cuando el director intenta imponer su propia postura, la de la benevolencia,
al espectador, manipulándolo a través del montaje. <b>Schirman</b> deja de lado el complejo contexto político, que solo se
queda como telón de fondo, para contar una humanista historia de amistad. El
director adopta un lenguaje más propio de la ficción que del documental, y, más
allá de las imágenes de archivo, los momentos recreados y las confesiones a
cámara carecen de cualquier tipo de naturalidad, poniendo el énfasis en los
ojos y las miradas, subrayados por la temática música de Max Richter. Es una
opción como podría ser cualquiera dentro del amplio margen que da el género de
lo real, para hacerlo más entretenido y atractivo para un mayor margen de
público. Pero, inevitablemente, este tipo de propuesta resta honestidad al conjunto. <o:p></o:p></div>
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En el otro extremo de la frivolidad de <i>Ekpyrosis</i> y de la artificialidad de <i>The Green Prince</i>, se situaría <i>Iranien</i>,
una película que es básicamente dialéctica. El director de origen iraní <b>Mehram Tamadon</b> es ateo y se ha
europeizado (vive en <b>Francia</b>). Para
él, las costumbres tradicionales de su país le resultan totalmente ajenas, y
más aún, muy cuestionables. Después de años de intentos fracasados, <b>Tamadon</b> consigue convencer a cuatro
mulás islámicos para pasar dos días juntos en una casa de campo, simplemente
hablando de sus diferentes ideas y tratando de llegar a una conclusión
satisfactoria. El salón de la casa de <b>Tamadon</b>
se convierte en una especie de ágora griega, en el que estos hombres expondrán
sus distintas opiniones en torno a temas fundamentales como la situación de la
mujer, el aborto, la religión o la censura. Con una puesta en escena
fundamentalmente teatral, <i>Iranien</i> es
un intenso estudio sociológico imposible de abarcar en un solo visionado, por
la complejidad y los diferentes puntos de vista de los temas que trata; un
trabajo que deja en evidencia la deficiencia de una sociedad, tanto occidental
como oriental, en la que el diálogo casi nunca lleva a una conclusión
satisfactoria, ni la mayoría de las cosas se resuelven solo hablándolas. </div>
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No lejos del mundo utópico que quería crear <b>Tamadon</b> se encontraría el que también
buscan las protagonistas de <i>Two ranging
grannies</i>. La comedia americana de corte <i>indie-folk</i>
ha llegado al género documental, a pesar de que viene de la mano de un equipo
noruego y no estadounidense. Sin embargo, el director <b>Håvard Bustnes</b> se muestra como un digno heredero del <b>Alexander Payne</b> de <i>Nebraska</i> <b>(2013)</b> en este
viaje (sí, por supuesto, hay un viaje) literal y metafórico de dos mujeres de
84 y 92 años que, habiendo vivido la <b>Gran
Depresión</b>, ven en la crisis actual un reflejo de la misma, y planean hacer
algo para mejorar la situación. <b>Hinda </b>y
<b>Shirley</b>, que así se llaman las
susodichas, se irán informando sobre el crecimiento económico, a veces a través
de profesionales que lo explican de manera muy técnica, y gracias a su fuerte
vínculo de amistad, unirán sus caracteres opuestos para llegar a plantear sus
dudas incluso en las más altas esferas. Se trata de una película que tiene toda
su fuerza en la enorme personalidad de las protagonistas, y en su construcción,
evidente pero no forzada. Sin embargo, cuando consigue extraordinarios momentos
exclusivos, como las imágenes clandestinas en la cena de <b>Wall Street</b>, o algunos gestos de cariño sincero entre las mujeres,
es cuando el film brilla con personalidad propia. <i>Two ranging grannies</i> comienza como una película económica y acaba
como un canto a la vida, a luchar por lo que uno quiere hasta el último
momento, y a no perder la esperanza. <o:p></o:p></div>
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Sofia Pérez Delgadohttp://www.blogger.com/profile/00709860512385786331noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-44372099642395064002014-05-08T15:15:00.000+02:002014-05-09T21:25:55.928+02:00Jovial choque de generaciones <h2 style="background-color: white; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 11px; font-weight: normal; letter-spacing: 0.2em; line-height: 1.4em; margin: 1.5em 0px 15px; outline: 0px; padding: 0px 0px 10px; text-align: justify; text-transform: uppercase;">
llega a los cines <i>malditos vecinos</i>, una comedia con el sello de judd apatow. no trasciende ni aporta nada nuevo, pero logra su objetivo de hacer reír, que ya es mucho. </h2>
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<div style="text-align: right;">
Por <b><i><a href="https://twitter.com/MiguelDelgado__">Miguel Delgado</a></i></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaLwuetIFEO5mSAqHORaCifu5y19hJs7XaUuipvbH8RWLbLf7_6bADUzKTUhXf33xG8kjdzVscgNH5O_di_mposVx_Gpcw7EXWnCUmSzAKeN1S_rBTcSrh8XG4MygwfY3qGsOB6QDavcBB/s1600/961ff-vecinos3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaLwuetIFEO5mSAqHORaCifu5y19hJs7XaUuipvbH8RWLbLf7_6bADUzKTUhXf33xG8kjdzVscgNH5O_di_mposVx_Gpcw7EXWnCUmSzAKeN1S_rBTcSrh8XG4MygwfY3qGsOB6QDavcBB/s1600/961ff-vecinos3.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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Sin duda uno de los
nombres más importantes de la comedia americana actual es el de <b>Judd Apatow</b>, para bien o para mal. Con
solo un puñado de películas dirigidas por él, pero con muchísimas producciones
a sus espaldas, ha asentado las bases toda película cómica que se precie a día
de hoy. Con su cine, dio un giro a las películas centradas en jóvenes que
buscaban desesperadamente perder la virginidad para centrarse unos individuos
bastante más maduros en lo referente a la edad, que no mentalmente. No es
descabellado decir que ha creado un movimiento cinematográfico, en el que
podemos encontrar tanto delante como detrás de las cámaras un grupo como poco
interesante. Entre estos nombres se encuentran dos que traen a nuestras
pantallas esta semana <i>Malditos vecinos</i>:
El actor (y en ocasiones guionista y director) <b>Seth Rogen</b> y el director <b>Nichollas
Stoller</b>. Ambos se han visto en numerosas ocasiones bajo el ala de esta ola,
y aunque <b>Apatow</b> no figura en los créditos
de este nuevo film, su nombre planea sobre él en todo momento. <o:p></o:p></div>
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<i>Malditos vecinos</i> trata sobre la rivalidad que surge entre una pareja de mediana edad que
acaban de tener un bebé y una destructiva fraternidad que se trasladado a la
casa de al lado. La película en este caso se abre a dos frentes: por una lado
nos encontramos con los personajes típicos de las comedias de los <b>2000</b>, gente que tiene que afrontar un
nuevo estado de madurez para adaptarse a los retos de la vida; y por otro los
típicos de films referentes a fraternidades y estudiantes que solo piensan en
montar las fiestas más grandes y ruidosas posibles y en tener sexo con cuantas
jóvenes puedan. En este punto tampoco estarían muy alejados de personajes de
películas como los de la saga <i>American
Pie</i>. En ambos bandos nos encontramos chistes comunes, algunos más típicos
que otros, pero sin duda lo que más miedo podría provocar sería que la unión de
estos dos estilos diera lugar a un pastiche difícilmente soportable. No es el
caso, y de hecho (y como debía ocurrir) los mejores momentos quedan relegados a
este choque generacional de estos individuos y a la guerra abierta que se
declaran. <o:p></o:p></div>
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En gran parte todo
funciona porque es una película que se nota hecha con ganas. No hay más que ver
el reparto actoral, se nota que se lo han debido pasar en grande a la hora de
realizar la película y lo transmiten al público. A <b>Seth Rogen</b> esto ya le sale solo, con todo el bagaje que tiene en este
tipo de papeles y películas. Más sorprendentes resultan <b>Zac Efron</b>, perfecto para lo que se le requería, y <b>Rose Byrne</b>, a la que no está el público
tan acostumbrado a ver en estos fregados, y que posee mucha química con <b>Rogen</b>, a pesar de estar un poco forzada
en alguna escena. Nada que moleste tampoco. El resto del reparto, en el que
encontramos nombres como <b>Dave Franco</b>
o <b>Christopher Mintz-Plasse</b>, realizan
el papel de secundarios comparsa, perfectos en su función aunque no lleguen a
resultar entrañables (los amigos de la pareja protagonista daban para más).
Entre sus numerosos aciertos también se apuntaría un acertadísimo uso de las
referencias culturales, momentos de <i>slapstick</i>
puntuales que no desentonan en absoluto, y en general un humor políticamente incorrecto
que no llega a cruzar la barrera de lo burdo.<o:p></o:p></div>
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Sabiendo que habrá
bastantes risas, aclarar que no estamos ante una obra que vaya a reinventar
nada. Bebiendo de varias fuentes, sabe crear un conjunto compacto, pero tampoco
hay nada que no se haya visto antes, ni algo que se vaya a imitar en el futuro.
No hay en sus fotogramas ningún hallazgo visual o técnico más allá de una
correcta realización general. Tampoco se le puede culpar de ello. Es un
producto exclusivamente creado para hacer reír durante la hora y media
aproximada que dura, y vaya si lo consigue. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsyGrbxw94DItuTRt_5vXe9264o1-X-B9QeFhLZRHTkmJfWTuH2XwMczr1Tg8svlAfuA4tRNOQwy-bDR8OZ8H3Xsz3E0dvPx5hlJlfNUNkewBO2LuLR7i8HnGuhKzbBDsmc_5_KHeG_2bO/s1600/30.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsyGrbxw94DItuTRt_5vXe9264o1-X-B9QeFhLZRHTkmJfWTuH2XwMczr1Tg8svlAfuA4tRNOQwy-bDR8OZ8H3Xsz3E0dvPx5hlJlfNUNkewBO2LuLR7i8HnGuhKzbBDsmc_5_KHeG_2bO/s1600/30.jpg" height="344" width="640" /></a></div>
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Tal vez en algún momento la
narración se tambalea ligeramente, pero los guionistas <b>Andrew J. Cohen</b> y <b>Brendan
O'Brien</b> siempre encuentran por donde salir de manera acertada y sin que se
pierda el interés. No se retiene mucho
tiempo en tu cabeza, pero sin duda se disfruta durante su visionado y consigue
lo más importante, que el humor funcione y lo haga pasar bien. No es una obra
de grandes aspiraciones pero tampoco lo pretende, y desprende un buen hacer por
todos sus implicados que es de agradecer. Eso sí, deja una escena de lo más
inspirada y que seguramente sea recordada dentro del humor reciente, que es esa
desternillante y absurda fiesta “De Niro”. Escena concisa, nada estirada, que
funciona de maravilla y que provoca sonoras carcajadas. Para pasárselo bien. </div>
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<o:p></o:p></div>
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<h2 style="background-color: white; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 11px; font-weight: normal; letter-spacing: 0.2em; line-height: 1.4em; margin: 1.5em 0px 15px; outline: 0px; padding: 0px 0px 10px; text-align: justify; text-transform: uppercase;">
<span style="font-family: inherit; margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px;"><span style="margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px;">malditos vecinos (neighbors - 2014) |</span> <span style="line-height: 19px; margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px;">★★★</span></span><span style="font-family: inherit; letter-spacing: 0.2em; line-height: 19px;">½</span><span style="font-family: inherit; letter-spacing: 0.2em; line-height: 19px;"> </span><span style="font-family: inherit; letter-spacing: 0.2em; line-height: 19px; margin: 0px; outline: 0px; padding: 0px;">| ESTRENO 9-5-2014 </span></h2>
Sofia Pérez Delgadohttp://www.blogger.com/profile/00709860512385786331noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-63958567813041599282014-05-07T16:07:00.000+02:002014-05-07T16:07:04.333+02:00XI DocumentaMadrid | De lo social a lo artístico<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<h2 style="background-color: white; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 11px; font-weight: normal; letter-spacing: 0.2em; line-height: 1.4em; margin: 1.5em 0px 15px; outline: 0px; padding: 0px 0px 10px; text-align: justify; text-transform: uppercase;">
Continuamos nuestro recorrido por documentamadrid, en esta ocasión centrándonos en algunas de las películas que se han podido ver en la sección panorama del documental español, y que evidencian el buen estado en el que se encuentra el género en nuestro país. además, también hacemos referencia a cinco de los cortometrajes participantes en la sección oficial. </h2>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<div style="text-align: right;">
Por <b><i><a href="https://twitter.com/daysmovie">Sofia Pérez Delgado</a></i></b></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
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Nos encontramos en un momento en España en el que una
generación nueva de autores se está decantando por el cine de lo real,
realizando trabajos de mucho nivel, y que además están poco a poco encontrando
su público. El problema es que la teoría generalizada de que este tipo de
películas son poco rentables provoca que no acaben de establecerse en ningún
lugar, ni en salas ni en televisiones. La sección <b>Panorama del documental español</b>, dentro de <b>DocumentaMadrid</b>, toma estas producciones que están buscando
asentarse y, frente a un momento de (¿positiva?) incertidumbre, da la
oportunidad a los asistentes al festival de descubrir de trabajos de lo más
diverso que, además, tienen nexos comunes más allá que el de ser españolas. <o:p></o:p></div>
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<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibu10sAz9LICjxh5KEUlynVgHoHZJGAeGeUYq2H_SzsjBnah54uxb81EklnKZiETWH0ugZh5Xm1jvFTDTRnVjCjpSya2D7fG4ZuvFNYrpqI7RF8vUsUHq8TInDghUJEJmdscTfJLHiWlaH/s1600/foto_1101.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibu10sAz9LICjxh5KEUlynVgHoHZJGAeGeUYq2H_SzsjBnah54uxb81EklnKZiETWH0ugZh5Xm1jvFTDTRnVjCjpSya2D7fG4ZuvFNYrpqI7RF8vUsUHq8TInDghUJEJmdscTfJLHiWlaH/s1600/foto_1101.jpg" height="207" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
La primera película de <b>Panorama</b>
a la que asistimos fue <i>Un sitio donde
quedarse</i>, realizada por <b>Marta
Arribas</b> y <b>Ana Pérez de la Fuente</b>,
que habla de los jóvenes en riesgo de exclusión social, al tiempo que hace un
retrato de <b>Madrid</b> como ciudad que
engulle a sus habitantes y les introduce en ambientes de los que luego es muy
difícil salir. La historia gira en torno a la búsqueda de un espacio propio en
el que sentirse como en un hogar, y se divide en tres partes: las dos primeras,
la evolución de dos de esos chicos, <b>Adrián</b>
y <b>Samya</b>, y la tercera, centrada más
en la maravillosa labor que los trabajadores sociales hacen con estos
muchachos. La película quiere desmentir la idea de que todos los jóvenes en
situaciones marginales son delincuentes, cuando muchas veces se trata de gente
muy sola que viene de familias desestructuradas, y que solo quieren mejorar sus
vidas, pero no saben cómo. La mayor baza del film reside en su espontaneidad,
que recuerda en ocasiones a obras de ficción que han tratado de acercarse con
realismo y cierto carácter comprometido a la juventud, como <i>Barrio</i> <b>(1998)</b> o <i>El bola</i> <b>(2000)</b>, pero también a otros ejemplos
documentales como <i>La plaga</i> <b>(2013)</b>. La diferencia fundamental de
trabajos como el de <b>Neus Ballús</b> y <i>Un sitio para quedarse</i>, es que esta última
no puede desprenderse de su aspecto de reportaje televisivo, muy probablemente
debido a que es el medio del que provienen sus realizadoras. Cabe cuestionarse
pues su importancia como documento cinematográfico, pero es indudable su valor
como instrumento pedagógico. Quizás el circuito más apropiado para <i>Un sitio donde quedarse</i> sea el de
centros educativos y no tanto el de festivales de cine. </div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH8ORzPmtzYdCKvNoFz5D5iSlKlY_OZu1tbnAZS7aKZ4VYpKBD4IJiwG4avvEDfCw5NP3dvyG4TzL0_bLo2o9sFhv_gOoqrnIG-G6HKpaIn0Haf4B5FvaSu3kEHRz9Oh8-obQBpRpQwxfu/s1600/imagenslim.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH8ORzPmtzYdCKvNoFz5D5iSlKlY_OZu1tbnAZS7aKZ4VYpKBD4IJiwG4avvEDfCw5NP3dvyG4TzL0_bLo2o9sFhv_gOoqrnIG-G6HKpaIn0Haf4B5FvaSu3kEHRz9Oh8-obQBpRpQwxfu/s1600/imagenslim.jpg" height="368" width="640" /></a></div>
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Si <i>Un sitio donde
quedarse</i> quiere centrar su atención en los problemas de la juventud marginal española, en <i>Slimane</i>, de <b>José Ángel Alayón </b>(que también participa
en el festival como productor de <i>Hotel
Nueva Isla</i>), nos encontramos precisamente con todo lo contrario: trata la
situación de unos chicos marroquíes que tienen que hacer frente, como
extranjeros, a las dificultades que supone vivir en nuestro país. Y lo hace
desde un punto de vista menos crítico y mucho más poético y contemplativo. <i>Slimane</i> (nombre del protagonista) tiene
una narración casi tradicional, aunque recreándose en los momentos de
transición, con la introducción incluso de elementos de thriller de misterio,
aunque sobre todo sorprende en su giro hacia un realismo mágico propio del cine
latinoamericano experimental. La película transita por la fina línea que separa
la realidad y la ficción, sin llegar a decantarse nunca claramente por ninguna
de las dos opciones. <i>Slimane</i> es por
tanto un documental que juega a que el espectador se plantee constantemente la
veracidad de aquello que está viendo, decidiendo por él mismo con qué opción
quiere quedarse. Cuando menos, un ejercicio estimulante de reflexión. <o:p></o:p></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM_bCPSvEP-AJl4f25QOdQZjSeFx7cQOcm4TOJweVqa-11sUDzPrPXRHZL_PAJPOtgqoDIeVF-pIcCMIw8RyaEIDPm_Tsejk4h-cbZnPsYYT4yN-rY5XUPi-UuEaK4HfZz90HAOKEISDZU/s1600/Competition_03.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM_bCPSvEP-AJl4f25QOdQZjSeFx7cQOcm4TOJweVqa-11sUDzPrPXRHZL_PAJPOtgqoDIeVF-pIcCMIw8RyaEIDPm_Tsejk4h-cbZnPsYYT4yN-rY5XUPi-UuEaK4HfZz90HAOKEISDZU/s1600/Competition_03.jpg" height="247" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<div style="text-align: justify;">
Las dos primeras películas de las que hemos hablado tenían,
más allá de su forma, un contenido fundamentalmente social. A continuación
vamos a comentar otras dos que tratan, en principio, también del mismo tema: los
concursos dentro de las distintas disciplinas artísticas. La primera de ellas, <i>The Competition</i>, dirigida por <b>Ángel Borrego Cubero</b>, es una <i>rara avis</i> dentro de este marco, ya que
no se concibió para el mercado cinematográfico, sino para documentar el proceso de selección que se llevó a cabo para seleccionar al arquitecto
que erigiría el <b>Museo Nacional de Arte
de Andorra</b> en <b>2009</b>. Cinco de los
más importantes arquitectos actuales se disputaban el encargo<b>: Jean Nouvel</b>, <b>Zaha Hadid</b>, <b>Dominique Perrault</b>,
<b>Frank Gehry</b> (que ha sido ganador hoy
mismo del <b>Premio Príncipe de Asturias de
las Artes</b>) y <b>Norman Foster</b>, el
cual se retiró a las pocas semanas, supuestamente por no querer estar presente
en el film (el único, curiosamente, que tiene un documental dedicado exclusivamente
a su figura, <i>¿Cuánto pesa su edificio, Sr
Foster? </i><b>-2010-</b>). La película, de
carácter puramente artesanal (los créditos iniciales son todo un acierto) no intenta
simplificar el proceso de diseño de un edificio, sino que se acerca a los
diferentes estudios de los artistas para que veamos toda la evolución,
especialmente centrado en el de <b>Nouvel</b>.
Pero <i>The Competition</i> aprovecha este
planteamiento para hacer referencia también al egocentrismo y la arrogancia
propia del artista consumado (y fomentada por la adulación de los demás), y
dignificar la labor de los ayudantes, que muchas veces son quienes hacen el
trabajo más duro. Una película que logra hacer reír y ser incluso apasionante
por momentos, mostrando el lado menos romántico y más comercial y mecánico del
arte.</div>
</div>
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<b><br /></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGqcrz25FwFOfJNsdMKxXGphT820gDlVbbRAFK0NgtWxM628jivSXsP-SCzgR9Z2BwR_grpStecd-hFCCWo6uYoBU28MwnW0G4HEU-B4yBnyMdyB-G7sCNtXT7NUzhFu34cRonTOGP9ATu/s1600/Q2_0018_One+Minute+for+Conductors.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGqcrz25FwFOfJNsdMKxXGphT820gDlVbbRAFK0NgtWxM628jivSXsP-SCzgR9Z2BwR_grpStecd-hFCCWo6uYoBU28MwnW0G4HEU-B4yBnyMdyB-G7sCNtXT7NUzhFu34cRonTOGP9ATu/s1600/Q2_0018_One+Minute+for+Conductors.jpg" height="280" width="640" /></a></div>
<br />
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También de una competición, en este caso no entre artistas
consumados, sino entre jóvenes que buscan una oportunidad de cumplir sus
sueños, habla <i>One minute for conductors</i>,
de <b>Ángel Esteban</b> y <b>Elena Goatelli</b>. La historia nos sitúa
en <b>Trento</b>, donde vamos a asistir a
la selección del ganador del <b>Concurso Internacional para Directores de Orquesta
Antonio Pedrotti</b>, recorriendo todas sus etapas. La música es una materia mucho
menos dura que la arquitectura, y por tanto ya solo por eso la película
tiene mucho más ganado que <i>The
Competition</i>. Si a eso le añadimos la magnífica banda sonora compuesta por
piezas de <b>Beethoven</b>, <b>Brahms</b> o <b>Debussy</b> entre muchos otros, y una sucesión de entrañables
personajes, a los que la película sabe sacar partido para despertar empatía,
tenemos un extremadamente agradable conjunto. Pero, además, <i>One minute for conductors</i> es un
documental muy técnico estéticamente, con un elaborado y cuidado montaje que va
al ritmo con los temas que suenan, y que, de forma vertiginosa, introduce al
espectador en el juego de tratar de averiguar quién será el ganador. Si algo
comparten, en fin, <i>The Competition</i> y <i>One minute for conductor</i> (y ese es el
motivo por el que más destacan) es sin duda una conclusión que evidencia la
trivialidad de este tipo de certámenes. </div>
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<b>El mundo en unos minutos</b></div>
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<b><br /></b>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMwvmq5JfajEWmM1wbLQAZY7ZDmuoFFhvzg0FZRAvyxEA38G59Y9A3SXnbQPQlU_ORErlqYEwSUxuxLwmbnn98l-_mWcags7xis3H_pUplmcFbXTtDrh19dDUUdtAI9ArYC-tqAwzqK4yo/s1600/substanz.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: justify;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMwvmq5JfajEWmM1wbLQAZY7ZDmuoFFhvzg0FZRAvyxEA38G59Y9A3SXnbQPQlU_ORErlqYEwSUxuxLwmbnn98l-_mWcags7xis3H_pUplmcFbXTtDrh19dDUUdtAI9ArYC-tqAwzqK4yo/s1600/substanz.jpg" height="266" width="640" /></a></div>
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Además de a la <b>Sección
oficial de largometrajes</b>, y a <b>Panorama</b>,
también hemos podido asistir estos días en <b>DocumentaMadrid</b>
a una de las tandas de la <b>Sección
Oficial de cortometrajes</b>, en la que vimos cinco trabajos, cuatro de ellos a
competición, y uno fuera de ella, el mexicano <i>La ahorcadita</i>. Está realizado por alumnos del programa <b>Jóvenes en Video</b> de <b>Baja California</b>, dirigido por <b>Sylvia Peel</b>, miembro del jurado de esta
sección. Es por tanto un corto estudiantil que en ocasiones resulta demasiado
explicativo visualmente, pero que tiene un gran sentido estético. Su apuesta es
la de poner por primera vez en imágenes una leyenda local que sólo se conocía
boca a boca. Dentro de competición, nos encontramos con una de las
representaciones españolas de la sección, <i>Walls</i>,
de <b>Miguel López Beraza</b>, la
entrañable historia de dos vecinos ancianos narrada, ni más ni menos, que por
el propio edificio que les acoge. El corto recoge la cotidianidad de un día
cualquiera en la vida de estas dos personas, que en unos minutos consiguen volverse
empáticos. Quizás el más convencional de los trabajos que vimos en esa
selección fue el polaco <i>When I am a bird</i>,
de <b>Monika Pawluczuk</b>, que nos
introduce en una familia de una tribu <b>Kayan</b>
que viven en <b>Tailandia</b>, y la vez hace
un juicio sobre la transformación de ciertos tipos de cultura en meras
atracciones turísticas. El croata <i>Presuda</i>,
de <b>Duro Gavran</b>, va recorriendo los
rostros de aquellas las personas que, dieciséis años después de la guerra,
escuchan la sentencia impuesta al general <b>Ante
Gotovina</b> desde la plaza principal de <b>Zagreb</b>. El espectador solo oye una voz
retransmitiendo, pero es en los primeros planos de la gente donde vemos los
sentimientos. Y por último, la propuesta más radical de todas fue sin duda la
del alemán <b>Sebastián Mez</b> con su <i>Substanz</i>, un experimento totalmente
sensorial y anti-narrativo, que refleja el horror a través de un collage visual
y sonoro. Pero de este trabajo hablaremos más ampliamente en una entrevista que
hemos tenido oportunidad de hacerle al director con motivo de su paso por el
festival.</div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<o:p></o:p></div>
</div>
Sofia Pérez Delgadohttp://www.blogger.com/profile/00709860512385786331noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-90952721994145172582014-05-06T22:35:00.000+02:002014-05-06T22:35:55.511+02:00Visión doble | En un lugar sin ley<h2 style="text-align: justify;">
En esta ocasión debatimos sobre <i>En un lugar sin ley</i>. Bella película premiada en Sundance 2013 que clausuró el Atlántida Film Fest y se estrena este mismo viernes en nuestras pantallas. ¿Fría o extraordinariamente sensible?</h2>
<div style="text-align: justify;">
<i style="text-align: start;">por <b><a href="http://twitter.com/daysmovie">SOFIA PÉREZ DELGADO.</a></b></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="text-align: start;"><br /></i></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-JWZDNqvLY5c/U2lHQv4ktiI/AAAAAAAAFPI/n0WCVaRHY5s/s1600/082013mara1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-JWZDNqvLY5c/U2lHQv4ktiI/AAAAAAAAFPI/n0WCVaRHY5s/s1600/082013mara1.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="text-align: start;"><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="text-align: start;"><br /></i></div>
<div style="text-align: justify;">
Tras pasar con éxito el pasado año por numerosos festivales, erigiéndose como una de las sensaciones indies de la temporada, por fin hemos podido ver en <b>España </b>(como película de clausura en el <b>Atlántida Film Fest</b>, antes de su inminente estreno en cines) <i>En un lugar sin ley</i>, la película de <b>David Lowery </b>sobre una pareja de fugitivos ambientada en los años <b>70</b>. Se trata de una historia romántica forzosamente trágica, que se ha ganado inevitables comparaciones con <b>Terrence Malick</b> argumental y estilísticamente, aunque la narración de <i>En un lugar sin ley</i> es menos introspectiva. No vamos a encontrarnos aquí, por decirlo en otras palabras, voces en <i>off </i>preguntándose sobre el sentido de la vida mientras se nos inundan las retinas de luminosos <i>flashbacks</i>. Es innegable que la fotografía de <b>Bradford Young</b> está cuidadísima, y que <b>Lowery </b>transmite lirismo a las imágenes. Su estilo es poético como el de <b>Malick</b>, pero lo que nos cuenta, lejos de buscar una profundidad trascendental, se queda en el terreno de lo superficial. Y quizás ese sea su mayor problema, la incapacidad de transmitir emoción a través de unos personajes distantes y planos, y de una trama subdesarrollada.<b> Casey Affleck</b> y <b>Rooney Mara</b> parecen entender su relación tan poco como lo hacen los espectadores, y por tanto, la pasión es inexistente. Finalmente, <i>En un lugar sin ley </i>es ante todo, más que una película de amor, una reflexión sobre la madurez, sobre el paso de la inconsciencia y la despreocupación juvenil a la responsabilidad adulta; sobre vivir el presente como si no hubiese mañana, hasta que el mañana te alcanza, y ya no vives solo por ti, sino también por otras personas. No deja de ser interesante, pero aun así, <b><span style="color: blue;">es un film muy hermoso de ver, pero insuficiente para sentir.</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span style="color: blue;"><br /></span></b></div>
<hr style="text-align: justify;" />
<div style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<i style="text-align: start;">por <b><a href="http://twitter.com/nachogrim">NACHO VÁZQUEZ LUNA.</a></b></i></div>
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<i style="text-align: start;"><br /></i></div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-3xYjTHZy404/U2lHQdMuBzI/AAAAAAAAFPM/6xyZlLv16k8/s1600/30796.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-3xYjTHZy404/U2lHQdMuBzI/AAAAAAAAFPM/6xyZlLv16k8/s1600/30796.jpg" height="424" width="640" /></a></div>
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<b>David Lowery</b> se apodera del estilo perpetuado por <b>Terrence Malick</b> para adentrarnos en el <b>Texas </b>más profundo. La <b>América </b>representada en <i>En un lugar sin ley</i> no puede catalogarse como parte de ningún género especifico ya que es capaz de utilizar las características que hacen especiales los <i>westerns</i>, los <i>thrillers </i>y los dramas románticos para realizar una obra atemporal. <b>Lowery </b>consigue lo que muchos romances en el celuloide actual no: los protagonistas, únicamente compartiendo cuatro escenas, hacen al público cómplice de su idilio antes de su separación, logran que el espectador empatice con su relación y su situación. La evolución de los protagonistas en sus respectivos caminos no aleja al espectador de la idea de su vínculo. En la simpleza de la historia se encuentra su belleza, su simple trama está realizada en pos de la caracterización de los personajes, creando sentimientos tan veraces que transcienden más allá de la pantalla. <b><span style="color: blue;">La obra está creada con una sensibilidad mágica</span></b>, prueba de ello es su bella fotografía, unida a su sureña banda sonora. También consigue separarse del género melodramático y de ciertas artimañas comunes para hacer sentir al espectador. La honestidad que destila el largometraje embauca y te hace creer en el amor de estos dos forajidos. Pero todos estos sentimientos son el vínculo que une al espectador con los amantes, al romperse el mismo y no conectar durante las pocas escenas mencionadas, la película perdería todo su poder. La fragilidad y la belleza de la obra se reflejan en los propios protagonistas, la fragilidad de su futuro y la belleza de sus sentimientos.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-3800398809958282772014-05-05T16:00:00.000+02:002014-05-09T21:42:43.284+02:00XI Documenta Madrid | Mentiras, guerras, revoluciones y víctimas del sistema.<div style="text-align: justify;">
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El DocumentaMadrid se inaugura con las mentiras más mediáticas del panorama deportivo reciente y desarrolla sus primeras jornadas entre guerras y revoluciones. Las víctimas del sistema, protagonistas de los primeros compases del certamen internacional.</h2>
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<i>por <b><a href="http://twitter.com/daysmovie">Sofia Pérez</a></b></i></div>
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El documentalista y director de fotografía <b>José Luis López-Linares</b>, miembro del jurado de la <b>Sección Oficial </b>de largometrajes del <b>11º DocumentaMadrid</b>, se mostró impresionado en la inauguración del mismo el pasado día 30 de Abril porque una sala de cine dedicada únicamente a la no ficción (“Es decir, lo contrario que todo el resto de salas”, afirmó) estuviese llena de gente que, además, sabían conscientemente lo que iban a ver. Y así es, aquellos que asisten a <b>DocumentaMadrid</b> quieren que les pongan la verdad frente a la cara. Que les cuenten cosas que no sabían, o que estaban ocultas. Si el año pasado, la película inaugural fue <i>The Gatekeepers</i> (<b>2012</b>), que recogía por primera vez ante la cámara los testimonios de seis hombres que habían sido jefes del <b>Shabak</b> israelí (cuyo director, <b>Dror Moreh</b>, afirmaba en el propio festival que “los documentales pueden cambiar el mundo”), este año el pistoletazo de salida lo volvía a dar una declaración directa y en primera persona, aunque sorprendentemente, nos resulte más difícil valorar su credibilidad: la del ciclista <b>Lance Armstrong</b>.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAd_QJ6DNHem1NNjosU31IlC5-6k1VHwf4x7izoYF1ilv-a-g3gAJH1dpKvN1Yi4hr6aZNZpUe4aejGmyPv94vRAN5ewXFJaZdhYy2V9EYD431BMZPcDhHUY6hpdFUUq3WYftQ6He3FK0j/s1600/the-armstrong-lie.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAd_QJ6DNHem1NNjosU31IlC5-6k1VHwf4x7izoYF1ilv-a-g3gAJH1dpKvN1Yi4hr6aZNZpUe4aejGmyPv94vRAN5ewXFJaZdhYy2V9EYD431BMZPcDhHUY6hpdFUUq3WYftQ6He3FK0j/s1600/the-armstrong-lie.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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En un momento determinado de<i> The Armstrong Lie</i>, el director <b>Alex Gibney</b> cuenta el recelo que tenían hacia su película aquellos que rodeaban de un modo u otro a <b>Lance Armstrong</b>, ya que no tenían claro si lo que pretendía con sus grabaciones era mitificarle o denunciarle. Había partidarios y detractores de cada una de las opciones. El documental de <b>Gibney </b>es uno de esos fenómenos cinematográficos que tienen casi vida propia, que se van gestando y transformando según ocurren los acontecimientos. <i>The Armstrong Lie</i> es una película dentro de otra. En un principio, lo que el director quería era analizar la carrera del ciclista a partir de su regreso en <b>2009</b>, tras haberse retirado en <b>2005</b>. Sin embargo, el brutal proceso de investigación que llevó a cabo la <b>Agencia Anti-Doping</b> en <b>2012</b>, y la definitiva confesión del propio <b>Armstrong </b>en enero de <b>2013</b>, cambiaron el rumbo de la propuesta. <b>Gibney </b>se sintió entonces manipulado por el ciclista, y decide arrancarle una nueva declaración, que si bien por parte del director es una denuncia en toda regla, demuestra también que <b>Armstrong </b>se sigue viendo como una víctima.</div>
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<b>Armstrong </b>se descubre a sí mismo como un hombre soberbio e hipócrita, defendiendo unas posturas durante casi 15 años con una dignidad que resulta ridícula a luz de las revelaciones. ¿O es <b>Gibney </b>quien nos lo presenta así? Las películas del director se caracterizan por sus polémicos argumentos y el dinamismo del montaje y la música para darle agilidad a la cantidad de información que transmiten, de una manera que a veces puede llegar a rozar lo sensacionalista y manipulador (ese<b> Michele Ferrari</b> viendo emocionado frente al televisor el final del <b>Tour de Francia</b> de <b>2009</b>). Pero en el último momento casi nunca llega a traspasar esa línea. Sin embargo, y quizás este es uno de los aspectos que hacen más atrayentes los trabajos de <b>Gibney</b>, en ocasiones la narración parece que entra en el terreno de la ficción, aquel en el que el realizador puede adulterar la realidad según le convenga. El mejor ejemplo lo tenemos en ese enfrentamiento entre <b>Armstrong </b>y <b>Alberto Contador</b>, que recuerda al que contaba <b>Ron Howard</b> entre <b>Niki Lauda</b> y <b>James Hunt</b> en <i>Rush </i>(<b>2013</b>).</div>
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En el fondo, el afán de <b>Armstrong </b>de engañar a todo el mundo, y sobre todo a sí mismo, viene dado por un profundo sentimiento de inferioridad, provocado por el cáncer que padeció. Quería demostrar que podía ser el mejor, fuera como fuera. <i>The Armstrong Lie</i> es ya, desde su propio título, un análisis del relativismo de la verdad. Plantea la teoría de que si una mentira es compartida por muchos, o si uno se lo llega a creer con todas sus fuerzas, puede convertirse en cierto.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-jAD-iYafgl8/U2aQVWRvf8I/AAAAAAAAFOo/EC50cD1zKv4/s1600/R+-+UKRAINE+IS+NOT+A+BROTHEL.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-jAD-iYafgl8/U2aQVWRvf8I/AAAAAAAAFOo/EC50cD1zKv4/s1600/R+-+UKRAINE+IS+NOT+A+BROTHEL.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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Pero para nuestra sorpresa, la película de inauguración no fue el único ejemplo durante los primeros días en la <b>Sección Oficial</b> de mutación debida a que la lo largo del rodaje el realizador descubre cierta información que no conocía. <i>Ukraina ne bordel (Ucrania no es un burdel)</i> refleja los 14 meses que pasó la directora <b>Kitty Green</b> conviviendo activamente con <b>Femen</b>, el grupo supuestamente feminista que defiende los derechos de la mujer en un país en el que se encuentra infravalorada y sometida a un sistema de patriarcado. Al principio, parece que el documental va a ser un repaso a la historia del movimiento, a través de la proyección de algunas de sus performances, muy radicales, y siempre en topless, como forma de reivindicarse contra el turismo sexual. Pero, a través de las entrevistas que la directora realiza a algunas de las componentes de <b>Femen</b>, se observa que, aunque están muy comprometidas, muchas de ellas son chicas de pueblo, sin estudios ni motivaciones. Comienzan entonces a surgir dudas: ¿cómo han formado el grupo? ¿Qué las ha motivado a ello? <b>Green </b>va a descubrir entonces una serie de paradojas (palabra que, de manera lógica, se utiliza mucho en toda la segunda parte del documental), que van a dar lugar a la más grande de todas: <b>Femen </b>resulta ser, precisamente, aquello de lo que quería huir. <i>Ukraina ne bordel </i>denuncia el abuso de poder, y elogia a unas jóvenes que realmente son muy valientes, ya que se enfrentan a autoridades tan duras como la <b>KGB </b>(la propia directora fue arrestada por ellos). Pero en el fondo, el film desmitifica y hace cuestionarse la confianza y la utilidad de cualquier alzamiento de este tipo.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-lxhtncksKc4/U2aQYILvE2I/AAAAAAAAFOw/5_OzrEXXqi8/s1600/RETURN+TO+HOMS-RTH7.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-lxhtncksKc4/U2aQYILvE2I/AAAAAAAAFOw/5_OzrEXXqi8/s1600/RETURN+TO+HOMS-RTH7.jpg" height="358" width="640" /></a></div>
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Pero si hay documentales que nos hacen perder la esperanza en la credibilidad de la lucha por una causa, hay otros que nos hacen recuperarla. Aunque sea de manera trágica. Ganadora del <b>Gran Premio del Jurado World Cinema </b>en la última edición del<b> Festival de Sundance</b>, la siria <i>Return to Homs (Al awda ila Hims)</i>, de <b>Talal Derki</b>, nos habla también, como decíamos en <i>Ukraina ne bordel</i>, del abuso de poder y de la valentía, aquí llevada al límite. <i>Return to Homs</i> podría ser casi una película clásica en torno la nostalgia hacia un lugar que se ha perdido, el cual se convierte en un protagonista más. <b>Homs</b>, otrora centro principal de la joven revolución contra el gobierno dictatorial de <b>Bashar Al-Asad</b>, se ha transformado en un lugar destrozado, abandonado y habitado por fantasmas, donde los pocos que siguen combatiendo contra las fuerza militares han tenido que abandonar sus ideales pacifistas y defenderse con armas. Entre ellos surge la figura de un líder, <b>Abdul Basset</b>, un joven portero de la selección de fútbol siria, que renuncia a todo para recuperar la autonomía de su pueblo. La película está rodada en situaciones extremas, es un auténtico reportaje de guerra, en el que la cercanía del director al conflicto introduce de lleno al espectador en el mismo. Quizás se podría achacar una excesiva recreación en las imágenes de heridos y fallecidos, como queriendo buscar un impacto que ya está implícito en la tragedia que se retrata. Sin embargo, esto también puede entenderse como una manera de enfatizar una obligación del cine documental, que va más allá de lo puramente cinematográfico, y que tiene que ver con el compromiso de mostrar aquello que los informativos u otros medios no quieren o no pueden hacer, más en regímenes represivos. Por tanto<i> Return to Homs</i> no es una película fácil ni agradable de ver, pero está cargada de humanidad y es absolutamente necesaria para no olvidar el sacrificio de aquellos que luchan (y mueren) por la libertad.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-F0T-yu5OFAU/U2aQZXnNHAI/AAAAAAAAFO4/MuBJdhqvs7o/s1600/THE+DECENT+ONE-Heinrich+Himmler+with+Gudrun_around+1941+in+Gmund.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-F0T-yu5OFAU/U2aQZXnNHAI/AAAAAAAAFO4/MuBJdhqvs7o/s1600/THE+DECENT+ONE-Heinrich+Himmler+with+Gudrun_around+1941+in+Gmund.jpg" height="418" width="640" /></a></div>
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Y para acabar nuestro repaso a los primeros días de la <b>Sección Oficial</b>, haremos referencia a otro conflicto bélico, en esta ocasión no actual. Pocos países han tratado en el cine su historia de manera tan reiterada desde que empezó el nuevo siglo como <b>Alemania</b>, examinando los errores de su pasado desde el mayor número de puntos de vista, para no repetirlos en el futuro. <i>Der Anständige (The decent one)</i>, de <b>Vanessa Lapa</b>, es un ejemplo más de ello. A través de imágenes de archivo, fotografías, cartas y diarios auténticos, el documental va a hacer un recorrido a la vida de <b>Heinrich Himmler</b>, el comandante en jefe de las <b>SS </b>y el primer encargado de los campos de concentración durante la <b>Segunda Guerra Mundial</b>, al tiempo que realiza un repaso a la situación general de <b>Alemania </b>durante la primera mitad del siglo <b>XX</b>. Lapa se introduce en la intimidad familiar de <b>Himmler</b>, que desde su juventud se revela como un hombre profundamente conservador y nacionalista, pero tampoco aporta nada nuevo a la imagen que tenemos del personaje ni a lo que han transmitido otras películas de ficción que recrean el período del nazismo. Es indudable que el trabajo de documentación y de montaje es inmenso, pero finalmente el film se vuelve algo reiterativa en su forma. Al ser muchas de las imágenes que se muestran mudas, hay aspectos que recuerdan a la etapa anterior al cine sonoro, incluyendo la introducción de cartelas explicativas. Sin embargo, la decisión de introducir música y narradores <i>en off</i> no acaba de ser acertada, ya que a veces se convierte en un conjunto demasiado impostado. Sólo en su parte final, cuando se muestran grabaciones reales de los campos de concentración, es cuando se observa algo más de riesgo en la propuesta que <b>Lapa </b>nos ofrece en <i>Der Anständige</i>.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-74590986135831767562014-05-04T16:52:00.002+02:002014-05-04T16:52:21.128+02:00Atlántida Film Fest | Tercera crónica<div style="text-align: justify;">
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A una semana vista de la clausura del festival, ahora es Nacho Vázquez quien nos da su visión personal del Atlántida Film Fest hablándonos de cuatro de las más arriesgadas películas presentadas en la Sección Atlas.</h2>
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<i>por <b><a href="http://twitter.com/nachogrim">Nacho Vázquez</a></b></i></div>
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En esta crónica de la cuarta edición del <b>Atlántida Film Fest</b> nos encontramos con cuatro suculentos films de la <b>Sección Atlas</b>. Títulos inéditos en <b>España </b>que hemos recibido en nuestro país gracias a <b>Filmin</b>: la nueva locura de <b>Sion Sono</b> que consigue ser un sentido homenaje al séptimo arte, una crítica a la sociedad y a la política francesa considerada una de las mejores películas del año por <b>Cahiers du Cinema</b>, el legendario <b>Frederick Wiseman</b> rodando durante doce semanas en la universidad de <b>Berkeley </b>y un oscuro homenaje al <b>Giallo </b>con un estilo prácticamente hipnótico. Las cuatro películas demuestran la importancia de la mirada del creador y como una simple y subjetiva perspectiva puede cambiar drásticamente la calidad y opinión de una obra.</div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-VRpan1LbV3o/U2ZThR1dopI/AAAAAAAAFN8/Ke42IAsfRVk/s1600/why-dont-you-play-in-hell.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-VRpan1LbV3o/U2ZThR1dopI/AAAAAAAAFN8/Ke42IAsfRVk/s1600/why-dont-you-play-in-hell.jpg" height="358" width="640" /></a></div>
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Si <b>Tarantino </b>realizase un remake de <i>Cinema Paradiso</i>, este sería algo parecido a <i>Why Don't You Play in Hell?</i>. <b>Sion Sono</b>, en una obra completamente personal, ha realizado su propia <i>Holy Motors</i>. El cineasta proyecta su carácter en el rol de un joven soñador que desea ser un director de cine para realizar “un peliculón” antes de morir. El metalenguaje no solo no se esconde sino que incluso se subraya con referencias a filmes mundialmente conocidos, se exagera e incluso se parodia. <b>Sion Sono</b> utiliza un lenguaje cinematográfico carismático para hablar del cine dentro del cine y, a su vez, dentro del cine. Dicho de otra manera, su película comprende plenamente su existencia como largometraje. De esa manera las referencias, el tono desfasado, el gore desmedido, las sobreactuaciones y la absoluta locura del último acto resultan hilarantes y sobradamente justificados. El tratar el cine con tanta pasión, a la vez que con tanto humor, ayuda al espectador a comprender al propio director y a su idea artística que sitúa el alma de un niño juguetón en el cuerpo de un adulto. <b>Sono </b>representa también la idea del cine como un arte colectivo capaz de unir a las personas - incluso a bandas de <i>yakuzas </i>rivales, en este caso - alrededor de un fin y una pasión común. Dejando de lado la vertiente más cinéfila (y cinematográfica) del film, <i>Why Don’t You Play in Hell?</i> es una auténtica y divertida locura que hará las delicias de los amantes del humor más negro. Durante su primero acto, estamos ante una película coral desfasada que, incluso, referencia - volviendo al ya mencionado lenguaje metacinematográfico - a una de las películas referentes del género coral: <i>Magnolia</i>. La propia destreza de un guión sin complejos con el añadido de unas interpretaciones completamente ridículas, hacen de la película un completo desfase con un humor negro y acertadamente basto. El delirio funciona incluso cuando la cinta copia giros argumentales de conocidos <i>Doramas</i> japoneses para demostrar la ridiculez de los mismos y caracteriza a los propios personajes entre un absurdo vaivén entre el melodrama y el gore más sanguinario. Pero difícil le resultará admirar la comedia y el metalenguaje a aquel espectador que no pueda encontrar diversión en sus excesivas dos horas de metraje. El "chiste" puede ser muy largo para algunos pese a que en su última parte y, más concretamente, en su última escena los excesos cometidos queden justificados. <i>Why Don't You Play in Hell?</i> una obra directa y honesta que te enseña el poder del medio en las vidas de las personas.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Gd75D4_gAM0/U2ZTgTjW7ZI/AAAAAAAAFOE/uFz-q8iPlQI/s1600/465527.189.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-Gd75D4_gAM0/U2ZTgTjW7ZI/AAAAAAAAFOE/uFz-q8iPlQI/s1600/465527.189.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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De la locura nipona a la crítica francesa: <i>La batalla de Solferino </i>retrata a una <b>Francia </b>en plena ebullición previa a las elecciones presidenciales, la incertidumbre del futuro de un país reflejada en las caras de unos ciudadanos normales, pero en especial, retrata a una <b>Francia </b>cercana mediante la modesta visión de una sencilla reportera. La propia protagonista, al igual que el resto de personajes, se encarga de proclamar la importancia de su minúsculo papel en la decisión electoral; la importancia de aquellos ciudadanos "mundanos" en el futuro de todo un país. Desde la más individual situación personal se puede observar la realidad francesa: los niños lloran ante el futuro, el canguro sacrifica su orgullo por dinero, el ex-novio posesivo representa a <b>Sarkozy</b>, el abogado saca a la <b>Francia </b>más tradicional descontenta con el cambio y el nuevo novio, a su vez, representa un atisbo lejano de esperanza en <b>Hollande</b>. La reflexión sobre la crisis de identidad francesa se une a la representación de ese desconcierto que sufren los propios personajes en su vida salpicando el conjunto, además, por un tono opresivo creciente tanto en el ambiente como en los propios personajes, acabando por resultar, la inteligente mezcla de cuestiones, lo mejor del filme. Pero aunque el trasfondo metafórico resulte interesante, debatible e incluso admirable en general, esa visión de la historia es lo único capaz de justificar todos los demás errores. El propio guión resulta ciertamente tosco y no ayuda a la caracterización de los personajes, ya sea por extensos momentos de puro dialogo que no llevan a ninguna parte o por las escenas realizadas únicamente con el fin de alargar el metraje. La propia búsqueda de extender el relato con situaciones vacías de mensaje o repitiendo el mismo una vez y otra vez, sólo llevará a que los temas interesantes de la película se diluyan. Los propios personajes resultan interesantes en un principio por la unión de los temas anteriormente mencionadas, pero hay cierto momento en el ecuador de la película donde se impide la evolución de los mismos en pos de crear situaciones divertidas que aligeren el potencial fondo dramático dibujando sonrisas que, al final, no aparecen en la cara del espectador. El intento de crear comedia falla y repercute en el drama general, convirtiéndole, por momentos, en doloroso. Todo lo que en un principio sorprende, al final desespera. Aún con una visión interesante, la poca destreza que demuestra<b> Justine Triet</b> ante un tema tan profundo conseguirá desesperar a quien busque un retrato inteligente y mordaz de la <b>Francia </b>en plena crisis.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaRjFVstPKrFVCCJDt_gaDWd-kUvmIjBpYbi4m6wx2Btr95e4HyVkXYU9jGQSrkoQc279rCVB9K9FAfvlH40dykCABWmdmdhLPQqTzN2LmZRHAxfBeOxqYXm6mJrRsyECzmQu4IPNWMRqC/s1600/AtBerkeley4.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaRjFVstPKrFVCCJDt_gaDWd-kUvmIjBpYbi4m6wx2Btr95e4HyVkXYU9jGQSrkoQc279rCVB9K9FAfvlH40dykCABWmdmdhLPQqTzN2LmZRHAxfBeOxqYXm6mJrRsyECzmQu4IPNWMRqC/s1600/AtBerkeley4.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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El mal enfoque presentado en <i>La batalla de Solferino</i> cambia por completo para demostrar como un experto puede hacer sentir al espectador parte de lo presentado. La famosa mirada de <b>Frederick Wiseman </b>ha conseguido crear verdaderos documentales donde el público se sumerge en el mundo filmado por el artista. Pero aún con una larga filmografía, el cineasta ha conseguido superarse creando un documental de nada menos que cuatro horas de duración, su propio récord de metraje. <i>At Berkeley</i> puede parecer exhaustiva desde fuera y, en efecto, lo es realmente. Uno de los grandes problemas de la obra es su falta de definición narrativa y su inmensa duración - esas cuatro horas acaban adoleciendo -. Es duro enfrentarse a esa duración sin un hilo conductor claro ya que el espectador debe poner completamente su atención en todo el metraje y en todos sus detalles, tarea nada fácil. Pero para dificultad mencionemos que <b>Wiseman </b>tuvo que realizar un montaje de tan sólo cuatro horas con 250 horas de metraje. Nada menos que dos años y medio únicamente realizando el montaje del documental. Hay un gran trabajo detrás de las cámaras y sólo por ello el espectador debe darle una oportunidad pero además de dársela por esta cualidad y proeza técnica, <i>At Berkeley </i>también merece un visionado por su calidad más allá de los problemas antes nombrados. Cada escena trata de dar una pequeña visión del día a día de la mejor universidad pública de <b>Estados Unidos</b>. La propia inteligencia del cineasta para conseguir representar todas las visiones de <b>Berkeley </b>es absolutamente fascinante. <b>Wiseman</b> es capaz de ahondar en todos los temas de interés: la perspectiva del futuro de los estudiantes, los veteranos de guerra con una nueva oportunidad gracias a la universidad, los debates sobre las personas de color y su representación en la sociedad, la comparación entre la filosofía mundana y la transcendental, las huelgas estudiantiles en pos de sus derechos, los problemas económicos que conlleva una universidad de tal envergadura que, además, es totalmente pública, la lucha por los derechos, la pasión de la juventud… Un documental tan titánico que es capaz de representar un abanico extensísimo de personas cuya vida ha cambiado gracias a <b>Berkeley</b>. Por suerte, <i>At Berkeley </i>está muy lejos de constituir un panfletillo de cínica publicidad - como sí constituyen numerosos documentales recientes como el español <i>Guadalquivir</i>, recientemente en cines y ya disponible en la plataforma organizadora del festival que tratamos: <b>Filmin</b> - sino que se inclina por constituir un relato humanista centrado en las personas y en su capacidad para contar sus propias historias considerando a la propia <b>Berkeley </b>como otro personaje individual más. No se trata sólo de una más compleja de lo que parece crítica al capitalismo, ni tampoco de un espejo de la vida de un universitario ni de un homenaje a la ardua labor del profesor, <i>At Berkeley </i>reúne todo eso y más. <b>Wiseman </b>consigue demostrar como el contenido fluye solo ante la mirada de un genio.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-6iFaARDh1r8/U2ZTg-34A2I/AAAAAAAAFOA/9GCQjjtLgMk/s1600/LEtrange-Couleur-Des-Larmes-De-Ton-Corps-5.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-6iFaARDh1r8/U2ZTg-34A2I/AAAAAAAAFOA/9GCQjjtLgMk/s1600/LEtrange-Couleur-Des-Larmes-De-Ton-Corps-5.jpg" height="386" width="640" /></a></div>
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La vida universitaria es atravesada a ritmo de <b>Giallo </b>gracias a <i>The Strange Colour of Your Body's Tears</i>. Los intrépidos creadores de <i>Amer</i> se atreven con una versión edulcorada de la misma, extrayendo todas las cosas positivas de esa su anterior obra. Para los verdaderos amantes de la ópera prima del dúo <b>Cattet</b>/<b>Forzani</b>, la obra no aporta nada a lo ya visto y para aquellos para los que <i>Amer </i>supuso una experiencia totalmente insatisfactoria, esta acabará por gustarle menos. El estilo de los directores está empapado por una vertiente puramente barroca y completamente cargante, pero presentado de una manera tan hipnótica que no puedes realizar otra acción distinta a la que supone adentrar tu mirada al tétrico mundo que presenta el largometraje. Los distintos y bellos planos fotografiados, el montaje, los movimientos de cámara, la música y los sonidos chirriantes consiguen crear una atmósfera realmente fascinante. <i>The strange colour of your body's tears </i>es completamente única tanto en su apartado visual y sonoro como, para bien o para mal, también en su narrativa. La historia se hila alrededor del conflicto de un hombre que busca a su mujer, un argumento en apariencia sencillo y tramposo pero la búsqueda onírica que presenta el largometraje franco-belga, llevará al espectador a visualizar las complejas pesadillas de todos los personajes (principales y secundarios). Esta forma de narrar permite una caracterización más profunda del psique de los protagonistas. Pero pese a tratar con inteligencia las referencias al <b>Giallo </b>(con numerosos guiños a su máximo exponente, <b>Darío Argento</b>), al onírico <b>Lynch </b>o al cine más sexual de <b>Polansky</b>, la cinta aqueja de falta de unión de las mismos creando una especie de <b>Frankenstein </b>sin ningún tipo de personalidad. El gran error de la película está en que al centrar su atención narrativa y estilística en los desvaríos de múltiples y diversas visiones, se olvida por completo de las preocupaciones del personaje protagonista. Además el filme trata únicamente de mostrar los asesinatos de forma lo más bella y poética posible, haciendo que el estilo predomine sobre el resto y diluyendo el resto. Un estilo que, además, al ser tan marcado puede resultar demasiado pesado para el espectador menos cinéfilo. En definitiva estamos ante uno de esos films que presentan una visión distinta y generan pasiones y desprecios a partes iguales.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-59876837217443554212014-05-04T16:46:00.000+02:002014-05-04T16:46:08.524+02:00Piélagos en corto 2014 | Previa<div style="text-align: justify;">
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En su quinta edición, que se celebrará desde el próximo lunes cinco de mayo hasta el sábado día diez, el <b>Festival Interenacional de Cortometrajes - Piélagos en corto</b>, quizá desconocido para la gran parte de los lectores de la web, se consolida como la propuesta cinematográfica más sólida e interesante de <b>Cantabria</b>, una comunidad que aqueja de gran falta de nuevas iniciativas culturales que dialoguen con los espectadores y donde la oferta e industria cinematográfica está, aún, por desarrollar.</h2>
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<i>por <b><a href="http://twitter.com/jesusteatrero">Jesús Choya</a></b></i></div>
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-7OplQpLZKR0/U2ZRLB0L08I/AAAAAAAAFMw/_g-DfVZdZ6I/s1600/V+PI%C3%89LAGOS+EN+CORTO+FESTIVAL+DE+CORTOMETRAJES+DE+FICCION+MAYO+2014.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-7OplQpLZKR0/U2ZRLB0L08I/AAAAAAAAFMw/_g-DfVZdZ6I/s1600/V+PI%C3%89LAGOS+EN+CORTO+FESTIVAL+DE+CORTOMETRAJES+DE+FICCION+MAYO+2014.jpg" height="350" width="640" /></a></div>
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<b>Piélagos en corto </b>apuesta esta vez por una edición más internacional con espacio, también, para el nuevo largometraje independiente español y bajo el "leit motiv" de mostrar el cortometraje como muestra artísitica de igual calibre que su hermano mayor así como los nuevos métodos de producción cinematográfica en <b>España</b>. A partir de ésto último el festival celebrará, a modo de actividades paralelas a las proyecciones de las obra seleccionadas oficialmente, tres encuentros de gran interés en la sala <b>Casyc Up </b>de la capital cántabra. <b><span style="color: blue;">El jueves ocho a las siete y media de la tarde tendrá lugar la proyección del documental <i>Baratometrajes 2.0. El futuro del cine en España</i> (del que ya os hablamos <a href="http://www.lallaveazul.com/2014/04/atlantida-film-fest-primera-cronica.html">aquí</a>) sobre los nuevos modelos de producción, distribución y exhibición cinematográfica frente a las emergentes amenazas y problemáticas que la industria del séptimo arte debe enfrentar. A la proyección le seguirá un coloquio ameno, que cuenta con la colaboración de La Llave Azul y la moderación del autor que os escribe, con el codirector del largometraje Daniel San Román y su guionista y coordinadora Rosa Cabrera sobre la situación de la cinematografía nacional y algunas de las cuestiones relacionadas más polémicas y mediáticas.</span> </b>Por otro lado, el viernes nueve a las siete el público podrá encontrarse con los dinamizadores y promotores del proyecto <b>#littlesecretfilm</b>: <b>Haizea Viana </b>y <b>Pablo Maqueda </b>(director de dos de estas películas alternativas: <i>#RealMovie </i>y <i>Maniac Pixie Dream Girl</i>) en una tertulia que promete ser absolutamente interesante. Tras el mismo, a las ocho, los espectadores podrán disfrutar del estreno en la región de <i>Al final todos mueren</i>, un apocalíptico largometraje coral presentado en <b>Málaga</b>, y de un encuentro con los directores de los cuatro segmentos que conforman la película: <b>Javier Botet</b>, <b>David Galán Galindo</b>, <b>Pablo Vara </b>y <b>Roberto Pérez Toledo</b>.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-BghGNWSgcc0/U2ZR3eeR3VI/AAAAAAAAFNE/V-CYshgcVWI/s1600/1614326_613372335417780_691342776_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-BghGNWSgcc0/U2ZR3eeR3VI/AAAAAAAAFNE/V-CYshgcVWI/s1600/1614326_613372335417780_691342776_o.jpg" height="352" width="640" /></a></div>
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Siguiendo con la nueva apuesta de la organización por la inclusión en su programación de largometrajes, se presenta la sección <b>Puesta de largo</b> que acoge cintas independientes, de autores noveles, de bajo presupuesto o difícil distribución comercial y que en su, precisamente, "puesta de largo" proyectará cuatro largometrajes a competición: <i>Casting</i>, de <b>Jorge Naranjo</b>, un largometraje premiado en <b>Málaga 2013 </b>que habla de manera fresca y simpática de las desventuras de unos actores alejados de la primera línea que se disponen a enfrentarse a una dura prueba; <i>Encontrados en NYC</i>, de <b>Daniel Zarandieta</b>, sobre tres amigos sevillanos a los que les surge la oportunidad de alejarse de su cruda situación laboral y sentimental viviendo una fugaz aventura en la ciudad de los sueños; <i>Pixel Theory</i>, filme presentado en <b>Sitges </b>y <b>Gijón </b>de corte futurista y dirigido por ocho autores a partir de un proyecto transmedia ideado por <b>Mar Delgado </b>y <b>Esaú Dharma </b>que navega entre varios géneros explorando la idea de la existencia de un programa informático revolucionario, y <i>Your lost memories </i>de <b>Miguel Ángel Blanca </b>y <b>Alejandro Marzoa</b>, un emocionante y original falso documental que pretende dar a conocer el interesantísimo proyecto homónimo y reivindicar la importancia de nuestros recuerdos. Todos los largometrajes, excepto <i>Your lost memories </i>que podrá verse en la <b>Sala de Cultura </b>torrelaveguense, se proyectarán en el <b>Casyc Up </b>con posterior coloquio con miembros del equipo artístico.</div>
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Sin embargo, el pilar fundamental del festival sigue siendo la oferta de cortometrajes que, en esta edición, ha crecido exponencialmente en número e interés, habiéndose presentado más de un millar de obras de distintas nacionalidades y de distintos géneros y estilos. Finalmente serán cuarenta y cuatro los cortos que conformarán su selección oficial que está fragmentada en cuatro categorías.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhanGsz2o2NWkz6J5juWmXE6R_3MVeoGGoQs3TFUqcoQlMvv6OzqsnnqOJrSi8T9BWTcVx8xwzCnobxqaViqIqlakLXnLrE_6thDCmsxmYP080tpptd0xGhuEr3LQezc8PlymM920_ABwRg/s1600/Laurel-Pielagos-SOCIAL-SELECCION-2014.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhanGsz2o2NWkz6J5juWmXE6R_3MVeoGGoQs3TFUqcoQlMvv6OzqsnnqOJrSi8T9BWTcVx8xwzCnobxqaViqIqlakLXnLrE_6thDCmsxmYP080tpptd0xGhuEr3LQezc8PlymM920_ABwRg/s1600/Laurel-Pielagos-SOCIAL-SELECCION-2014.jpg" height="354" width="640" /></a></div>
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En la <b>Categoría Social </b>tienen espacio diez creaciones que muestran situaciones de actualidad a través de miradas frescas, realistas o emocionantes. Piezas premiadas internacionalmente como el corto mexicano <i>Diego </i>sobre la huida de un chavalín que no encaja en una sociedad en la que la violencia es sinónimo de masculinidad, el español <i>Quiero </i>que da a conocer la cruda realidad de las personas sordociegas, el belga-iraquí <i>Baghdad Messi</i> sobre un niño de diez años que vive su pasión por el fútbol en medio de un territorio hostil o <i>Sin respuesta</i>, del español <b>Miguel Parra</b>, que aprovecha recursos formales asfixiantes para narrar con pulso una estremecedora historia sobre responsabilidades morales en la situación actual de crisis económica y ética. <i>Cuando todo pase, El mundo tan pequeñito, Off, Remanecer, Somos amigos </i>y <i>Un lugar mejor </i>completan la lista de propuestas con historias que tratarán de dar a conocer situaciones menos ficticias de lo que parecen y, sobre todo, de lo que desearíamos.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW2g2BG0ZpuTEhz8OzKg4gUI57vWHKa7Q0fG4LPNh_s6wZblldcgDCivsjKNniLC68xELH_y_Yzik0Q9xN27P_XW7vjD8XmAKarFo0RQ018EUbZB5lQERZc87HN7nqXudKs5Q8eFWJxWlb/s1600/Laurel-Pielagos-FANTASTICO-SELECCION-2014.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW2g2BG0ZpuTEhz8OzKg4gUI57vWHKa7Q0fG4LPNh_s6wZblldcgDCivsjKNniLC68xELH_y_Yzik0Q9xN27P_XW7vjD8XmAKarFo0RQ018EUbZB5lQERZc87HN7nqXudKs5Q8eFWJxWlb/s1600/Laurel-Pielagos-FANTASTICO-SELECCION-2014.jpg" height="354" width="640" /></a></div>
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El espacio más camaleónico del festival es sin duda la <b>Categoría Especial</b> que cambia su temática en cada edición. En esta ocasión el cine fantástico y la ciencia ficción serán sus protagonistas dando cabida a diez obras que explorarán los límites de la imaginación. La nota internacional en la sección la pondrá el multipremiado cortometraje polaco <i>Monster </i>sobre un niño que, tras sufrir una paliza por sus acosadores compañeros de clase, inicia un viaje de huída que le cambiará por completo, por dentro y por fuera. La actriz <b>Alicia Rubio </b>estará presente por partida doble: por un lado como protagonista del cortometraje nominado a los pasados <b>Premios Goya, </b><i>De noche y de pronto </i>en el que también aparece un <b>Javier Godino </b>mostrando su lado psicópata, y, por otro, con <i>Cristales </i>de <b>Juan Ferro </b>donde interpreta a una mujer que ve como su romance estalla como trozos de cristal<i>, Meeting with Sarah Jessica</i>, <i>Subterráneo, Timothy, No mires ahí, The only man, La otra cena </i>y <i>02:43 </i>completan una oferta que promete aportar la dosis de adrenalina necesaria.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-HyioD-MkVv0fr8Tn_BtCzgEhb63S-egkopB5nmPtm1-YFDc1r5a8zmx4mQL6bCfCrTHKKQ2_osYhA0iAw2qRvIMk-zxun7eM5_7pr14p264A1_wKUw_tjK-W2HMRwX7Js_uisrr326ue/s1600/Laurel-Pielagos-CANTABRIA-SELECCION-2014.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-HyioD-MkVv0fr8Tn_BtCzgEhb63S-egkopB5nmPtm1-YFDc1r5a8zmx4mQL6bCfCrTHKKQ2_osYhA0iAw2qRvIMk-zxun7eM5_7pr14p264A1_wKUw_tjK-W2HMRwX7Js_uisrr326ue/s1600/Laurel-Pielagos-CANTABRIA-SELECCION-2014.jpg" height="354" width="640" /></a></div>
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La <b>Categoría Cantabria </b>estará compuesta por cinco de los más relevantes cortometrajes del panorama regional reciente: <b>Nacho Solanas </b>presentará <i>Aptitudes, </i><b>Álvaro Oliva </b>traerá al festival su penúltima realización - <i>El sofá</i> -, <b>Nacho Sánchez </b>y <b>Guillermo Sevillano </b>proyectarán <i>Multiverso</i>, <b>Álvaro de la Hoz </b>hará lo propio con su cortometraje de corte romántico con la actriz <b>Marta Hazas</b> <i>Eslogan</i> y <b>Ruth Díaz </b>hará doblete presentando su <i>porsiemprejamón </i>(que también protagoniza junto a <b>Asier Etxeandía</b>) tanto en esta categoría como en la sección "reina" del festival.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-7QxJ_S8H6TU/U2ZR3AJoWvI/AAAAAAAAFNI/1CwGaXD2l_A/s1600/10003787_612853152136365_1559876324_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-7QxJ_S8H6TU/U2ZR3AJoWvI/AAAAAAAAFNI/1CwGaXD2l_A/s1600/10003787_612853152136365_1559876324_o.jpg" height="352" width="640" /></a></div>
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La <b>Sección Oficial Nacional - Internacional </b>estará compuesta por veinte cortometrajes procedentes de todas partes del mundo. Pese a que predomina la nacionalidad española con premiadas y esperadas obras como <i>Democracia </i>de <b>Borja Cobeaga </b>o la coproducción hispano-estadounidense <i>Sequence </i>de <b>Carles Torrens</b> se podrán ver obras procedentes de <b>Andorra </b>(<i>Clodette</i>), <b>Corea del Sur </b>(el thriller <i>Bam</i>), <b>Polonia </b>(<i>The heat</i>), <b>Italia </b>(el emotivo y galardonado <i>Piove</i>), <b>Argentina </b>(<i>En carne viva</i>) o <b>Venezuela </b>que presentará un novedoso cortometraje con las redes sociales en plena adolescencia como telón de fondo: <i>Rojo</i>. La participación española se completará con el divertido nominado al <b>Goya</b>, <i>Pipas</i>; <i>You and me</i>, una comedia metacinematográfica; <i>Secretos del lado oscuro</i>, <i>Sájara</i>, <i>Push up </i>del director <b>David Galán Galindo </b>que participa en dos de los largometrajes presentados en esta edición; <i>Perro</i>, <i>No tiene gracia,</i> <i>Mano a mano</i>, <i>Iniciación a la fotografía</i>, el drama de exorcismos <i>24 horas con Lucía </i>y el aplaudido mundialmente y preseleccionado para los <b>Premios EFA</b>: <i>Misterio.</i><br />
<i><br /></i>
Las muestras de los trabajos presentados a los concursos <i>#Location </i>(cortometrajes rodados en lugares de interés turístico o cultural de nuestra comunidad con apoyo de la <b>Cantabria Film Comission</b>) y <i>Uno corto y rapidito </i>(cortometrajes realizados en tan solo siete días bajo una premisa específica que, en esta ocasión, cuenta con el actor cántabro <b>Eduardo Noriega </b>como padrino) completarán las proyecciones oficiales. En paralelo a estas proyecciones también podrán disfrutarse de dos sesiones retrospectivas con algunos de los cortometrajes cántabros más alabados de los últimos años firmados por directores como<b> Juanjo Haro,</b> <b>Pacolini Ibañez </b>o <b>Álvaro Oliva</b>.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-o6yBQl-VdIU/U2ZSiGOZm7I/AAAAAAAAFNs/URt9VTOkLt4/s1600/timthumb.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-o6yBQl-VdIU/U2ZSiGOZm7I/AAAAAAAAFNs/URt9VTOkLt4/s1600/timthumb.jpg" height="248" width="640" /></a></div>
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La gala de clausura del festival se celebrará el sábado diez de mayo a las ocho de la tarde en el <b>Teatro Vimenor </b>de <b>Vioño de Piélagos </b>con multitud de sorpresas y los veredictos del jurado internacional.<br />
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En definitiva, <b>Piélagos en corto </b>vuelve a proponer, pese a los recortes presupuestarios, una semana de buen cine en pequeña escala. Una semana en la que <b>Cantabria </b>se convierte en la capital nacional de los cortometrajes. En <b><span style="color: blue;">La Llave Azul</span> </b>os contaremos todo y os invitamos a acercaros a esta fresca iniciativa cultural (podéis descargaros la programación completa <a href="http://www.garcifilms.es/pielagosencorto2014/doc/festival2014.pdf">aquí</a>).</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-11608999324876877422014-04-30T15:17:00.001+02:002014-04-30T15:17:16.712+02:00La realidad supera a la ficción | XI DocumentaMadrid | Previa<div style="text-align: justify;">
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-7HP8EKcyBqg/U2D0bleb4NI/AAAAAAAAFLo/-btTkFSvnXM/s1600/6a014e6089cbd5970c01a511a5037b970c.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-7HP8EKcyBqg/U2D0bleb4NI/AAAAAAAAFLo/-btTkFSvnXM/s1600/6a014e6089cbd5970c01a511a5037b970c.jpg" height="292" width="640" /></a></div>
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Sofia Pérez navega entre la extensa programación del Documenta Madrid. El festival de documentales más importante de España que, en su decimoprimera edición, se consolida como una sólida y atractiva cita cultural más allá de la sala de cine. Las mentiras de Lance Armstrong, la vida de Antonio Vega o las revueltas de El Cairo, protagonistas de esta edición.</h2>
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Decía <b>Mikel Olaciregui</b>, uno de los directores de <b>DocumentaMadrid </b>en la presentación de la programación su XI edición que ha tenido lugar esta mañana, que si alguien lee las sinopsis de algunas de las películas que participan en la <b>Sección Oficial</b>, parecerá que son historias sacadas de la ficción. Y es que este año el festival de cine de lo real más importante de la capital dará una visión poliédrica de las situaciones sociales, políticas y medioambientales del momento que nos ha tocado vivir. <b>DocumentaMadrid </b>(que este año convierte su nombre en una sola palabra), se celebrará del próximo 30 de Abril hasta el 11 de Mayo. Es decir, que coincidirá con unas fechas importantes y a la vez complicadas: las del puente de Mayo del día 1 al día 4. Un reto importante que, como han afirmado <b>Timothy Chapman</b>, director de <b>Cultura de Madrid Destino</b> (empresa municipal de <b>Cultura, Turismo y Negocio</b> que apoya en el festival a través del <b>Ayuntamiento</b>) y <b>Vicente Mozo</b>, codirector del festival, les ha impulsado a hacer más atractivo el programa, para atraer a los espectadores a las salas durante los días festivos.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Mfa8I7Y756k/U2D0rPOR6vI/AAAAAAAAFLw/tFZUVCO3V6k/s1600/Documenta-Madrid-2014-UBDEM.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-Mfa8I7Y756k/U2D0rPOR6vI/AAAAAAAAFLw/tFZUVCO3V6k/s1600/Documenta-Madrid-2014-UBDEM.jpg" height="400" width="640" /></a></div>
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<b>DocumentaMadrid </b>es uno de los eventos culturales fijos y más atractivos del calendario cultural de la ciudad, que año tras año se va definiendo su identidad y su imagen, gracias en parte al apoyo que ha recibido del público. Este año estará configurado por 44 largometrajes y 27 cortometrajes, repartidos en 10 días, con sede principal de nuevo en la <b>Cineteca </b>del <b>Matadero</b>. El festival estará localizado aún más en esta ocasión en este espacio, ya que además de las <b>Salas Azcona</b> y <b>Borau</b>, se abrirá una nueva sala de carácter efímero, el Plató, que dará cabida a 175 personas.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-6OwiwaJZwhw/U2D07oRZ3YI/AAAAAAAAFL4/JzUpTIvVtIQ/s1600/armstrong.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-6OwiwaJZwhw/U2D07oRZ3YI/AAAAAAAAFL4/JzUpTIvVtIQ/s1600/armstrong.png" height="352" width="640" /></a></div>
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La <b>Sección Oficial</b> de Largometrajes estará compuesta por una película de inauguración y otra de clausura, ambas fueras de competición, y otras 13 que se disputarán los tres premios del jurado y el del público. La película de inauguración este año será <i>The Armstrong Lie</i> (<b>2013</b>), del ganador de un <b>Oscar</b>, <b>Alex Gibney</b>, que la edición pasada participó en el festival con <i>Mea Maxima Culpa: Silence in the House of God</i> (<b>2012</b>). En esta ocasión, Gibney nos hablará sobre las acusaciones y la confesión de dopaje del ciclista <b>Lance Armstrong</b>. Si mencionábamos antes los <b>Oscar</b>, una de las películas nominadas en la última edición, <i>The Square</i> (<b>2013</b>) de <b>Jehane Noujaim</b>, sobre las revueltas de <b>El Cairo</b>, clausurará la <b>Sección Oficial</b>. A competición tendremos algunas de las películas documentales más importantes del pasado año, ya avaladas por su éxito de premios y festivales, algunas de directores consagrados y otras de nuevos talentos. Entre ellas, propuestas de todos los países, como la rusa <i>Nepal Forever</i> (<b>2013</b>) de <b>Aliona Polunina</b>, la francesa <i>Iranien </i>(<b>2014</b>) de <b>Mehrant Tamadon</b>, la suiza <i>My name is Salt</i> (<b>2013</b>) de <b>Farida Pacha</b>, la búlgara <i>Poslednite Chernomorski Pirati</i> (<b>2013</b>) de <b>Svetoslav Stoyanov</b>, la estadounidense <i>The Dog</i> (<b>2013</b>) de <b>Allison Berg</b> y <b>Frank Keraudren</b>, y la noruega <i>Two Raging Grannies</i> (<b>2013</b>) de <b>Håvard Bustnes</b>. También habrá un número importante de coproducciones (en las que, como curiosidad, <b>Alemania </b>tiene una presencia muy importante) como <i>Al awda ila hims</i> (<b>2013</b>) de <b>Talal Derki</b>, <i>Der Anständige</i> (<b>2014</b>) de <b>Vanessa Lapa</b>, <i>Master of the Universe</i> (<b>2013</b>) de <b>Marc Bauder</b>, <i>The Green Prince</i> (<b>2014</b>) de <b>Nadav Schirman</b>, y <i>Ukrania ne bordel</i> (<b>2013</b>) de <b>Kitty Green</b>. Habrá presencia latina también en la <b>Sección Oficial</b> con la argentina <i>Ekpyrosis </i>(<b>2013</b>) de <b>Nikolas Klement</b>, y la coproducción española y alemana <i>Bugarach </i>(<b>2014</b>) de <b>Ventura Durall</b>,<b> Salvador Sunyer</b> y <b>Sergi Cameron</b>.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-u2txrZAZcXw/U2D1QVPIW3I/AAAAAAAAFMA/6kRAhRQxsCU/s1600/the_square_featured-copy-618x400.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-u2txrZAZcXw/U2D1QVPIW3I/AAAAAAAAFMA/6kRAhRQxsCU/s1600/the_square_featured-copy-618x400.jpg" height="414" width="640" /></a></div>
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En la <b>Sección Oficial de Cortometrajes</b> competirán 20 trabajos también por tres premios del jurado y uno del público. Estos cortometrajes se proyectarán en cuatro sesiones y serán: <i>Beach Boy</i> (<b>2013</b>) de <b>Emil Langballe</b>, <i>David Hocknet in the now –in 6 minutes- </i>(<b>2014</b>) de <b>Lucy Walker</b>, <i>Emergency calls</i> (<b>2013</b>) de <b>Hannes Vartiainen</b> y <b>Pekka Veikkolainen</b>, <i>Jardin des Deux Rives</i> (<b>2013</b>), de <b>Amel El Kamel</b>, <i>Jessy</i> (<b>2013</b>) de<b> Paula Lice, Rodrigo Luna </b>y <b>Ronei Jorge</b>, <i>Kiedy Bede Ptakiem</i> (<b>2013</b>) de <b>Monika Pawluczuk</b>, <i>La parka</i> (<b>2013</b>) de <b>Gabriel Serra Arguello</b>, <i>La reina</i> (<b>2013</b>) de <b>Manuel Abramovich</b>, <i>Nae Pasaran</i> (<b>2013</b>) de <b>Felipe Bustos Sierra</b>, <i>Paznovanje </i>(<b>2013</b>), de <b>Dajan Javorac</b>, <i>Presuda </i>(<b>2013</b>) de <b>Duro Gavan</b>, <i>Prisioneros del Kanun</i> (<b>2013</b>), de <b>Rose Corella</b>, <i>Rougarouing </i>(<b>2013</b>) de <b>Michael Palmieri</b> y <b>Donal Mosher</b>, <i>Sekmes Metai</i> (<b>2013</b>) de <b>Rimantas Gruodis</b>, <i>Substanz </i>(<b>2014</b>) de <b>Sebastian Mez</b>, que el año pasado participó en la <b>Sección Oficial de Largometrajes</b> con <i>Metamorphosen </i>(<b>2013</b>), <i>Un paraíso</i> (<b>2013</b>) de <b>Jaysha Patel</b>, <i>Walls </i>(<b>2014</b>) de <b>Miguel López Beraza</b>, <i>White Earth</i> (<b>2013</b>) de <b>J. Christian Jensen</b>, <i>Wild Zwijn</i> (<b>2013</b>) de <b>Willem Baptist</b>, y <i>Xenos </i>(<b>2013</b>) de <b>Mahdi Fleifel</b>. Además, participará fuera de concurso <i>La ahorcadita</i> (<b>2013</b>), documental mexicano de <b>Pierre Saint-Martin</b> y <b>Carlos Torres</b>.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-cDZ1yXdwfo4/U2D1k8TZefI/AAAAAAAAFMI/sKSIIyL6Jbg/s1600/la-imagen-arde_600.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-cDZ1yXdwfo4/U2D1k8TZefI/AAAAAAAAFMI/sKSIIyL6Jbg/s1600/la-imagen-arde_600.jpg" height="358" width="640" /></a></div>
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Además por segundo año el festival contará con la sección <b>Panorama </b>del documental español, que esta edición ha cogido fuerza. Dentro de ella se proyectarán 14 largometrajes, 13 de los cuales competirán por el <b>Premio Canal + al Mejor Documental Español</b>, que será elegido y adquirido por la cadena televisiva para su programación posterior en sus diversos canales. Se trata de una selección prácticamente inédita en Madrid de los mejores ejemplos del género en nuestro país de los últimos 6 meses. Entre ellos vamos a encontrarnos algunas películas premiadas ya en diversos festivales, como <i>160 metros: una historia del rock en Bizkaia</i>, de <b>Joseba Gorordo</b> y <b>Álvaro Fierro</b>, y <i>One minute for conductors</i>, de <b>Ángel Esteban</b> y <b>Elena Goatelli</b> (ambas ganadoras de la mejor película en el <b>Festival de Cine Documental Musical de San Sebastián Dock of the Bay</b>), <i>Costa da morte</i>, de <b>Lois Patiño</b> (ganadora de premios en <b>Locarno </b>y <b>Sevilla</b>, entre otros), <i>Gabor</i>, de <b>Sebastián Alfie</b> (mejor director y premio del público en el <b>Festival de Málaga</b>), y <i>Slimane</i>, de <b>José Ángel Alayón</b> (mejor ópera prima en el <b>Festival Internacional de Cine de Murcia</b>). Además, se podrán ver <i>Ein Papagei im Eiscafé (Un loro en la horchatería)</i>, coproducción española y alemana de <b>Ines Thomsen</b>, <i>El rey de Canfranc</i>, de <b>José Antonio Blanco</b> y <b>Manuel Priede González</b>, <i>Els anys salvatges</i>, de <b>Ventura Durall</b>, <i>The Competition</i> de <b>Ángel Borrego Cubero</b>, y <i>Una esvástica sobre el Bidasoa</i>, de <b>Alfonso Andrés</b> y <b>Javier Barajas</b>. También habrá proyecciones del <b>2014</b>, como <i>Hotel Nueva Isla</i>, de <b>Irene Gutiérrez</b>, <i>Sobre la marxa</i>, de <b>Jordi Morató</b>, y <i>Un sitio donde quedarse</i>, de <b>Ana Pérez de la Fuente</b> y <b>Marta Arribas</b>.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-yZmyvXYJltw/U2D19AvihtI/AAAAAAAAFMQ/FrG4FeeJq8Q/s1600/1525461_597167727032707_1394174413_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-yZmyvXYJltw/U2D19AvihtI/AAAAAAAAFMQ/FrG4FeeJq8Q/s1600/1525461_597167727032707_1394174413_n.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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En <b>Panorama </b>se podrán ver también 5 cortometrajes, que optarán a una beca para el <b>III Master en Dirección de Producción de Cine Documental del IPECC (Instituto de Posgrado de Estudios Culturales y de Comunicación)</b>. Estos cortos serán <i>¡Bello, bello, bello!</i>, de <b>Pilar Álvarez</b>, <i>Hacia una primavera rosa</i>, de <b>Mario de la Torre</b>, <i>Juventud, soledad</i>, de <b>Eloi Teixidor</b>,<b> Iris Domato, Jesús Boyero, Teresa Mata y Nihan Yildiz</b>, <i>Souvenir</i> de <b>Gerardo Carreras</b>, y <i>Zela Trovke</i> de <b>Asier Altuna</b>. Y como broche de oro, el 14º largometraje que será el encargado de clausurar la sección será <i>Antonio Vega. Tu voz entre otras mil</i>, de <b>Paloma Concejero</b>, que supondrá su preestreno antes de su llegada a los cines en Mayo.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-fDs7Q0UNFPI/U2D2KRhYxZI/AAAAAAAAFMY/Wc8OEJX9w8U/s1600/Fernand-Melgar.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-fDs7Q0UNFPI/U2D2KRhYxZI/AAAAAAAAFMY/Wc8OEJX9w8U/s1600/Fernand-Melgar.jpg" height="376" width="640" /></a></div>
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En colaboración con la <b>Embajada Suiza en España</b> y <b>Swiss Films</b>, este año la Retrospectiva estará dedicada al cineasta marroquí de origen español y asentado en <b>Suiza Fernand Melgar</b>, del que se proyectarán 6 largometrajes, entre ellos <i>La Fortaleza</i> (<b>2008</b>), su trabajo más reconocido, y su colección de cortos <i>Premier Jour</i>. Además, podrán verse <i>Album de famille</i> (<b>1993</b>), <i>Classe d’accueil</i> (<b>1998</b>), <i>Remue – Ménage</i> (<b>2002</b>), <i>Exit – Le droit de mourir</i> (<b>2005</b>), y <i>Vol Spécial</i> (<b>2011</b>). <b>Melgar </b>estará en el festival presentando sus películas, y además, como evento especial, impartirá una <i>masterclass </i>el sábado 3 de Mayo a las 12h en la <b>Sala Azcona de la Cineteca</b>.<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-js0tJyX3uAg/U2D29lzyXEI/AAAAAAAAFMg/EoHaN5L-vw8/s1600/bertolucci-on-bertolucci_3.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-js0tJyX3uAg/U2D29lzyXEI/AAAAAAAAFMg/EoHaN5L-vw8/s1600/bertolucci-on-bertolucci_3.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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Por último, la <b>Filmoteca española</b> albergará en su sede del <b>Cine Doré</b> un nuevo ciclo llamado <b>Focus on Directors</b>, en el que se proyectarán documentales en torno a 9 de los más importantes directores mundiales, acompañados de una o dos películas de cada uno. Inaugurará el ciclo <i>Che strano chiamarsi Federico</i> (<b>2013</b>) de <b>Ettore Scola</b>, sobre <b>Federico Fellini</b>. Además veremos <i>A Fuller life</i> (<b>2013</b>), sobre <b>Samuel Fuller</b>, dirigido por su propia hija, <b>Samantha Fuller</b>, <i>Everyone is older than I am</i> (<b>2012</b>), también dirigido por el hijo de <b>Bo Widerberg</b>, <b>Martin Widerberg</b>, <i>Bertolucci on Bertolucci</i> (<b>2013</b>) de <b>Walter Fassano</b> y <b>Luca Guadagnini</b>, <i>Liv & Ingmar</i> (<b>2012</b>) de <b>Dheeraj Akolkar</b>, <i>Rohmer in Paris </i>(<b>2013</b>) de <b>Richard Misek</b>, <i>Roman Polanski: a film memoir</i> (<b>2011</b>) de <b>Laurent Bouzereou</b>, y <i>Outtakes from the life of a happy man</i> (<b>2012</b>) y <i>Un voyageur</i> (<b>2013</b>), que hablan de <b>Jonas Mekas</b> y <b>Marcel Ophüls</b> respectivamente y están dirigidas por ellos mismos.</div>
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Además de todo esto, habrá tertulias a mediodía y coloquios tras las proyecciones con muchos de los responsables de las películas, un taller sobre cómo hacer un web docs, y la presentación de las <b>Becas Docma del IPECC</b>. Toda la información, horarios, precios y programación se puede consultar en la página web del festival: www.documentamadrid.com Desde <b><span style="color: blue;">La llave azul</span></b> estaremos presentes y os mantendremos informados desde la semana que viene de todo lo que tenga lugar en esta importantísima e imprescindible cita anual con el cine documental más actual.</div>
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<h2>
Recuperamos nuestro formato debate para hablar, doblemente, del último y curiosísimo ejercicio documental de Michel Gondry: <i>Is the man who tall is happy?</i>, una conversación animada con el filósofo Noam Chomsky presentada en el Atlántida Film Fest.</h2>
<span style="text-align: start;"><i>por <b><a href="http://twitter.com/daysmovie">SOFIA PÉREZ DELGADO.</a></b></i></span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-0VqLxKFYoH8/U15OSamQIQI/AAAAAAAAFLY/uchH8oA7dH8/s1600/tall720.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-0VqLxKFYoH8/U15OSamQIQI/AAAAAAAAFLY/uchH8oA7dH8/s1600/tall720.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
<span style="text-align: start;"><i><b><br />
</b></i></span> <span style="text-align: start;">En un momento en el que el cine documental está pasando por un proceso de experimentación de una nueva manera de “representar” (no hay más que ver la recién estrenada en cines <i>La imagen perdida</i>, de <b>Rithy Panh</b>), resulta coherente la aparición de una película como <i>Is the man who is tall happy?</i>, quizás el más complejo trabajo del realizador <b>Michel Gondry</b>. Se trata casi de una clase magistral de más de una hora, articulada a través de una serie de charlas que <b>Gondry </b>mantiene con el lingüista y filósofo <b>Noam Chomsky</b>, centrándose exclusivamente en esta faceta (su activismo político solo se menciona en los minutos finales del film). El director se va a servir de unas teorías que ni si quiera él mismo parece capaz de comprender completamente, para transformar lo que considera la manipulación del espectador por parte del cineasta: <b>Gondry </b>no quiere ser dogmático ni exponer las ideas de <b>Chomsky </b>y su interpretación como documentalista de las mismas como si fueran verdades objetivas. Desde un punto de vista único y exclusivo, cuanto menos realista sea la representación por parte del autor, más claro le quedará al espectador que está viendo un análisis personal de las cosas. De este modo, <b>Gondry </b>traduce las palabras de <b>Chomsky </b>en esquemáticos y básicos dibujos; una especie de infantilización visual de las enseñanzas del pensador estadounidense, que, sin embargo, no las hace más accesibles. Las imágenes, acompañadas de las voces de <b>Chomsky</b>, <b>Gondry</b>, el sonido de su cámara, y los temas musicales de <b>Howard Skempton</b>, son muy entrañables. Sin embargo, la película mantiene cierta distancia aséptica propia de un ensayo científico hasta su última parte, centrada más en la vida personal de <b>Chomsky</b>, que nos habla de su infancia y de cómo vivió el nazismo, de su relación con su difunta esposa y de la educación de sus hijos. <i>Is the man who is tall happy?</i> es <b><span style="color: blue;">una obra sobre la que meditar y reflexionar</span></b>, que precisa (e incita a) revisiones para captar toda su magnitud.</span><br />
<span style="text-align: start;"><br />
</span><br />
<hr />
<i style="text-align: start;"><br /></i></div>
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<i style="text-align: start;">por <b><a href="http://twitter.com/nachogrim">NACHO VÁZQUEZ LUNA.</a></b></i></div>
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<div style="text-align: start;">
<b><i><br /></i></b></div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-ATpe0uNCkMw/U15ORn6wdBI/AAAAAAAAFLU/rnr63v8fGyQ/s1600/Is-the-the-Man-who-is-Tall-Happy-Still-4-Credit-IFC-Films.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-ATpe0uNCkMw/U15ORn6wdBI/AAAAAAAAFLU/rnr63v8fGyQ/s1600/Is-the-the-Man-who-is-Tall-Happy-Still-4-Credit-IFC-Films.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<span style="text-align: start;"><br />
</span> Fruto de la pasión que sentía por <b>Noam Chomsky</b>, un gran filósofo contemporáneo, <b>Michel Gondry </b>decidió realizar un documental especial sobre su persona. No es la primera incursión del director francés en el formato documental, ni tampoco lo más destacable dentro de su filmografía, pero a pesar de todo, la capacidad de <b>Gondry </b>para crear obras personales de gran originalidad es patente sea el género que sea. <i>Is The Man Who Is Tall Happy?</i> tiene una animación completamente absorbente, dinámica y única. La capacidad de llenar de colores y visualizar las palabras de <b>Noam </b>es francamente sorprendente a la vez que bella. El director de <i>La espuma de los días</i> ha sabido jugar bien sus cartas para realizar un documental de lo más dinámico sin caer en la peligrosa idea de rodar una, aunque instructiva, mera entrevista, con el fin de transmitir las ideas del filósofo al espectador. El personaje tratado aquí es un hombre realmente interesante, un autentico pensador capaz de dar una lección al transmitir su forma de ver la vida y su filosofía a lo largo de todo el metraje, un hombre del que resulta un gusto aprender. Pero ante una persona de tan grandes ideas, hace falta alguien de su misma categoría que realice las preguntas correctas y parece que <b>Gondry </b>no está a la altura de las circunstancias. Se queda corto y suple sus taras con con bromas pero eso lastra el contenido intentando llevar el metraje más a su figura que la del qué retrata. Por supuesto <b>Chomsky </b>es capaz de hablar de su interesante vida y transmitir su inteligente filosofía, pero <span style="color: blue;"><b>otro entrevistador podría haber sacado más de él.</b></span></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-83376131562594357432014-04-24T21:35:00.003+02:002014-04-24T21:35:34.616+02:00La mirada es el espejo del alma | 'De caballos y hombres'<h2 style="text-align: justify;">
En el Atlántida Film Fest nos topamos con una polémica e insólita obra de origen islandés premiada en el pasado Festival de San Sebastián. <i>De caballos y hombres </i>explora el lado más esperpéntico de la vida y la mezquindad del ser humano.</h2>
<h2 style="text-align: justify;">
<a href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/" rel="license" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img alt="Licencia de Creative Commons" src="http://i.creativecommons.org/l/by/4.0/88x31.png" style="border-width: 0;" /></a></h2>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJCoERIRuhHmad51dNVB-e6IHPSTjzNmT0HSXW6I5vYVjVfLwJFKjsTGqspqyreCbOzusD3yyxLS0-Us-7wZpf17K5wUaM_VG6szVRKfG-Mn4FCRnu1tkApSj_4pLaYgKMQYsbOhOmp5n0/s1600/1+(1).jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJCoERIRuhHmad51dNVB-e6IHPSTjzNmT0HSXW6I5vYVjVfLwJFKjsTGqspqyreCbOzusD3yyxLS0-Us-7wZpf17K5wUaM_VG6szVRKfG-Mn4FCRnu1tkApSj_4pLaYgKMQYsbOhOmp5n0/s1600/1+(1).jpg" height="360" width="640" /></a></div>
<br />
El ojo como espejo de una realidad. El cine como arte capaz de realizar grandes lazos de empatía espectador-personaje. Existen películas cuya atención se centra en ver el séptimo arte como un reflejo de nuestra realidad, capaz de hacernos visualizar una verdad más elevada En la literatura surgió un género, llamado <i>esperpento</i>, que trataba de representar la sociedad corrompida del momento mediante la deformación y el retorcimiento de la realidad, o lo que es lo mismo; poniendo el mensaje interior frente a un espejo de feria que lo devuelva como la imagen grotesca que, en esencia, es. Una especie de sátira macabra que no tiene miedo a utilizar el humor negro para enfrentar a la sociedad a una incómoda situación. Y como una sala llena de los espejos mencionados, <i>De caballos y hombres</i> refleja al ser humano en el ojo del inocente animal.<br />
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El debut como director de <b>Benedikt Erlingsson</b> le ha llevado a ser el representante islandés en la categoría de película de habla no inglesa en los pasados <b>Oscars</b>. Es comprensible la elección del país ya que esta película representa dos elementos característicos de la cultura islandesa y sirve como estupenda bandera identitaria: sus caballos y su impresionante paraje. Los caballos islandeses son conocidos por su pequeño tamaño, su resistencia y su particular forma de moverse - conocida como <i>tölt</i> -. La importancia de los equinos en el filme viene dada por el enorme peso social que tienen en la cultura islandesa y, más concretamente, en las vivencias tanto de los personajes retratados como de su director. En entrevistas, habla de sus duras experiencias trabajando en un rancho de caballos y de como la propia obra sirve como "cura" de los allí vivido. Su pasión por los caballos le llevó, también, a contemplar el horror en las formas en las que los propietarios de los mismos trataban a sus animales.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyto0AHsS6gBt14F2oF2NaghKFt1qIkmuGZandJDYduUSVNLbGUry0hV3yCBMZZvJaRrJcevkJ0oXBydObtNBktO_lrzCPMxQQevmwux1GWjKl9a4PpWcnW_PkHszjDzVC_t36OU5hDXEB/s1600/2+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyto0AHsS6gBt14F2oF2NaghKFt1qIkmuGZandJDYduUSVNLbGUry0hV3yCBMZZvJaRrJcevkJ0oXBydObtNBktO_lrzCPMxQQevmwux1GWjKl9a4PpWcnW_PkHszjDzVC_t36OU5hDXEB/s1600/2+%25281%2529.jpg" height="268" width="640" /></a></div>
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Por ello <i>De caballos y hombres</i> se erige como una película fragmentada. Cada escena está dividida por un plano en el que un caballo que contempla al hombre. No conocemos cómo es, ni profundizamos en su personalidad, pero percibimos su trato hacia el animal. Eso lo define como persona. La deuda personal del director y del país hace reflexionar sobre el trato a un animal que, a lo largo de la historia, ayudó en múltiples ocasiones a construir su sociedad. Ya en el primer capítulo del premiado largometraje se definen completamente las características de los roles que nos encontraremos en él: el hombre se mostrará como un ser salvaje, arrogante y orgulloso que entiende a su yegua como una extensión de su propio ego, como una mera propiedad con la que pavonearse ante el vecindario. El conflicto llegará con el giro argumental: un semental capa negra se percata de que la yegua del hombre está en celo, con las consecuencias por todos obviadas. La comunidad, escandalizada ante tal violación de su ego y orgullo, se espantara e incluso llorará ante la escena. Sin embargo, no levantarán las cejas por los hechos posteriores, contemplando el castigo de la yegua como un suceso que no provoca más que la indiferencia. Describiendo y componiendo así este particular <i>esperpento</i>.</div>
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La propia estructura narrativa fragmentada adentra al largometraje en los terrenos de la comedia negra. Pero el humor en <i>De caballos y hombres </i>solo es perceptible en contadas ocasiones y su aridez no genera sonoras carcajadas, lo que hace desaconsejable el filme para espectadores que ansíen humor al uso. El propio <b>Benedikt Erlingsson</b> habla de cómo la comedia fluyó sola por la ridiculez de las situaciones representadas. El esperpento, anteriormente mencionado, es fruto de observar a los humanos realizando acciones realmente vergonzosas y egoístas, en su mayoría basadas en utilizar al animal como un mero objeto del que puedes disponer. Nos enseña como una persona mataría a su caballo por sobrevivir o como por no realizar un esfuerzo excesivo, pone en juego la vida del mismo. La deformación del ser humano es representada en el ojo del caballo que al reflejar la realidad nos hace vernos tal y como somos.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgictaRAj-je1fe9AZyt0rFm6MIbSLwNX0Sob1pPEuKV5DWwehJFPQNP2sJ1oQNsoC72TDO9r479HfnUCcq90Nw_OZx-reWKquZwbYg9rqQiTLWJmiNlsY_qgqkOuXDg2olJVxyewp0Ez4B/s1600/3+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgictaRAj-je1fe9AZyt0rFm6MIbSLwNX0Sob1pPEuKV5DWwehJFPQNP2sJ1oQNsoC72TDO9r479HfnUCcq90Nw_OZx-reWKquZwbYg9rqQiTLWJmiNlsY_qgqkOuXDg2olJVxyewp0Ez4B/s1600/3+%25281%2529.jpg" height="294" width="640" /></a></div>
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El caballo es castigado por seguir sus instintos más primitivos. Pero el hombre, como ser racional, se desenmascara como visceral e impulsivo. Donde el ser humano puede errar, el otro debe obedecer. <i>De caballos y hombres </i>no tiene miedo a compararlos continuamente, intentando borrar esa línea que separa a las personas de los animales. El poco dialogo que contiene la película ayuda a transmitir esa idea. Dos capítulos en particular se erigen como reflejos el uno del otro, primero desde la perspectiva equina y después desde la humana, mostrando ambos la misma acción en distintas especies; la propia hipocresía del pueblo llano, donde los caballos resultan ser ejemplos de cómo la naturaleza aguanta los golpes de la humanidad. Los propios animales se mantienen cerca de sus propietarios y fieles a pesar de todo.</div>
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La propia frialdad del país es representada de una manera magnífica, mediante una fotografía exquisita. La sobriedad de la imagen y de los paisajes ayuda en los momentos cómicos, sintiéndose los mismos más cercanos a la realidad haciendo la situación aún más hilarante. La habilidad para manejar el silencio, ya sea en pos de la comedía o para contemplar la propia belleza de la imagen, es increíble. Los actores desaparecen mimetizándose y convirtiéndose realmente en los pueblerinos. La representación del trato al caballo y como el ser humano se aprovecha de la naturaleza en su propio beneficio me parece muy acertada, en cualquier contexto social posible. Un tema tratado de una manera impecable en una gran épera prima.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-uhTHtHhrWiA/U1liGCZittI/AAAAAAAAFH4/pzZsfP7J-Dc/s1600/4+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-uhTHtHhrWiA/U1liGCZittI/AAAAAAAAFH4/pzZsfP7J-Dc/s1600/4+%25281%2529.jpg" height="266" width="640" /></a></div>
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<span style="font-family: inherit;"><i>De caballos y hombres </i><span style="font-weight: normal;">(<i>Hross í oss</i>, Islandia - 2013) </span><span style="background-color: white; line-height: 19px;"><span style="font-weight: normal;">| Ya en Filmin | Una reseña de</span> Nacho Vázquez</span></span></h2>
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<script>!function(d,s,id){var js,fjs=d.getElementsByTagName(s)[0],p=/^http:/.test(d.location)?'http':'https';if(!d.getElementById(id)){js=d.createElement(s);js.id=id;js.src=p+'://platform.twitter.com/widgets.js';fjs.parentNode.insertBefore(js,fjs);}}(document, 'script', 'twitter-wjs');</script>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-28950001167012275382014-04-22T20:09:00.005+02:002014-04-22T20:09:51.754+02:00Atlántida Film Fest | Segunda crónica<div style="text-align: justify;">
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-a_DTfIeh_24/U1WVJjB8LbI/AAAAAAAAFG4/1KFhxqAZ_mA/s1600/PicMonkey+Collageaff.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-a_DTfIeh_24/U1WVJjB8LbI/AAAAAAAAFG4/1KFhxqAZ_mA/s1600/PicMonkey+Collageaff.jpg" height="406" width="640" /></a></div>
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Centramos nuestra atención en tres filmes del Atlántida Film Fest. Por un lado, <i>The Selfish Giant, </i>un aplaudido drama social británico basado en un relato de Oscar Wilde y que recuerda al cine de Ken Loach. Por otro, <i>Casting</i>, una muestra del mejor "indie" nacional. Para finalizar, viajamos hasta los cines más alternativos de Francia en <i>Reel Dreamers</i>, un cinéfilo mediometraje documental.</h2>
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<i>por <b><a href="http://twitter.com/daysmovie">Sofia Pérez Delgado</a></b>.</i></div>
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La gente es la que hace posible el cine. Puede ser una realizadora que transforma desde el humanismo un relato pasado y lo convierte en una situación actual. O un grupo de actores que, dentro de una película, reviven una y otra vez lo difícil que es introducirse en un mundo que les rechaza constantemente. O los dueños de las salas pequeñas, gracias a cuyo esfuerzo los espectadores pueden seguir practicando el ejercicio de la cinefilia. Películas como <i>The Selfish Giant</i>, <i>Casting </i>o <i>Reel Dreamers</i>, presentes en el <b>Atlántida Film Fest</b>, refuerzan la importancia del individuo en cualquier aspecto del cine, ya sea en su ejecución, interpretación, producción, distribución o exhibición.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-5Yvjk7uzOGU/U1awKtJ_MRI/AAAAAAAAFHM/zH3lvngCBuY/s1600/13-0835_gallery_2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-5Yvjk7uzOGU/U1awKtJ_MRI/AAAAAAAAFHM/zH3lvngCBuY/s1600/13-0835_gallery_2.jpg" height="424" width="640" /></a></div>
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En <b>1888 Oscar Wilde</b> publicó su cuento <i>El gigante egoísta</i>, sobre un ogro que observa impotente cómo se va deteriorando el hermoso jardín que posee, condenado a un eterno invierno, tras echar a unos niños que habían ido allí a jugar. La directora británica<b> Clio Barnard </b>parece ver una versión actual de ese desolado jardín en una zona pobre de la ciudad de <b>Bradford</b>. Tomando como libre referencia la historia de <b>Wilde</b>, sitúa allí <i>The Selfish Giant</i>, que se convirtió en la película revelación de su país el pasado año, presente en el <b>Top 10</b> de <b>Sight & Sound</b>, y ganadora de los premios a la mejor película británica de la <b>Asociación de Críticos de Londres</b>, mejor guion en <b>Sevilla </b>y el <b>Europa Label Cinema</b> en la <b>Quincena de los Realizadores de Cannes</b>, entre otros.</div>
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Tras su primer largometraje documental, <i>The Arbor </i>(<b>2010</b>), <b>Barnard </b>se pasa a la ficción de manera menos experimental y más cercana al estilo realista de compatriotas como <b>Andrea Arnold</b> (<i>Fish Tank</i> -<b>2009</b>-), con un componente social heredado del <b>Ken Loach</b> más comprometido. <b>Arbor </b>y <b>Swifty </b>son dos chicos pertenecientes a un entorno disfuncional, cuya marginación por parte de sus compañeros (uno por ser hiperactivo, y el otro por ser hijo de un moroso) les ha hecho crear un fuerte vínculo. Las aspiraciones de ambos no son en absoluto elevadas: quieren ganar dinero para solucionar los problemas económicos de sus respectivas familias. Para ello, empiezan a robar mercancía para vendérsela a un comerciante de chatarra, que se aprovecha de ellos. Resulta llamativo que la película de <b>Barnard </b>comparta el protagonismo de la misma profesión y el mismo espíritu de denuncia con el reciente último trabajo de <b>Danis Tanovic</b> <i>La mujer del chatarrero </i>(<b>2013</b>), y, al mismo tiempo, haga gala de los mismos problemas. En un ambiente tan fuertemente marcado por la tragedia, <b>Barnard</b>, al igual que le ocurría a <b>Tanovic</b>, no puede evitar dejarse llevar por cierta exageración del dramatismo, traspasando la línea del realismo que quiere transmitir. Esto se aprecia en determinados primeros planos, bastante sensacionalistas. Con todo, <i>The Selfish Giant</i> es un hermoso y triste relato sobre la amistad, en el que la directora es capaz de captar a los niños en toda su frescura, especialmente a <b>Conner Chapman</b>, que realiza una intensa y profesional interpretación.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-b537yvcGxLg/U1awKya_OXI/AAAAAAAAFHc/qqJEV8YJN6Q/s1600/cropped-header-casting2.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-b537yvcGxLg/U1awKya_OXI/AAAAAAAAFHc/qqJEV8YJN6Q/s1600/cropped-header-casting2.png" height="286" width="640" /></a></div>
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Hace ya más de un año, una pequeña película coral sorprendía en el <b>Festival de Málaga</b> obteniendo los premios de mejor actor y actriz de reparto para todo el conjunto de sus actores. Presente ahora en la <b>Sección Oficial</b> del <b>Atlántida Film Fest</b>, esta película es <i>Casting</i>, escrita y dirigida por <b>Jorge Naranjo</b>. Para su ópera prima, <b>Naranjo </b>parte de una trilogía homónima de cortos que realizó en <b>2011</b>, tomando al personaje del primero de ellos, <b>Javi </b>(<b>Javier López</b>), y convirtiéndolo en el protagonista del largometraje. Se trata de un joven actor desencantado con su vida y su profesión, que intenta conseguir papeles sin ganas, y cuya relación con su novia hace aguas. En el último casting al que acude conoce a <b>Esther </b>(<b>Esther Rivas</b>), una chica alegre e inocente que tratará de hacerle ver las cosas de otra manera. En torno a ese casting van a ir pasando diferentes personas con sus problemas y sus inseguridades, sin saber que, entre lágrimas, la vida de casi todos está a punto de cambiar.</div>
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<i>Casting </i>es una película de esencia fundamentalmente <i>indie</i>, desde su temática de esa juventud hastiada que deambula por las calles de <b>Madrid</b>, hasta la música y la utilización de las canciones de <b>Julio de la Rosa</b>. Su aparente sencillez formal a veces se rompe, sorprendiéndonos con momentos estéticos muy cuidados y de gran calidad técnica, como el del episodio que está contado como un cómic. En cierto sentido, <i>Casting </i>está en la línea de <i>Ilusión </i>(<b>2013</b>) de <b>Daniel Castro</b>, como película que retrata de forma simpática y amable los problemas a los que se enfrentan aquellos que quieren hacer cine (en este caso desde el punto de vista de los actores), con intérpretes que hacen de sí mismos (incluidos los cameos, que aquí incluyen, entre otros, a <b>Daniel Sánchez Arévalo</b> o <b>Raúl Arévalo</b>), dando lugar a una realidad ficcionada. Podríamos entender el film de <b>Naranjo </b>casi como una metáfora del cine low-cost, que película a película va haciendo un casting frente al público, para demostrar su valía y encontrar su sitio en el panorama cinematográfico.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-7wb1-MNtOmM/U1awKbe-c1I/AAAAAAAAFHY/z6f-DRrXZA4/s1600/reel-dreamers.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-7wb1-MNtOmM/U1awKbe-c1I/AAAAAAAAFHY/z6f-DRrXZA4/s1600/reel-dreamers.jpg" height="270" width="640" /></a></div>
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Y hablando del cine más independiente, pocos temas puede haber más interesantes en torno al mismo que el de las salas donde se proyecta, y los exhibidores que luchan por mantenerlas abiertas. Este es el argumento de <i>Reel Dreamers</i>, un documental de producción italiana que hace un bohemio recorrido por algunos locales de París, como son <b>Studio 28</b>, <b>Action Christine</b>, <b>Le Balzac</b>, <b>Studio Galante</b> o <b>La Fimothèque du Quartier Latin</b>, en las que sus responsables nos cuentan algunos de sus trucos para sacarlos adelante. Por tema y localización, la película tiene cierto encanto ganado. De este modo, no se puede evitar la sensación de que, siendo conscientes de ello, los directores <b>Silvia Angrisani</b> y <b>Lorenzo Cioffi</b> han dejado todo a la nostalgia y la amabilidad, y no se atreven a profundizar en el tema fundamental que tienen entre manos.</div>
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Es un documental básico, tanto en su ejecución como en su contenido, que se queda en un conjunto de anécdotas divertidas sin mayor trascendencia. La película nos muestra la vida interior de las salas, desde la sala de proyecciones hasta el bar o el despacho de los exhibidores, y también el exterior, la cara que da a la calle, que hace que el cine forme parte de la vida de los barrios. La cinta hace alusión a la independencia de estas salas, en todos los sentidos, ya que cada cine tiene que crear su propia programación personal. Puede que este sea el tema al que más espacio se le dedica, al de la programación, pensada para atraer a los espectadores, que son quienes finalmente consiguen que esas salas puedan seguir vivas. Al final, la única lástima de <i>Reel Dreamers</i> es que acabe tan pronto (dura apenas 40 minutos), y deje con ganas de saber más.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-55151991192196188602014-04-19T17:26:00.000+02:002014-04-19T17:26:05.938+02:00Reflejos del alma | 'Honeymoon'<h2 style="text-align: justify;">Buceamos en el Atlántida Film Fest de Filmin para descubrir una joya checa premiada en el pasado Karlovy Vary. ¿Es el matrimonio un lazo perpetuo y sincero? ¿Qué secretos esconde aquella persona con la que decidimos compartir nuestra vida?</h2><h2 style="text-align: justify;"><a href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/" rel="license" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img alt="Licencia de Creative Commons" src="http://i.creativecommons.org/l/by/4.0/88x31.png" style="border-width: 0;" /></a></h2><br />
<div style="text-align: justify;"><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-8YmlV8Zzr4U/U1KU49w41zI/AAAAAAAAFGk/wzZTCOmYmtk/s1600/honeymoon_02.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-8YmlV8Zzr4U/U1KU49w41zI/AAAAAAAAFGk/wzZTCOmYmtk/s1600/honeymoon_02.jpg" height="322" width="640" /></a></div><br />
El matrimonio significa unirte a alguien (teóricamente para toda la vida) con quien, un tiempo antes, no tenías ningún lazo. No es de tu familia, no lleva tu sangre. En el fondo, se trata de comprometerte para siempre con un desconocido. Que te puede haber mentido sobre su vida antes de que le conocieras, o lo puede estar haciendo en ese mismo momento. Esos temores, bastantes veces infundados, son los que plantea en <i>Honeymoon </i>–<i>Líbánky</i>- el director checo <b>Jan Hrebejk</b>, por cuya labor se llevó el premio en la última edición del <b>Festival de Karlovy Vary</b>. En la película, <b>Hrenejk </b>nos presenta a <b>Tereza </b>y <b>Radim</b>, una pareja muy enamorada que espera un hijo. El día de su boda parece que todo va a ser perfecto. Sin embargo, tras la ceremonia y en el banquete, hace aparición un extraño al que nadie reconoce, aunque él manifiesta ser un antiguo compañero de colegio de <b>Radim</b>. La presencia de este hombre va a crear un clima perturbador en el ambiente, y <b>Tereza </b>comenzará a sospechar que quizás realmente no sabe quién es <b>Radim</b>. Las revelaciones que tendrán lugar a raíz de estos acontecimientos harán que nada vuelva a ser lo mismo.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-V7BRrPzGOxw/U1KU3zrzXgI/AAAAAAAAFGg/J8sROgjMoGs/s1600/honeymoon.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-V7BRrPzGOxw/U1KU3zrzXgI/AAAAAAAAFGg/J8sROgjMoGs/s1600/honeymoon.jpg" height="270" width="640" /></a></div><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">El año pasado ganaba el <b>Atlántida Film Fest</b> uno de los ejemplos más descarnados sobre el bullying escolar, la mexicana <i>Después de Lucía</i> (<b>2012</b>). La película de <b>Michel Franco</b> dejaba un final abierto en torno a lo que sucedería después del acoso y sus consecuencias. <b>Hrebejk </b>intenta mirar más allá y analizar la situación con distancia, es decir, presentar qué les ocurre años después, ya en su vida adulta, a las personas que por un lado lo sufrieron (y los que lo pasaron junto a ellos) y por otro lado a los que lo provocaron. La película es una dura crítica a aquellos (familiares, profesores…) que cierran los ojos ante la situación, la encubren o simplemente la ignoran, incidiendo (quizás de manera demasiado tremendista), en el hecho de que ese maltrato puede impedir llevar a la persona afectada una vida normal.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-6W--Lxl0Tuo/U1KU4GG3GpI/AAAAAAAAFGo/kY8eAWEpO1Q/s1600/b4606ca27a8b5179be75257d9125f153.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-6W--Lxl0Tuo/U1KU4GG3GpI/AAAAAAAAFGo/kY8eAWEpO1Q/s1600/b4606ca27a8b5179be75257d9125f153.jpg" height="322" width="640" /></a></div><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Se aprecia en <i>Honeymoon </i>algo de esa crudeza que es tan propia del cine danés de<b> Thomas Vinterberg </b>o <b>Lars von Trier</b>. De hecho, como en la boda con la que comienza <i>Melancolía </i>de <b>Von Trier</b> (<b>2011</b>), intuimos que hay algo turbio en esta celebración, algo que está oculto entre tanta felicidad. Muchas verdades se van a destapar, pero, sobre todas, una que cambiará la vida de los protagonistas. Aunque <i>Honeymoon </i>no logra librarse de cierto aire televisivo de película de sobremesa, se agradece la manera directa en que va descubriendo la historia. Casi la mayor parte del tiempo, se ahorra los <i>flashbacks </i>y las voces en <i>off</i>, para centrarse en lo que cuentan los personajes, a los cuales mantiene en el plano de una forma angustiosa, especialmente en la durísima confesión que el personaje interpretado por <b>Jirí Cerný</b> le hace al de <b>Anna Geislerová</b>, y en las dudas y contradicciones de ésta hacia su marido.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-NLcBWuou5ao/U1KU3eJDs9I/AAAAAAAAFGY/kgkuTsyaMI4/s1600/021-e1396462466783.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-NLcBWuou5ao/U1KU3eJDs9I/AAAAAAAAFGY/kgkuTsyaMI4/s1600/021-e1396462466783.jpg" height="318" width="640" /></a></div><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Si la cara es el reflejo del alma, una fotografía puede enfrentarte contigo mismo y con tus demonios. Con alguien que eras y habías querido olvidar. <b>Radim</b>, interpretado por <b>Stanislav Majer</b>, se verá obligado a hacerlo, en un final en parte demasiado explícito comparado por el resto de la película, y por otra parte, metafórico en su visión del matrimonio. Veinticuatro horas después de haberse dado el “sí, quiero”, <b>Tereza </b>y <b>Razim </b>se dan cuenta de la trivialidad de su unión. Porque por mucho que los intentemos ocultar, nuestros antiguos y auténticos instintos acaban saliendo a la luz, y vienen en el momento más inesperado a pedirnos cuentas por los errores del pasado.</div><br />
<h2><span style="font-family: inherit;"><i>Honeymoon </i><span style="font-weight: normal;">(<i>Libánky</i>, República Checa - 2013) </span><span style="background-color: white; line-height: 19px;"><span style="font-weight: normal;">| Ya en Filmin | Una reseña de</span> Sofia Pérez Delgado</span></span></h2><a class="twitter-follow-button" data-lang="es" data-show-count="false" data-size="large" href="https://twitter.com/daysmovie">Seguir al autor</a> <a class="twitter-follow-button" data-lang="es" data-show-count="false" data-size="large" href="https://twitter.com/Lallaveaazul">Seguir a La Llave Azul</a><br />
<script>!function(d,s,id){var js,fjs=d.getElementsByTagName(s)[0],p=/^http:/.test(d.location)?'http':'https';if(!d.getElementById(id)){js=d.createElement(s);js.id=id;js.src=p+'://platform.twitter.com/widgets.js';fjs.parentNode.insertBefore(js,fjs);}}(document, 'script', 'twitter-wjs');</script>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-76809577490498927592014-04-16T23:41:00.003+02:002014-04-16T23:41:30.404+02:00Tony Stark es Iron Man<h2 style="text-align: justify;">
Recuperamos el giro más radical en la filmografía de Marvel. En <i>Iron Man 3 </i>el tono cómico empapa la enésima aventura heroica del carismático Robert Downey Jr con la que el estudio dio el pistoletazo de salida a su "fase 2". </h2>
<div style="text-align: center;">
<i>La crítica contiene detalles relevantes sobre</i><i> el desarrollo de la trama.</i></div>
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<a href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/" rel="license" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img alt="Licencia de Creative Commons" src="http://i.creativecommons.org/l/by/4.0/88x31.png" style="border-width: 0;" /></a></h2>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFcQFmw24BZSDOQIEHeMnmfDyZ0ApGmwOvPekX1z0mhcLJXS5c6SCX1Un7mMoj7_2jHrR6avIuF3jLs3R-Wb_oya4TdZbFlGGYhU22_ushfj4GWT0pc2fyH4MfF3eWe5D1ZuD7KHVKzBsD/s1600/sct0140v1701082r720.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFcQFmw24BZSDOQIEHeMnmfDyZ0ApGmwOvPekX1z0mhcLJXS5c6SCX1Un7mMoj7_2jHrR6avIuF3jLs3R-Wb_oya4TdZbFlGGYhU22_ushfj4GWT0pc2fyH4MfF3eWe5D1ZuD7KHVKzBsD/s1600/sct0140v1701082r720.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
<b><br /></b>
<b>Marvel </b>ha creado, y sostiene, uno de los modelos más beneficiosos para la industria cinematográfica desde la vuelta del <b>3D </b>con <i>Avatar</i>. Si bien es cierto que desde hace tiempo han existido las franquicias que se han podido aprovechar para sacar más dinero, a largo plazo, del espectador fidelizándole - uno de los casos más famosos e incluso revolucionarios fue <i>Harry Potter </i>que incluso estiró el material original dividiendo su última parte en dos películas, marcando precedente ya común - y que las productoras llevan años explotando el tirón de las sagas literarias superventas para llenar sus arcas, <b>Marvel </b>ha conseguido aunar espíritu y mercado en las adaptaciones al celuloide de sus populares cómics. ¿Cómo? Es evidente que el caso "vengadores" de <b>Marvel </b>es prácticamente único: <b>DC </b>intenta desesperadamente conseguir su propia cuadrilla superheroica, <b>20thCentury Fox </b>ambiciona con revitalizar las franquicias de <i>X-Men </i>y <i>Los cuatro fantásticos </i>y <b>Sony </b>exprime al máximo, con más ímpetu que fortuna, su licencia comercial de <i>Spider-Man</i>. La clave, el comienzo de una era en los estudios creadores de algunos de los más conocidos superhéroes está en <i>Iron Man </i>(<b>2008</b>) El filme de <b>Jon Favreau </b>suponía una auténtica demostración de cómo hacer un cine de superhéroes divertido y dinámico que ha servido como perfecto precedente. El ciclo se cierra (o vuelve a empezar) con el final de la trilogía de <b>Tony Stark</b>, con el comienzo de la <b>FASE 2 </b>del estudio.<br />
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<b>Shane Black</b> llevó al estrellato a <b>Robert Downey Jr </b>(<i>Kiss Kiss Bang Bang</i>) y la sorprendente perspectiva que da al rol del actor en el cierre de su trilogía es francamente intersante. El director y guionista es conocido por su capacidad para realizar unas obras divertidas con acción hipnótica, por ser capaz de generar diálogos inteligentes a la vez que dinámicos. Y pese a que podría haberle pesado el cargarse de la responsabilida de un <i>blockbuster </i>de estas características, <b>Black </b>acierta de lleno al dar un giro radical de género y tono respecto a las dos entregas anteriores de la saga. Durante todo el metraje veremos a un <b>Tony Stark </b>que solo en contadas ocasiones porta su traje e identidad de <b>Iron Man</b>. Por ello se percibe un mensaje claro en la obra: el traje no hace al superhéroe, sino viceversa. Este análisis introspectivo del personaje vendrá acompasado por una personalidad afectada por los sucesos ocurridos en la taquillera y anterior <i>Los Vengadores</i>.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-wfi0HsklQMM/U074YJDfidI/AAAAAAAAFF4/oHXxWXFJ85s/s1600/16456.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-wfi0HsklQMM/U074YJDfidI/AAAAAAAAFF4/oHXxWXFJ85s/s1600/16456.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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<b>Stark </b>es vapuleado por los recuerdos. Uno de los principales temas de <i>Iron Man 3</i> es como la destrucción de <b>Nueva York </b>y la inmersión en el agujero de gusano del personaje en la pasada entrega de la factoría afectó a <b>Tony Stark</b>. Debido al impacto de los acontecimientos y a su reflexión interior, <b>Tony Stark</b> deberá seguir un viaje, emocional y real, en busca de respuestas, donde además deberá enfrentarse a su pasado. Es indudable y perceptible la evolución que se ha producido en <b>Stark </b>durante estos tres filmes; en esta ocasión el enemigo está creado por él mismo, es fruto de sus acciones pasadas. Debe centrarse y solucionar los males que causo.<br />
<br />
La búsqueda de su propia identidad a partir de esa batalla propiciará el tratamiento de otro tema de gran interés y calado: el<b> post-11S</b>. Las referencias a la catástrofe de <b>Nueva York </b>y al nuevo terrorismo explosivo con el supervillano inicial representado como un terrorista islámico y las repetidas frases, con doble sentido, tal que <i>“nada ha vuelto a ser igual desde Nueva York"</i>, enfatizan el cambio de la sociedad estadounidense en el mundo <b>Marvel </b>con muchos paralelismos al atentado que conmocionó al mundo. Pero la propia película juega a su favor, esta idea preconcebida generada por desechos como <i>El hombre de acero </i>ayuda a generar un verdadero cambio en la forma en la que vemos este movimiento cinematográfico. Por medio de un giro argumental comprendemos como se busca el crear una imagen a la cual odiar para obviar los auténticos problemas.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihhqrwbl1iU_epRXGGXQKOHP-PH4utD2mEeyX8SxJGaeSzR5MfMcDxr6mPV3yYxVw7k0dsi_ffnMMePay1mbZ8SMtPziGqOSyQbGb-ZODvwCRb7MiN-3prDg0SAuDNOUOoGMj63SXlnrnv/s1600/im3-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihhqrwbl1iU_epRXGGXQKOHP-PH4utD2mEeyX8SxJGaeSzR5MfMcDxr6mPV3yYxVw7k0dsi_ffnMMePay1mbZ8SMtPziGqOSyQbGb-ZODvwCRb7MiN-3prDg0SAuDNOUOoGMj63SXlnrnv/s1600/im3-1.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
<br />
<br />
La revelación de la autentica identidad del <b>Mandarín </b>consigue ser una completa sorpresa. <b>Trevor </b>se erige como uno de los personajes más carismáticos de todo el universo cinematográfico de <b>Marvel </b>y también como uno de los más divertidos gracias a una increíble interpretación de <b>Sir Ben Kingsley</b>, capaz de llenar la pantalla solo con su presencia. Realmente este giro en la narración funciona en tres campos: <b>1)</b> La sorpresa en el sentido más visceral, absolutamente inesperada. <b>2)</b> Temáticamente funciona como representación de la idea anteriormente mencionada de la visión de una realidad donde se busca una imagen de un culpable para tapar a las verdaderas causas del conflicto y <b>3)</b> Es muchísimo más inteligente que añadir el estereotipo de cómic racista que en su persepectiva más "seria", el personaje podía constituir. El giro argumental de <b>Black </b>funciona en todos los sentidos, cosa que no consigue <b>JJ Abrams</b> en ninguno de sus trabajos ya que no logra lo que si se consigue en ésta: combinar el efecto sorpresa del giro en su sentido más explícito con una continuación regular de su trama tras el mismo.<br />
<br />
Sin lugar a dudas se trata de la mejor película de la trilogía pero en ella, como en todas las demás, los fallos abundan. Ya sea por los errores de caracterización y consistencia en el universo o por las excesivas e innecesarias escenas de acción (necesarias comercialmente al tratarse de un <i>blockbuster </i>superheroico). Mas pese a que un <b>Shane Black </b>reprimido ha causado estos notables problemas, el resultado final deja un sabor satisfactorio. Un buen cierre a la trilogía de <i>Iron Man</i> y un muy buen comienzo de esta <b>Segunda Fase </b>de <b>Marvel</b>.<br />
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<span style="font-family: inherit;"><i>Iron Man 3 </i><span style="font-weight: normal;">(<i>íd</i>, EEUU - 2013) </span><span style="background-color: white; line-height: 19px;"><span style="font-weight: normal;">| Una reseña de</span> Nacho Vázquez</span></span></h2>
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Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-73700602308804845262014-04-16T19:51:00.004+02:002014-04-16T19:51:41.295+02:00Ciclo Aronofsky | 'Noé'<h2 style="text-align: justify;">
<span style="font-weight: normal;">“Y la Tierra se había corrompido y estaba toda ella llena de violencia. Y miró Dios a la Tierra y he aquí que estaba corrompida porque toda carne había corrompido su camino sobre la Tierra (…) y he aquí yo traeré un diluvio sobre ésta, para destruir toda carne en que hay aliento de vida debajo del cielo; </span><b>todo lo que hay en la Tierra perecerá</b><span style="font-weight: normal;">”</span></h2>
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<b><i>Génesis 6, 11-17</i></b></div>
<h2 style="text-align: justify;">
<a href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/" rel="license" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img alt="Licencia de Creative Commons" src="http://i.creativecommons.org/l/by/4.0/88x31.png" style="border-width: 0;" /></a></h2>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVsY64ews7_B5eDJ_-kIaxvTjFJgUV4ruS7nVKcqAfB_e0PILIJdVWLojqd5Gfoh7C3Fdd0WvPRY4RDpsGKQiNHnc6Y_o3JYJV1lIDJBZ0bG3SM-bnnmWwS9b44GPAuAdLxGR3auHEGvXS/s1600/N-27836-Edit.jpg_cmyk.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVsY64ews7_B5eDJ_-kIaxvTjFJgUV4ruS7nVKcqAfB_e0PILIJdVWLojqd5Gfoh7C3Fdd0WvPRY4RDpsGKQiNHnc6Y_o3JYJV1lIDJBZ0bG3SM-bnnmWwS9b44GPAuAdLxGR3auHEGvXS/s1600/N-27836-Edit.jpg_cmyk.jpg" height="364" width="640" /></a></div>
<br />
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Bajo este pasaje de calado tan destructivo como imponente se esconde la supuesta historia de <b>Noé </b>y su familia, únicas personas a las que <b>Yavé </b>permitió la supervivencia al diluvio que mandaría como recompensa a su pureza y bondad, solo equiparable a la de los animales que ocuparían el arca que se construiría. Lo demás dejaría de existir. El Señor olvidaría momentáneamente su infinita misericordia para arrasar con todo ser viviente sin el más mínimo atisbo de piedad, y no existiría nadie que pudiera reprochárselo.<br />
<br />
Durante siglos y siglos de lucha más o menos literal entre ateos y cristianos, nadie ha parecido poner interés en el inconmensurable plantel de posibilidades que tal hecho otorga a la polémica.<br />
<br />
Nadie excepto <b>Darren Aronofsky</b>, posiblemente el director contemporáneo con mayor habilidad para plasmar en pantalla minuciosos estudios de conflictos psicológicos aplicados a personajes normalmente atormentados. En la mayoría de sus películas dichos conflictos tienen como corolario el sacrificio o automutilación del personaje principal. Sacrificio que surgiría como consecuencia de un deber impuesto por una instancia superior, bien localizada en el propio interior del personaje o bien presente de forma desdibujada en el exterior. Este sacrificio otorgaría la beneficencia a la raza humana y tendría como única razón de ser la consecución del bien común. Nos encontramos por tanto ante una concepción eminentemente bíblica: la venida a la Tierra de un ser que ofrece su vida en beneficio de los demás.<br />
<br />
De esta forma encontraríamos a <b>Nina </b>en <i>Cisne Negro</i>, cuyo único objetivo es el logro de la perfección absoluta en su interpretación para el exclusivo deleite de aquellos que la observen, cosa que solo se conseguirá mediante su muerte. Asimismo, <b>Randy </b>combatirá en el acto final de <i>El luchador</i>, a pesar de que la enfermedad está a punto de acabar con él, ante una fiera multitud que le ovaciona.<br />
<br />
Nótese la relación que se establece aquí entre el concepto “sacrificio” y “espectador”. <b>Aronofsky </b>postula en una crítica visceral la concepción de muerte como espectáculo, la pulsión escópica o simple “morbo” que convierte al ser humano en un monstruo ávido de contemplar tal sufrimiento. Sólo así se conseguirá la perfección ansiada por <b>Nina</b>. Sólo así estaremos satisfechos.<br />
<br />
Ante un postulado tan desolador, las películas de <b>Aronofsky </b>pueden originar dos reacciones: una fascinación absoluta o un virtual rechazo. Personalmente, me encuentro en el primer grupo. Sin ningún tipo de pudor, <b>Aronofsky </b>representa en pantalla temas tabú que incitan a una reflexión prolongada en los días posteriores al visionado.<br />
<br />
Es el caso de <i>Réquiem por un sueño</i>, es el caso de <i>El luchador</i>, es el caso de <i>Cisne negro</i>… y es el caso de ésta <i>Noé</i>. Alejada de la usual concepción de fanfarria épica que una adaptación bíblica hubiera supuesto en manos de otro director, <b>Aronofsky </b>apuesta por una profunda exploración de las vicisitudes de dos conceptos enfrentados desde el principio de los tiempos: el bien y el mal. ¿Qué es bueno y qué es malo? ¿Hay posibilidad de establecer una definición precisa de ambos? ¿O no existen límites definidos y vienen marcados por una cierta vaguedad? ¿Cómo sabemos que en <b>Noé </b>y su familia reside la bondad si sus acciones y pensamientos no son tan distintos a los de aquellos que <b>Dios </b>está a punto de exterminar? ¿Cómo sabemos que el propio <b>Dios </b>es bueno?<br />
<br />
<i>“¿Cómo sé yo que no me controla un genio maligno que convierte lo falso en verdadero y lo verdadero en falso?</i>”. La teoría del genio maligno acuñada por <b>Descartes </b>implicaba la utilización del término “genio” para diferenciar al dios al que aludía del Creador cristiano. Es curioso que en el film de <b>Aronofsky </b>se pueda establecer una identificación plena entre ambos.<br />
<br />
La representación de <b>Noé </b>como figura buena e íntegra por excelencia se ve alterada completamente en el momento en que las acciones realizadas por el bien del Universo (ese bien común que antes mencionaba elevado a su máximo exponente) se tornan en oscuras, violentas, malignas y nada diferentes a las de aquellos que obtendrán un castigo divino. El sacrificio supremo supondrá su inmolación así como la de su propia familia, en la cual se comienza a cuajar una cierta rebelión (la voluntad de huida de <b>Ila</b>, incapaz de ver morir a sus hijas a manos del que una vez consideró su padre, así como la pujante sed de venganza presente en el personaje de <b>Ham</b>). La postura adoptada por <b>Noé</b>, como una suerte de dictador del arca que durante tantos años construyó, en nada se diferenciará de la del Rey de los descendientes de <b>Caín</b>, al que repite una y otra vez que debe morir. ¿Por qué <b>Dios </b>eligió a uno y no a otro?<br />
<br />
La presencia del conflicto identitario así como la fina línea existente entre el bien y el mal son conceptos muy presentes en la totalidad de la película. <b>Aronofsky </b>se vale de su habitual imaginario perturbador y detallista para ofrecer una representación certera de la naturaleza inevitablemente violenta del ser humano, hecho que ni siquiera un diluvio puede detener. La conclusión del film muestra la destrucción psicológica del personaje de <b>Noé </b>a raíz de lo acontecido. El sacrificio se ha producido, por tanto, si bien no de forma literal. El conflicto solo se resuelve mediante la destrucción, bien sea física o psicológica. La exposición de <b>Noé </b>a la oscuridad que reside en todo ser humano es el detonante del diluvio destructor de su propia integridad.</div>
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<h2>
<span style="font-family: inherit;"><i>Noé </i><span style="font-weight: normal;">(<i>Noah</i>, EEUU - 2014) | Ya en cines </span><span style="background-color: white; line-height: 19px;"><span style="font-weight: normal;">| Una reseña de</span> Miguel Alcalde</span></span></h2>
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Las mentiras de la lucha libre quedan retratadas en <i>El luchador</i>, otro descenso a los infiernos dirigido por Darren Aronofsky. Protagoniza la cinta un enorme Mickey Rourke.</h2>
<h2 style="text-align: justify;">
<a href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/" rel="license" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img alt="Licencia de Creative Commons" src="http://i.creativecommons.org/l/by/4.0/88x31.png" style="border-width: 0;" /></a></h2>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-V3e3j9Nklts/U0p-46a7PMI/AAAAAAAAFFc/fqQJzDnBqis/s1600/luchadorbluray.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-V3e3j9Nklts/U0p-46a7PMI/AAAAAAAAFFc/fqQJzDnBqis/s1600/luchadorbluray.jpg" height="322" width="640" /></a></div>
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El cine de <b>Darren Aronofsky</b> comprende todo tipo de géneros y cualidades, pero se pueden resumir en dos: el relato de la cruda realidad o la fantasía del <i>bigger than life</i>. En ocasiones esa línea que separa ambos mundos es difusa (<i>Cisne negro</i> o <i>La fuente de la vida</i>); otras veces, el único objetivo de <b>Aronofsky </b>es plasmar la verdad tal y como puede ser contada: contra las cuerdas. <i>El luchador</i> es todo eso y bastante más, no se limita a contar las miserias de una vida destrozada, opta por ahondar en el destrozo, recoger los pedazos, intentar recomponerlo, dotas de esperanza a una historia rota para al final, servir la realidad en la peor de sus vertientes.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWJVDmxjrXW_ZeLsckfYUXZMCeBdnpfVUKyFyrDeD8BVrikP5RIyFQS5Sg-wu6vpXLDO0WjrB-ni17Jd-w8ua3WmeLA7DGm0oFICYVxLXxKmHXlpvefnF-EwgDZfwIGxN5YpWC-Q761vvm/s1600/el-luchador-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWJVDmxjrXW_ZeLsckfYUXZMCeBdnpfVUKyFyrDeD8BVrikP5RIyFQS5Sg-wu6vpXLDO0WjrB-ni17Jd-w8ua3WmeLA7DGm0oFICYVxLXxKmHXlpvefnF-EwgDZfwIGxN5YpWC-Q761vvm/s1600/el-luchador-2.jpg" height="292" width="640" /></a></div>
<br /></div>
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Para ello, y desde el primer momento, elige romper todos los mitos y leyendas que el guión de <b>Robert Siegel </b>se empeña en poner al descubierto. Es el factor que determina que el director quiere contar la verdad, libre de efectismos estéticos y planos complicados, de tareas de montaje frenéticas o claroscuros indeterminados. El luchador de <b>Aronofsky </b>es el primer plano de una historia triste y verdadera, de las miserias de un antiguo héroe que prefiere hacer daño a los que de verdad le quieren con tal de no decepcionar a aquellos que lo adoran. El personaje de<b> Mickey Rourke</b> tiene más cicatrices por dentro que las que su piel muestra, y solamente muestra su lado verdadero cuando realiza el mayor de los engaños encima de un ring.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-dXNJ51BsYPs/U0p-4By-olI/AAAAAAAAFFQ/gr4gdSSU-jk/s1600/el_luchador_film_mickey_rourke.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-dXNJ51BsYPs/U0p-4By-olI/AAAAAAAAFFQ/gr4gdSSU-jk/s1600/el_luchador_film_mickey_rourke.jpg" height="324" width="640" /></a></div>
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Se habla de la interpretación de <b>Mickey Rourke</b> como algo increíble, pero va más allá. <b>Rourke </b>conoce la miseria del día a día, <b>Rourke </b>que otrora fuera un gran actor de éxito fue relegado a un segundo plano que hundió su talento (y por ende, su carrera). <b>Rourke </b>no se vuelca sobre el personaje de <b>Randy “The Ram” Robinson</b>: ES el personaje. Parece que sea el documental de su vida, con algún que otro momento guionizado. Pero no, <b>Mickey Rourke</b> es la miseria personificada: esta película no supone ningún comeback, no es necesario tomarlo como el regreso de un gran actor, es el mejor reflejo de una película hecha a la medida de un actor.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-h4MV0tTIx5I/U0p-3mSPM-I/AAAAAAAAFFM/fR-wBWfx7WA/s1600/el-luchador-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-h4MV0tTIx5I/U0p-3mSPM-I/AAAAAAAAFFM/fR-wBWfx7WA/s1600/el-luchador-1.jpg" height="264" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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Con una presencia absoluta en el film, quedan deslucidos los difíciles trabajos de <b>Marisa Tomei </b>y <b>Evan Rachel Wood</b>, que soportan con total maestría cualquier línea de diálogo que tienen. Esta es una película pequeña en la filmografía de <b>Darren Aronofsky</b>, la más pequeña tras su ópera prima <i>Pi</i>, y tal vez quede deslucida por ello; pero es sin duda, un reflejo fiel de cualquier historia y de cualquier persona, que deja al descubierto las mentiras de un deporte que no es tal, los misterios de unos músculos que no son así, las fantasías de una vida mejor para un héroes con los pies en el lodo más profundo.</div>
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<span style="font-family: inherit;"><i>El luchador </i><span style="font-weight: normal;">(<i>The wrestler</i>, EEUU - 2008) </span><span style="background-color: white; line-height: 19px;"><span style="font-weight: normal;">| Una reseña de</span> Jonathan Sedeño</span></span></h2>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMclvPD-9W9tn2e7RBDhyphenhyphenmKnepYDgKnMWwnqJo4ZCBQG5DzmMiZAz9nT5EnXNCQ6TQQB3QiGBJJ3h6GP3g8dj03qQr9q2rfhRHr2Tv110OBDoon6iVfr1xHrw46LK-FIKr8ERXB5k5WMlW/s1600/aeli_09_8160.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMclvPD-9W9tn2e7RBDhyphenhyphenmKnepYDgKnMWwnqJo4ZCBQG5DzmMiZAz9nT5EnXNCQ6TQQB3QiGBJJ3h6GP3g8dj03qQr9q2rfhRHr2Tv110OBDoon6iVfr1xHrw46LK-FIKr8ERXB5k5WMlW/s1600/aeli_09_8160.jpg" height="360" width="640" /></a></div><br />
</div><div style="text-align: justify;">Continúa el estreno en cines de trabajos representantes del último <b>Festival de Málaga</b>. En el caso de la película que nos ocupa esta semana además, <i>Anochece en la India</i>, llega avalada por sus premios al mejor actor y montaje. Se trata de la última película de <b>Chema Rodríguez</b>, consolidado realizador de documentales (ha estado presente en numerosos festivales, entre ellos el de <b>Berlín</b>, donde ganó el segundo premio de la sección <b>Panorama </b>con <i>Estrellas en la Línea</i> -<b>2006</b>-), en la que lleva su habitual mirada multicultural al terreno de la ficción. <b>Ricardo </b>en un hombre en silla de ruedas que añora su época hippie de juventud. Unos años en los que viajó a la aventura por todas partes y conoció a gente fundamental en su vida. Un buen día decide hacer el camino por carretera que separa <b>España </b>de la <b>India</b>, como última oportunidad de disfrutar del tiempo que le queda. Al no poder hacerlo solo, contará con la ayuda de un chico al que contrata, y de la que ha sido su asistenta en los últimos meses, <b>Dana</b>, una mujer rumana con un pasado oscuro, a la que la idea de <b>Ricardo </b>le parece una locura.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7PP0ScoRk5ICBss505mj1dtBpNsJllctCp_sJ1vBNDVsuuiVvdnXf2peByT6nqe0GHKZ06-WZAzanuv3Ye2rtMXWJC72ioba18V1H3JJZkTIUlNMevq-hw3nEK0GQuHkuiX28iibh0_TF/s1600/aeli_06_4281.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7PP0ScoRk5ICBss505mj1dtBpNsJllctCp_sJ1vBNDVsuuiVvdnXf2peByT6nqe0GHKZ06-WZAzanuv3Ye2rtMXWJC72ioba18V1H3JJZkTIUlNMevq-hw3nEK0GQuHkuiX28iibh0_TF/s1600/aeli_06_4281.jpg" height="360" width="640" /></a></div><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><i>Anochece en la India</i> es una road movie que no sigue los parámetros de su género, ya que, al igual que pasaba en la reciente <i>Nebraska </i>(<b>2013</b>) de <b>Alexander Payne</b>, estamos ante un viaje que por circunstancias queda detenido, más tarde reanudado, y finalmente transformado. No nos encontraremos por tanto con una historia como tantas de descubrimiento y redención. El viaje provocará cambios en los personajes, pero no de la manera moralista y aleccionadora que cabría esperar. Realmente los patrones que sigue la película son los del cine americano independiente actual, desde la relación entre los protagonistas hasta el estilo y el uso de las canciones. Destacables son la fotografía de <b>Juan González</b> y <b>Alex Catalán</b> (responsable visual este último de Camino -<b>2008</b>- o <i>También la lluvia </i>-<b>2010</b>- entre otras), qué ilumina la oscuridad interna de los protagonistas, y la música original de <b>Hans Lundgren</b>, la cual se adecúa perfectamente a cada localización del viaje en la que se encuentran.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgESkHxqUO4oPQILylxvezXeMMGxgZM_QVV-ZCoicG46bwT-I9TRY54iAp10XJ3jnGKxcnWwiGuYSH6jygtuIlgttdNQfHj1e_SpqQy1-cbCmjQar6jSkN4HKby8Qk1wTge6YPstSzm_s2Z/s1600/aeli_11_3512.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgESkHxqUO4oPQILylxvezXeMMGxgZM_QVV-ZCoicG46bwT-I9TRY54iAp10XJ3jnGKxcnWwiGuYSH6jygtuIlgttdNQfHj1e_SpqQy1-cbCmjQar6jSkN4HKby8Qk1wTge6YPstSzm_s2Z/s1600/aeli_11_3512.jpg" height="360" width="640" /></a></div><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">Se trata de una película fundamentalmente de personajes, y la fuerza reside en el dúo formado por <b>Juan Diego</b> y <b>Clara Voda</b>. La frialdad y dureza de la rumana contrastan con la visceralidad del español, que ofrece un registro muy diferente al que nos tenía acostumbrados en sus últimos trabajos. Dos polos opuestos condenados a entenderse (¿y a quererse?), que se entregan al mismo nivel emocional, aunque no sería justo dejar de recalcar el enorme esfuerzo físico de <b>Juan Diego</b>. El resto de personajes no pasan de ser puramente anecdóticos, como el de <b>Javier Pereira</b>, que no es más importante que del sobrino de <b>Dana </b>o el de la chica sueca a la que recogen.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhDQq2HxB5HZxZNI2y-AiQxjKBlW8b5-RTECkLvFFSswYGF3fqJRQtw2SSsIYtSSYXTcF7l7uuzvkgYYHuORz4sd1scJ7w48Gj28ZoTssqO3OICrkd3AyZocETHwYs5HnAlmLzgBX4FsBA/s1600/aeli_03_1882.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhDQq2HxB5HZxZNI2y-AiQxjKBlW8b5-RTECkLvFFSswYGF3fqJRQtw2SSsIYtSSYXTcF7l7uuzvkgYYHuORz4sd1scJ7w48Gj28ZoTssqO3OICrkd3AyZocETHwYs5HnAlmLzgBX4FsBA/s1600/aeli_03_1882.jpg" height="360" width="640" /></a></div><br />
</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;">De manera más o menos casual, llegan a la cartelera la misma semana dos películas que hablan de un tema controvertido como es el del suicidio asistido, y aunque lo hacen desde distintas perspectivas, el punto de vista parecido. <i>Anochece en la India</i> y <i>Miel</i>, de <b>Valeria Golino</b>, dejan el camino abierto, para que el espectador saque sus propias conclusiones, centrándose en la exaltación de la libertad, libertad para hacer lo que uno desee. Para morir, y para vivir. Sin embargo, la película de<b> Chema Rodríguez</b> divaga más que la italiana, y acaba rematada de una manera algo alargada y extremista, casi al estilo de un western crepuscular, como si el director no tuviese claro cuando ponerle el punto y final. Aun así, <i>Anochece en la India </i>va más allá de sus buenas intenciones y, sin ser redonda, ofrece un interesante y cuidado panorama de un viaje, principalmente interno.</div><h2 style="text-align: justify;"><i style="font-family: inherit;">Anochece en la India </i><span style="font-family: inherit; font-weight: normal;">(España - 2014) </span><span style="background-color: white;"><span style="font-family: inherit; font-weight: normal; line-height: 19px;">| ★★½ | Ya en cines | </span></span><span style="font-family: inherit; font-weight: normal; line-height: 19px;">Una reseña de</span><span style="background-color: white; font-family: inherit; line-height: 19px;"> Sofia Pérez</span></h2><div style="text-align: justify;"><a class="twitter-follow-button" data-lang="es" data-show-count="false" data-size="large" href="https://twitter.com/daysmovie">Seguir al autor</a> <a class="twitter-follow-button" data-lang="es" data-show-count="false" data-size="large" href="https://twitter.com/Lallaveaazul">Seguir a La Llave Azul</a></div><script>!function(d,s,id){var js,fjs=d.getElementsByTagName(s)[0],p=/^http:/.test(d.location)?'http':'https';if(!d.getElementById(id)){js=d.createElement(s);js.id=id;js.src=p+'://platform.twitter.com/widgets.js';fjs.parentNode.insertBefore(js,fjs);}}(document, 'script', 'twitter-wjs');</script>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-70960169888679980302014-04-12T14:06:00.001+02:002014-04-12T14:09:05.831+02:00Entrevista | Chema Rodríguez y Javier Pereira | 'Anochece en la India'<h3 style="text-align: right;"><i>"Anochece en la India es un viaje desde la oscuridad hacia la luz"</i></h3><a href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/" rel="license" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img alt="Licencia de Creative Commons" src="http://i.creativecommons.org/l/by/4.0/88x31.png" style="border-width: 0;" /></a><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8-_VKkTjPTUsd5_wyRwfWi4_rZSf0BB27A_XJtJPNfzYD0T5xHcDY1mBfzQDl3jxMdlgtx2Uuqrd8mHOGRjeVVYimx4l2dP29rQT6WC5rGLrHMebUXTklzChK-t121eDQAOv8e4AWqLcR/s1600/DSCF8134.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8-_VKkTjPTUsd5_wyRwfWi4_rZSf0BB27A_XJtJPNfzYD0T5xHcDY1mBfzQDl3jxMdlgtx2Uuqrd8mHOGRjeVVYimx4l2dP29rQT6WC5rGLrHMebUXTklzChK-t121eDQAOv8e4AWqLcR/s1600/DSCF8134.JPG" height="360" width="640" /></a></div><div><i><br />
</i></div><div style="text-align: justify;">Ayer viernes se estrenó en cines <i>Anochece en la India</i>, una de las protagonistas del último <b>Festival de Málaga</b>, donde ganó los premios del mejor actor, para un impresionante <b>Juan Diego</b>, y mejor montaje. Una atípica road movie que nos habla de cómo <b>Ricardo</b>, un antiguo <i>hippie </i>parapléjico, emprende con su asistenta rumana el que puede que sea el último viaje de su vida. El pasado lunes en <b>Madrid </b>hemos contado con la presencia de parte del equipo, y hemos podido hablar con su director, <b>Chema Rodríguez</b>, y el actor <b>Javier Pereira</b>, que tiene un pequeño papel en la película.</div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Para empezar, ¿cómo fue el proceso para crear la película?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>Anochece en la India está basada en un libro que escribí en 2003, cuyo protagonista era Lorenzo del Amo, un tipo que llevaba hippies a la India en los años 60-70, y en los 80 tuvo un accidente en el río Níger en África y quedó parapléjico. Era alguien con una energía y una fuerza brutal. Lo que cuenta la película es lo que yo me imaginé que ocurriría si Lorenzo, acompañado por su asistenta, decidiese hacer de nuevo ese viaje y volver a la India en su estado actual. Y así surgió la historia. Luego todo lo demás fue llegando; pensé en Juan Diego desde el primer momento, y cuando vi a Clara Voda en Si quiero silbar, silbo (2010), me imaginé lo que podrían ser juntar a un actor tan explosivo como Juan Diego y con una vida tan interior como Clara. Cómo juntar a estos dos personajes en una historia y en un guion que tuviese el recorrido de un viaje desde la oscuridad hasta la luz.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿Cómo consigues la financiación para llevar a cabo tu idea?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA: </b><i>El viaje de financiar y producirla ha sido más grande que las aventuras de la propia película. La película se planteó desde el principio como una coproducción internacional con Rumanía, Suecia, etc. Hubo un momento que teníamos todo lo que queríamos, estaba muy bien financiada, porque a la gente que tenía que poner dinero les gustaba. Y así empezamos a rodar. Pero a mitad de rodaje, el productor quebró y parte de las subvenciones que teníamos se vinieron abajo. Y como consecuencia de que los demás elementos de la financiación estuvieran a nombre del productor que quebró, todos esos documentos y contactos no valían para nada. Entonces hubo que levantar la financiación, me quedé sólo en mitad del océano, no podía tirar para atrás porque no habíamos gastado ya el 80% del presupuesto en el rodar la parte más barata. Sería muy largo contar como fue el proceso de volver a conseguirlo, pero fue gracias a la ayuda de mucha gente, de muchos amigos. Ha sido duro, pero no conozco ningún viaje que merezca la pena que no lo sea. Y por fortuna está acabando bien, porque las posibilidades en todo el proceso de que no hubiese película fueron muchas. Y al final la terminamos, es una película digna, ha ganado premios…</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>JAVIER:</b> <i>Y se estrena en cines.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿El hecho de que tenga parte de producción rumana ha influido a la hora de que el personaje femenino sea de ese país?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA: </b><i>Primero conocí a Clara, vi que puede hacer un tour de force muy interesante con el personaje de Ricardo, y a partir de ahí ya planeamos la coproducción. No es un proceso complicado. Escribí a los doce productores más importantes de Rumanía, contestaron cinco, y de ellos, a dos les interesaba. Al final el Ministerio de Cultura Rumano aportó 200.000 euros, y estamos todos muy contentos de haber conseguido eso.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Hablando de Clara, su personaje de Dana es igual de fundamental que el de Ricardo. ¿Cómo fue el trabajo con ella?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>Cuando la conocí no hablaba español, pero tiene una capacidad brutal para aprenderlo. Aunque yo no quería que al final lo hablara también que ni se notara que era rumana, porque en la película se supone que sólo lleva unos meses en España. Así que empezó a estudiarlo un poco tarde, en el Instituto Cervantes de Bucarest. Todos nos hemos hecho muy amigos de ella porque es encantadora. La Dana que se ve en pantalla no tiene nada que ver con Clara, es muy divertida y graciosa. También tiene una enorme capacidad para trabajar los silencios, eso en el cine rumano se trata muy bien.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Javier, ¿tú estabas desde el principio en el proyecto?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>JAVIER: </b><i>Sí, todo vino a raíz de que estuvimos a punto de trabajar junto hace unos años en una película, pero no salió adelante y no pudo ser, y en ésta nos apetecía. Es un personaje pequeño, pero yo estoy orgulloso y encantado de colaborar, y de apoyarnos mutuamente. Se intentó que el personaje reapareciera en la India, pero al final se salía de la trama principal y no venía a cuento.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>Lo que pasaba es que el personaje te pide de verdad volver a salir, e intentamos ver la manera de hacerlo, pero era muy forzado.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿Cómo ha sido trabajar con Juan Diego? ¿Qué te ha aportado?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>JAVIER:</b> <i>Es un placer trabajar con uno de tus referentes, que es uno de los actores más grandes que tenemos ahora mismo en España, y poder disfrutar de él haciendo ese personaje tan característico, en el que se esfuerza tanto física como emocionalmente. Y además es muy generoso con los compañeros. Se aprende mucho, son unas clases magistrales gratuitas.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Chema, ¿qué tenía Juan Diego para que pensaras en él desde el principio para el papel?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>Una película en la que me encantó era Vete de mí (2006), y en ella me parecía tenía mucho de lo que yo quería también para Ricardo. Esa capacidad de ser una especie de Clint Eastwood en Gran Torino (2008). Juan Diego tiene una oscuridad en la mirada que es estupenda para hacer comedia, y una capacidad para el gag que es buenísima para el drama. Es esa capacidad para, en una misma secuencia, estar en dos territorios que no están ni el guion.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿Cómo se convence a Juan Diego para un papel con tanto esfuerzo físico?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA: </b><i>Yo creo que en la pantalla no se llega a percibir el esfuerzo físico que hace. Sólo hay un plano en toda la película en el que tiene un especialista, que es en el que se tira desde el barranco a la parte de arriba de la furgoneta. Pero todo lo demás lo hace él personalmente, y a punto estuvo de hacer esa también. Tiene una fuerza interior brutal, más energía que cualquiera de los que estábamos en el rodaje. Es brutal en lo físico y en lo emocional. Hay secuencias un poco cómicas pero que él, con un silencio, las lleva a otro territorio más oscuro, o viceversa.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿Una silla de ruedas dificulta mucho un rodaje?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA: </b><i>Para el actor sí. Lo que pasa es que él estuvo meses antes con la silla, iba hasta a la compra con ella. Cuando llegas al rodaje con ese nivel de preparación, parece que no es dificultoso. Y de hecho no lo es especialmente. Pero a Juan Diego sí le costó. Hacía ejercicios de subirse y bajarse de la silla, etc. Pero es un profesional impresionante. Imagino que cualquier cosa que se le pida lo hará con la misma obsesión y con la misma energía.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿Rodasteis realmente en todos los países en los que se desarrolla la película?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>Sólo hemos rodado en India, Turquía, Rumanía y España. Lo que se ve de Irán está rodado en India y en Almería. El desierto de Almería es un escenario estupendo, no es de extrañar que en los años 70 y 80 vinieran aquí a rodar películas del Oeste. Toda la parte final está rodada allí, y no fue por cuestiones económicas; de hecho nos salía más caro que hacerlo en India, pero es que visualmente no era lo mismo.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿Y hubo muchos problemas a la hora de rodar en India?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA: </b><i>Sí, el rodaje en la India fue complicado, sobre todo por cuestiones culturales. Yo estuve tres años haciendo casi una veintena de viajes a la India para preparar la producción. Y un mes y medio antes de empezar a rodar tuve que despedir al productor indio, porque no nos entendíamos. Por fortuna, contactamos con el Ministerio de Cultura de allí, y nos pusieron el contacto con el director de localizaciones de Slumdog Millionaire (2008). Le dije exactamente lo que había y nos entendimos muy bien. Tuvimos esa suerte. Pero cuando empezamos a rodar, ellos estaban acostumbrados a un equipo de arte que son veinticinco personas, y allí éramos cuatro. Eso les costaba.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Puede que uno de los aspectos más interesantes de la película sea que no se trata de aleccionar sobre el tema del suicidio asistido…</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>No quería que fuera una película sobre ese tema, pero está ahí de fondo, y es lo que yo pienso al respecto. Ricardo es un hombre perfectamente que podría seguir viviendo unos meses o unos años, pero él toma esa decisión, como otra mucha gente. Durante todo el proceso estuvimos en contacto con la Asociación de Derecho a Morir Dignamente. Estuvimos hablando, leyeron el guion, les pareció bien, Juan Diego fue allí… Si la película no va exclusivamente de eso, sí que quería que esa parte de la trama estuviese bien hilada y no cometiéramos ningún fallo importante, porque es un tema delicado.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Javier, la semana pasada estrenaste La sangre de Wendy, esta semana Anochece en la India, ¿cómo estás viviendo este buen momento, unido al reciente Goya al mejor actor revelación (a pesar de que llevas mucho años trabajando)?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>JAVIER:</b> <i>Esto son rachas. La sangre de Wendy la rodé hace un año, y Anochece en la India hace 2 años y medio, antes incluso que Stockholm (2013). Luego ha coincidido que se han estrenado más o menos juntas. Con respecto al Goya, todo parte de las normas que ahora se han dicho de que la primera vez que estás nominado vas a revelación, da igual las películas que hayas hecho. Yo ni contaba con eso, pero me ha llegado y estoy encantado.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿Qué es lo que más te interesa de un proyecto? ¿En qué te gustaría trabajar?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>JAVIER: </b><i>Lo importante es que me guste la historia y el personaje, luego me da igual que sean grandes o pequeños presupuestos. Hay algo que me apetece que es el verso, aunque no se trabaja mucho en teatro o sobre todo en cine, y me encantaría, desde La vida es sueño, Lorca, Shakespeare…</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Chema, tu tienes una carrera importante como documentalista. ¿Cómo ha sido dar el salto del documental a la ficción?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>Para mí es un salto natural. Cuando hago documental siempre utilizo técnicas de ficción, porque cuando hay personas de por medio, para que pueda funcionar y narrativamente al público le pueda atraer, tienes que jugar con la ficción. Y al hacer ficción, me gusta el término “cine de lo real”, en el cual utilizas la realidad para nutrirte. Ahora la siguiente película que estoy pensando se rueda en Guatemala, y es una ficción pero hay mucha realidad metida. No los veo como dos mundo radicalmente distanciados. Se trata de contar historias, y cada historia requiere unas herramientas y unos ingredientes distintos.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>¿Nos puedes hablar un poco más de ese próximo proyecto en Guatemala?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>Se llama '7 horas', es muy pequeñita y bajo presupuesto. Está basada también en una historia real, con un trasfondo muy duro, que es la guerra en Guatemala, sobre un niño robado que vivió durante tres años con el hombre que mató a su familia. Pero en realidad la historia es la relación entre el niño y su madre adoptiva. Es una película divertida pero a la vez tierna y emotiva, y la rodaremos en medio de la montaña.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Aunque Anochece en la India está basada en un libro tuyo y coescrita por ti, también han intervenido en el guion David Planell y Pablo Burgués. ¿Esta nueva película también va a ser así, o va a estar escrita solo por ti?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA: </b><i>Normalmente, con los guiones escribo una primera versión, luego una segunda y tercera, y a partir de ahí busco a alguien que complemente. El proceso de una película empieza en el guion, y me parece muy importante que intervengan distintas personas con sensibilidades que puedan a aportar elementos. Es ahí donde empieza el proceso de </i><i>recreación. Eso, junto con los actores, el director de fotografía, etc. es la auténtica autoría. Me pone muy nervioso cuando se dice “Una película de…”, ya que una película, creativamente, es, como mínimo, de una docena de personas.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>Esta no es tu primera película en Guatemala, y también has hecho alguna película en Mongolia, ahora la India… ¿Qué te aportan las historias de fuera de España?</b></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: justify;"><b>CHEMA:</b> <i>Rodamos una aquí y no se estrenó, así que debe ser por eso (Risas). Me encantaría que se me ocurrieran historias aquí al lado de la puerta de mi casa, pero no me sale. Lo de Guatemala tiene un cierto sentido, mis primeros documentales fueron allí, y hacer una ficción allí me facilita el proceso de financiación. Y es un lugar que conozco y me gusta mucho. Es un país impresionante, pequeñito, pero con unos paisajes y unas historias brutales.</i></div><div style="text-align: justify;"><br />
</div><div style="text-align: right;"><i>Entrevista realizada en los Cines Renoir Princesa de Madrid,</i></div><div style="text-align: right;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: right;"><i>el 7 de Abril de 2014,</i></div><div style="text-align: right;"><i><br />
</i></div><div style="text-align: right;"><i>por <b>Sofia Pérez Delgado</b>.</i><br />
<div style="text-align: left;"><a class="twitter-follow-button" data-lang="es" data-show-count="false" data-size="large" href="https://twitter.com/daysmovie">Seguir al autor</a> <a class="twitter-follow-button" data-lang="es" data-show-count="false" data-size="large" href="https://twitter.com/Lallaveaazul">Seguir a La Llave Azul</a> <script>!function(d,s,id){var js,fjs=d.getElementsByTagName(s)[0],p=/^http:/.test(d.location)?'http':'https';if(!d.getElementById(id)){js=d.createElement(s);js.id=id;js.src=p+'://platform.twitter.com/widgets.js';fjs.parentNode.insertBefore(js,fjs);}}(document, 'script', 'twitter-wjs');</script></div></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-3131366367694389072014-04-07T16:37:00.002+02:002014-04-07T16:37:40.298+02:00Vender un héroe<h2 style="text-align: justify;">
Aprovechando el éxito en cines estadounidenses de su secuela - <i>El soldado de invierno - </i>echamos la vista atrás para recordar <i>El primer vengador </i>la película más arriesgada y aventurera de Marvel. </h2>
<h2 style="text-align: justify;">
<a href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/" rel="license" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img alt="Licencia de Creative Commons" src="http://i.creativecommons.org/l/by/4.0/88x31.png" style="border-width: 0;" /></a></h2>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-K9Xo7L5DYTQ/U0K3j-LFYhI/AAAAAAAAFDE/38ZPHRFhlfQ/s1600/captain-america-the-first-avenger-20110708013021905_640w.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-K9Xo7L5DYTQ/U0K3j-LFYhI/AAAAAAAAFDE/38ZPHRFhlfQ/s1600/captain-america-the-first-avenger-20110708013021905_640w.jpg" height="424" width="640" /></a></div>
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Si algo demuestra <b>Marvel </b>con el universo que ha sabido montar es que no hay mejor vendedor que el que sabe que su producto es bueno. El mérito de <b>Marvel </b>no es construir un universo accesible al gran público partiendo de una base de ciencia ficción, es hacer que el público acuda en masa a cada estreno, convertido en acontecimiento. De todas las películas de <b>Marvel</b>, <i>Capitán América: El primer Vengador</i> tiene las características de ser el producto menos vendible de la factoría, pero sale victoriosa de cualquier pero que se le pueda poner.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-LbIvp1L_3to/U0K3iq1saSI/AAAAAAAAFC8/2UC8KDDKjpM/s1600/Cap1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-LbIvp1L_3to/U0K3iq1saSI/AAAAAAAAFC8/2UC8KDDKjpM/s1600/Cap1.jpg" height="358" width="640" /></a></div>
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Porque el mayor escollo que debe hacer frente el personaje es su nombre. <b>Capitán América</b>, como adalid del patriotismo más añejo y recalcitrante, más oficial y oficioso, más artificial y maquetado. Es por ello el personaje que parte de un planteamiento más débil, pero inesperadamente, toda esa debilidad se convierte en la esencia, el poder, la capacidad de sorprender al espectador y lograr una empatía total. Porque el personaje pide empatía desde el comienzo, y la interpretación de <b>Chris Evans</b>, inocente aunque decidido, hace el resto.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-2uJ3fx-dnWc/U0K3kF0L_7I/AAAAAAAAFDI/fii7qAE3egw/s1600/cinemaniablog_capitanamerica_02.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-2uJ3fx-dnWc/U0K3kF0L_7I/AAAAAAAAFDI/fii7qAE3egw/s1600/cinemaniablog_capitanamerica_02.jpg" height="316" width="640" /></a></div>
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Es un producto de encargo, pero realizado por un artesano de antaño. <b>Joe Johnston</b> es capaz de proporcionar una pátina de calidad y buen acabado a cualquier historia. Es un buen hacedor de historias, y el corte absolutamente clásico, la atmósfera exageradamente vintage de esta historia no desentona en ningún momento con todos los elementos sobrenaturales que la forman. Si alguien es el responsable de tan magno triunfo, ese es <b>Joe Johnston</b>.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-yRlikcOPWL4/U0K3loxpStI/AAAAAAAAFDY/9lIBjIxGOLo/s1600/skull.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-yRlikcOPWL4/U0K3loxpStI/AAAAAAAAFDY/9lIBjIxGOLo/s1600/skull.jpg" height="334" width="640" /></a></div>
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<i>Capitán América: El primer vengador</i> también juega con la confianza del espectador. Con unos efectos digitales muy bien depurados, la historia comienza con un <b>Chris Evans</b> escuchimizado (en el peor de los sentidos) que siente la necesidad de ayudar a su país. Puede parecer un sentimiento patriota, que lo es, pero el guión lo convierte en un héroe griego, que empieza luchando por su patria y acaba pereciendo por la Humanidad. Por las personas que conforman su mundo y el futuro que supondrá su marcha. Sabiendo que el espectador medio puede no confiar demasiado en un actor (semi)desconocido y guaperas en cualquier papel anterior, el casting que lo rodea hace olvidar cualquier factor de baja calidad: <b>Stanley Tucci</b>,<b> Hugo Weaving </b>(con un personaje sosias del agente <b>Smith </b>de <i>Matrix</i>), <b>Toby Jones</b> o un<b> Tommy Lee Jones</b>, que en un principio puede parecer desubicado pero que en el tramo final encuentra su sitio en la trama.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-uVkQpl0u5B4/U0K3m8vd5gI/AAAAAAAAFDc/qAaQ3KFWj8A/s1600/capitan-america-el-primer-vengador-original.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-uVkQpl0u5B4/U0K3m8vd5gI/AAAAAAAAFDc/qAaQ3KFWj8A/s1600/capitan-america-el-primer-vengador-original.jpg" height="360" width="640" /></a></div>
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¿Qué es, entonces, <i>Capitán América: El primer vengador</i>? Es una presentación. Pero facturada en forma de historia individual, con un empaque atroz y una esencia de buen cine difícilmente vista en producciones de este tipo. Ese es el principal valor del personaje y del guión, convertir en universal la historia más bien localizada de un personaje ajeno a la cultura no estadounidense.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-9dILbh-_zt0/U0K3ipZL6pI/AAAAAAAAFC4/f9HiIVhmDRU/s1600/Capit%25C3%25A1n_Am%25C3%25A9rica_El_Primer_Vengador_%25286321%2529.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-9dILbh-_zt0/U0K3ipZL6pI/AAAAAAAAFC4/f9HiIVhmDRU/s1600/Capit%25C3%25A1n_Am%25C3%25A9rica_El_Primer_Vengador_%25286321%2529.jpg" height="272" width="640" /></a></div>
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El resto, es nostalgia. Nostalgia por ser testigos de la evolución de un personaje, desde su concepción hasta su explosión, desde sus comienzos vergonzantes hasta sus finales heroicos. Por ser cómplices de todo tipo de referencias antiguas, en forma de escudos pasados de moda o cromos de colección; o también cómplices por ser capaces de ambientar situaciones de <b>siglo XXI </b>a historias de la <b>Segunda Guerra Mundial</b>. <b>Steve Rogers</b> lucha por su país, y su principal arma es el amor. Y eso, para un personaje que se siente culpable por perder una cita por ser el héroe de la historia, es poco convencional. Necesariamente perfecto.</div>
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<span style="font-family: inherit;"><i>Capitán América: El primer vengador </i><span style="font-weight: normal;">(<i>Captain America: The first Avenger</i>, EEUU - 2011) </span><span style="background-color: white; line-height: 19px;"><span style="font-weight: normal;">| Una reseña de</span> Jonathan Sedeño</span></span></h2>
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Un relato bíblico, en el año <b>2014</b>, dirigido por<b> Darren Aronofsky</b> ¿Qué podía salir mal? Todo. Por suerte, este no es el caso. </h2>
<h2 style="text-align: justify;">
<a href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/" rel="license" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: right;"><img alt="Licencia de Creative Commons" src="http://i.creativecommons.org/l/by/4.0/88x31.png" style="border-width: 0;" /></a></h2>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0d3dQ4MhfCNoF8oG5EEY-HYNIx5n-BIeQHTFlUUBLgPFrz3jacEydirtmODjLjQoKNUBmN9v2KYdFhPSBzQMSkPba8mX6ViOnFi4kWeaqjOBPJ3PH9gXrt_GITdzgdBh3yHfDQeqeGMXg/s1600/N-22364R.jpg_cmyk.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0d3dQ4MhfCNoF8oG5EEY-HYNIx5n-BIeQHTFlUUBLgPFrz3jacEydirtmODjLjQoKNUBmN9v2KYdFhPSBzQMSkPba8mX6ViOnFi4kWeaqjOBPJ3PH9gXrt_GITdzgdBh3yHfDQeqeGMXg/s1600/N-22364R.jpg_cmyk.jpg" height="362" width="640" /></a></div>
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<i><span id="goog_142249222"></span><span id="goog_142249223"></span><br />
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No me atrevería a decir que este es el proyecto más arriesgado del director neoyorquino ya que sus obras nunca han sido unánimemente alabadas (quizá podríamos exceptuar la magnífica <i>Cisne Negro</i>) y han generado cierta polémica. <i>Noé </i>no podía ser menos.</div>
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Primero, fuera prejuicios. Es un relato bíblico, sí. Por tanto, se trata de enésima adaptación a la gran pantalla de un libro de fantasía, o de un drama fantástico si preferimos. Cierto es que no podemos obviar el elemento religioso, pero si no nos ofendía la presencia de <b>Sauron </b>en <i>El señor de los anillos</i>, no debería hacerlo la presencia de <b>Dios </b>en este caso (y no, no los estoy comparando, <b>Sauron </b>no era una deidad, lo sé). Pero acercarse a la película con esa visión sería injusto. <i>La Biblia</i> y, en consecuencia, <i>Noé</i>, no deja de ser el relato de una serie de fábulas con moraleja, que se pueden prestar a interpretación.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEt9nYRfrtJHZjW-6CvH4j2u9pkmTdS0FGDpGdSqZx6lv0yFpXkTEosHiimpuMTYPQKmRumJNlAuOUX2LJ3UlDCw78eZ10-QpqQppcEpWwuc1m4LZYDXDlpYVdxcgb_3dTcuFAhHuuxGAQ/s1600/N-10730.jpg_cmyk.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEt9nYRfrtJHZjW-6CvH4j2u9pkmTdS0FGDpGdSqZx6lv0yFpXkTEosHiimpuMTYPQKmRumJNlAuOUX2LJ3UlDCw78eZ10-QpqQppcEpWwuc1m4LZYDXDlpYVdxcgb_3dTcuFAhHuuxGAQ/s1600/N-10730.jpg_cmyk.jpg" height="425" width="640" /></a></div>
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Dejando esto claro. Entremos en materia. El señor <b>Darren Aronofsky</b> nos deleita con algunas de las soluciones visuales mejor logradas de toda su filmografía, y unos “personajes” (no los actores principales, ya lo entenderéis) memorables. Sin entrar en muchos detalles, escenas como la de la “Creación” o la “historia del hombre” son de una belleza asombrosa e hipnótica. Sin duda, todo el prólogo de la película supone un logro en cuanto a síntesis e imaginación que, además, ya deja claro que la película se nos cuenta como una historia (<i>story</i>) y no como historia (<i>history</i>).</div>
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Podremos ponerle algunas pegas al ritmo de la película en cierto momento, pero es el riesgo al que se enfrentaba <b>Aronofsky</b>: construir una historia personal dentro de las características de un <i>blockbuster</i>. Reto del que creemos sale airoso, con pegas, pero airoso. Su incidencia en las ideas frente a la acción es admirable, si bien no puede evitar caer en esta última. ¿Son innecesarias las batallas? Probablemente, pero no lo es la existencia de la amenaza ni de un antagonista que, en última instancia, nos ayuda a entender mejor al protagonista.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtPI-LKITdteqUJv-oZdTwSIVfBUBYUsWods1b-T2q3qu1xplNZ0NWP3Jmjcr-00AuoqjTk63rxUEV4xy2l1irDwAgK2Ec2mbp-W4o5huAYHEcfLHJSwuVXIvjFOfsFJySvrgmlmD7WhEb/s1600/N-15149.jpg_cmyk.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtPI-LKITdteqUJv-oZdTwSIVfBUBYUsWods1b-T2q3qu1xplNZ0NWP3Jmjcr-00AuoqjTk63rxUEV4xy2l1irDwAgK2Ec2mbp-W4o5huAYHEcfLHJSwuVXIvjFOfsFJySvrgmlmD7WhEb/s1600/N-15149.jpg_cmyk.jpg" height="426" width="640" /></a></div>
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El reparto no podría estar más acertado. Nadie desentona. Si bien es cierto que, a pesar de su larga duración, no deja que sus personajes se desarrollen completamente. Lo cual, por otra parte, no deja de ser la característica de cualquier cuento o fábula, unos personajes con características perfectamente definidas que sirvan como medio para llegar a la moraleja. <b>Russel Crowe</b> cumple a la perfección, crea a un convincente <i>Noé </i>y refleja bien sus debates morales; al igual que una <b>Jennifer Connelly</b>, que se luce cuando la película se lo permite, si bien a la sombra del personaje principal. Sin embargo, es <b>Emma Watson </b>la que al final debe sostener las escenas más dramáticas de la película y lo hace de manera más que meritoria. Con ella llega la emoción en una película que se puede sentir fría por momentos.</div>
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No queremos entrar en detalles argumentales, pero sí apuntar alguno de los debates morales y las reflexiones que nos plantea la película. O, al menos, algunas de las ideas que un humilde servidor ha podido extraer. <i>Noé </i>es una reflexión sobre el perdón y la compasión, así como sobre la capacidad de amar en todas sus dimensiones. Sobre como construimos nuestras relaciones y las relaciones de poder que se establecen. Interesantísimas es su reflexión en torno a la autoridad y el poder en sí mismo, ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar por obedecer una orden? ¿Dónde pondremos el límite? O, directamente, ¿tendríamos un límite?<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr1Z5mIf_S1vmyT6TgTaNiId2-nwIwdncrrhBrX2mbvUOua2Kf9BAHChkxNzCHsBwU921UP8Xv6CAMGZ-JSYxv_gyJPDJuUd1-rPQT_BIoNcNJMExrBaSNyVWDNgeR_ITxQiWycO0aEghL/s1600/N-27836-Edit.jpg_cmyk.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr1Z5mIf_S1vmyT6TgTaNiId2-nwIwdncrrhBrX2mbvUOua2Kf9BAHChkxNzCHsBwU921UP8Xv6CAMGZ-JSYxv_gyJPDJuUd1-rPQT_BIoNcNJMExrBaSNyVWDNgeR_ITxQiWycO0aEghL/s1600/N-27836-Edit.jpg_cmyk.jpg" height="364" width="640" /></a></div>
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Un tema que ya ha desatado críticas es la conciencia ambientalista que demuestra la película. <i>Noé </i>no deja de ser un espejo donde podemos ver a la humanidad en el presente, nuestra relación con el medio y con otras sociedades, el egoísmo, la avaricia, la crueldad… ¿Somos tan diferentes de esa sociedad que describe <i>Noé </i>consumida en el caos y donde los más débiles, y la Tierra en sí, son los mayores perjudicados? Acusarla de “New age” de forma negativa es simplista y reduccionista. Temas universales que superan a la propia historia del diluvio, que no deja de ser un elemento secundario, los personajes no hablan sobre el diluvio, hablan sobre sus causas y sus consecuencias. No hablan de <b>Dios</b>, hablan de sus propias acciones como individuos y de los efectos que estas tienen.</div>
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No es una película perfecta, ni mucho menos, pero no merece ser prejuzgada en base a su punto de partida. Cuenta con escenas memorables, un reparto más que adecuado, una banda sonora absolutamente maravillosa e ideas que, más o menos desarrolladas, deberían conducir a la reflexión y al debate. Con esto, <i>Noé </i>ya nos ofrece más el 90% de los <i>blockbusters</i>. Y, además, es que es una buena película sobre el hombre, no sobre <b>Dios</b>, sobre el amor y el perdón. Una visión del hombre, al contrario de lo que pueda parecer, optimista y esperanzadora.<br />
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<span style="font-family: inherit;"><i>Noé </i><span style="font-weight: normal;">(<i>Noah</i>, EEUU - 2014) |</span> <span style="background-color: white; line-height: 19px;">★★★</span><span style="background-color: white; line-height: 19px;">★ <span style="font-weight: normal;">| Ya en cines | Una reseña de</span> Luis Fernández</span></span></h2>
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-uo-f-ExMqzs/Uz2t5tTWlcI/AAAAAAAAFBY/zLqRuIaMFz4/s1600/PicMonkey+Collageaff.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-uo-f-ExMqzs/Uz2t5tTWlcI/AAAAAAAAFBY/zLqRuIaMFz4/s1600/PicMonkey+Collageaff.jpg" height="314" width="640" /></a></div>
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Musicalidad romántica a la francesa, pasiones suicidas, un viaje a las entrañas del cine "low cost" nacional y la rutina afectiva, grandes sorpresas de los primeros días del festival online más grande del mundo. Os hablamos de todas ellas.</h2>
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<i>por <b><a href="http://twitter.com/jesusteatrero">Jesús Choya</a></b></i></div>
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Llegó el pasado viernes lleno de esperados y aclamados largometrajes. Se trata del cuarto <b>Atlántida Film Fest </b>de <b>Filmin</b>, el festival de cine online más grande del mundo, el <b>Sundance </b>español o el festival de los pobres. Da igual como lo llamemos, lo que está claro es que - de nuevo - es una absoluta maravilla.<br />
<br />
El filme encargado de inaugurar el certamen fue <i>El desconocido del lago </i>(<b>Alain Guiraudie </b>- <b>2013</b>), una polémica cinta francesa que llega a salas este mismo viernes tras triunfar en los festivales de <b>Cannes </b>o <b>Sevilla</b>. La cinta muestra en clave de <i>thriller </i>naturalista, como la rutina de una zona rural en la que se practica <i>cruising </i>se ve alterada al producirse en ella un asesinato. Con una fotografía que saca el máximo partido a los paisajes casi pictóricos que <b>Guiraudie</b> retrata y escenas de gran voltaje sexual, <i>El desconocido del lago </i>presenta una trama que,<i> </i>pese a resultar sencilla y llana como ejercicio de suspense puramente <i>hitchockiano,</i> adquiere trascendencia a medida que avanza en un pausado, pero no por conocido menos tenso, desarrollo <i>in crescendo</i>. Unos personajes perfectamente construidos, y por ende de gran interés para el espectador, interpretados por un reparto que hace gala de una magistral capacidad de contención, colaboran a hacer partícipe al espectador de un intrincado juego de miradas y pasiones casi suicidas que dota al largometraje, por su paradójica combinación de lo explícito de sus escenas carnales y la sutileza que despliega en su discurso interior, de un elemento extrañamente atractivo, ciertamente tóxico. <i>El desconocido del lago </i>es una película muy apreciable y disfrutable estéticamente y de múltiples lecturas más allá de la simpleza que pueda aparentar su simple pero contundente, audaz, controvertido y sexual envoltorio.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-x5n6MLdsx0g/Uz2vbVJyX5I/AAAAAAAAFBs/0Qk0Tx7onEo/s1600/725716.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-x5n6MLdsx0g/Uz2vbVJyX5I/AAAAAAAAFBs/0Qk0Tx7onEo/s1600/725716.jpg" height="338" width="640" /></a></div>
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También de <b>Francia</b>, y como otro de los mayores reclamos del festival, aterrizó en <b>Filmin</b> <i>Main dans la main </i>(<b>2012</b>), (pen)último trabajo de la directora francesa <b>Valerie Donzelli</b> (<i>Declaración de guerra</i>) que permanecía sin ver la luz de las salas españolas en el profundo cajón de <b>Golem Films</b>. Se trata de una gratísima sorpresa que combina comedia ácida, romanticismo mágico y una gusto musical exquisito en la que <b>Donzelli </b>plantea una luminosa y atípica historia de amor, llena de momentos de extaordinaria belleza vitalista, entre dos personajes carismáticos y encantadores, a los que dan forma unos magníficos <b>Jérémie Elkaïm</b> y <b>Valérie Lemercier.</b> Chispeante, ligera y vitalista, <i>Main dans la main </i>habla sobre lo imposible, lo magnético y lo inexplicable del amor, bajo una cuidada y deliciosa atmósfera de cuento de hadas. Aunando dosis certeras de medida emoción <i>feel good</i>, punzadas melodramáticas y golpes de humor naïf, <b>Donzelli </b>construye una obra de argumento surrealista llena de encanto que conquista el corazón y provoca una constante sonrisa en el espectador, al cual otorga un fantástico regalo cinematográfico de vibrante brillantez. Pese a contener unas subtramas quizás algo desdibujadas en favor del romance principal, <i>Mains dans la main </i>es una cinta emocionalmente poderosa (y portentosa) y estéticamente formidable - al son de una <a href="https://play.spotify.com/track/4QYdzBiJDwTDscTcLGQn2b">banda sonora maravillosa</a> - que se descubre, además, como una magnética introspección de la atracción inesperada y desconocida y de la sincronía romántica, empapada en los ecos del más lúcido y divertido <b>François Truffaut</b>.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-JGZXsSwuJd0/Uz2u8AwdFlI/AAAAAAAAFBg/0EhirP22A_U/s1600/6a0115701061b3970c017c3406250f970b-800wi.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-JGZXsSwuJd0/Uz2u8AwdFlI/AAAAAAAAFBg/0EhirP22A_U/s1600/6a0115701061b3970c017c3406250f970b-800wi.jpg" height="448" width="640" /></a></div>
Los nuevos métodos de producción, distribución y exhibición del cine español independiente así como la situación actual del mismo son los ejes alrededor de los cuales se desarrolla el interesantísimo documental <i>Baratometrajes 2.0</i>, un documento igualmente "low cost" y "al margen" que las películas de las que habla. Y también, igualmente apreciable y enriquecedor.<br />
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Con un estilo tan televisivo como didáctico y cercano al espectador, el filme que codirigen <b>Hugo Serra </b>y <b>Daniel San Román </b>presenta de manera tradicional una serie de entrevistas a personajes relacionados con el sector cinematográfico español que sirven como punto de partida para reflexionar sobre distintas cuestiones de actualidad y otorgar luz a algunas dudas o mentiras populares sobre la industria del cine nacional. Sin embargo, el documental aborda el abanico de temas - polémicos y relevantes - con pulso caleidoscópico, mostrando las opiniones sin trampa ni manipulación y ofreciendo perspectivas absolutamente contrarias pero, en su totalidad, profundamente enriquecedoras. En <i>Baratometrajes </i>se dan cita productores (<b>González Kunh </b>aporta cierta claridad a la desaparición de <b>Alta Films</b>), directores (<b>Tina Olivares</b>, <i>Esperando Septiembre</i>; <b>Daniel Castro</b>, <i>Ilusión</i>; <b>Norberto Ramos del Val</b>, <i>Faraday, Summertime</i>; <b>Chiqui Carabante</b>, <i>12+1 una comedia metafísica</i> o los pujantes <b>Alfonso Sánchez </b>y <b>Alberto López </b>creadores de <i>El mundo es nuestro </i>entre otros), exhibidores (los gerentes de las salas independientes <b>Artistic Metropol </b>o <b>Cineciutat</b>) o periodistas (<b>Jordi Costa</b>, <b>Desirée de Fez</b>, <b>Fernando de Luis-Orueta</b>...) para hablar con sinceridad del <i>crowdfunding</i>, la piratería, el modelo actual de subvenciones por parte del <b>ICAA</b>, el VOD o la autofinanciación, temas áridos que son explicados de manera tan sencilla como completa, utilizando apoyos gráficos y aligerando la narración de manera audaz con una serie de piezas engalanadas bajo el subtítulo (en tiempo de twitter, <i>hashtag</i>) <i>#unmundosincine</i> que aporta un punto de unidad e incluso emoción a un documental ilustrativo que se desvela además como perfecto vehículo de: a) pulsión de la opinión de los distintos ámbitos que forman la actual industria del cine española b) descubrimiento de múltiples obras desconocidas para la mayor parte del público y de gran interés, y c) presentación del proyecto "Baratometrajes", esencia y propósito del largometraje, que pretende dar cabida a todos esos filmes pequeños que requieren de una voz colectiva para darse a conocer. Merece la pena.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJOBCfIVbmzPvwQM-Nc3sCg_cQE7WgzeP2skTfZteyTJsRov74DGfDoqSKmHen1tq4-INOBi5_VA0tWiOSbAzH5-HJ0oZtkoi073kWmDoqqhzmv8p5DHdjKyHw4999fvq877NOBnSXP5d0/s1600/BARATOMETRAJES+2.0_fotograma.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJOBCfIVbmzPvwQM-Nc3sCg_cQE7WgzeP2skTfZteyTJsRov74DGfDoqSKmHen1tq4-INOBi5_VA0tWiOSbAzH5-HJ0oZtkoi073kWmDoqqhzmv8p5DHdjKyHw4999fvq877NOBnSXP5d0/s1600/BARATOMETRAJES+2.0_fotograma.jpg" height="378" width="640" /></a></div>
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La carencia afectiva, y sus improvisados parches, son el centro de la trama de la sorprendente <i>El tercero</i>, una suerte de revisitación argentina de <i>Weekend</i>, más cálida, interesante, técnicamente atractiva y verosímil que el filme de <b>Andrew Haigh</b>. <b>Guerrero </b>arriesga en su segunda película apostando por una estructura formal muy interesante ya que la cinta se desarrolla (casi) a través de tres planos fijos: una ventana de chat, una cena y una escena de sexo. El filme abandona la posibilidad de centrarse en el terreno más puro y propio del cine <b>LGTB </b>para abordar de manera universal la necesidad y la inquietud de una pareja homosexual de romper su rutina sexual y romántica para intentar tapar, así, las inevitables taras que surgen con el paso del tiempo. <i>El tercero </i>se erige como un relato sutil (y quizás demasiado púdico cuando no debe serlo), palpitante y agradable levantado por tres personajes sencillos y creíbles - gran elección de intérpretes - que se desarrolla sin sobresaltos pero con una pasmosa cercanía emocional al espectador de cualquier orientación sexual. Tímidamente renovador y rupturista, el filme argentino se consolida como una delicada sorpresa que aqueja de demasiada modestia y demasiadas pocas pretensiones pero que logra iluminar con su ciertamente sugerente encanto.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-N6scxnUtVH8/Uz2v_3K2EeI/AAAAAAAAFB8/t2LBnz38S4Y/s1600/el-tercero.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-N6scxnUtVH8/Uz2v_3K2EeI/AAAAAAAAFB8/t2LBnz38S4Y/s1600/el-tercero.jpg" height="270" width="640" /></a></div>
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Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7284020920640423763.post-35582328545078270902014-04-02T18:36:00.001+02:002014-04-02T18:36:39.131+02:00Masterclass con Carlos Pacheco (II): La creación del nuevo Capitán América.<div style="text-align: justify;">
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Segunda parte del artículo sobre la clase magistral que concedió el artista español en <b>Marvel</b>, <b>Carlos Pacheco</b> en la <b>Escuela ESNE</b> el pasado viernes <b>14 de Marzo</b>.</h2>
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-7MHAdckD0mg/Uzw6wJ2j5HI/AAAAAAAAFAk/jqHvHqV3738/s1600/captain-america-pacheco.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-7MHAdckD0mg/Uzw6wJ2j5HI/AAAAAAAAFAk/jqHvHqV3738/s1600/captain-america-pacheco.jpg" height="400" width="265" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Primera portada de <b>Carlos Pacheco</b></td></tr>
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<i>“El <b>Capitán America</b> es controlado por <b>Rick Remender</b>, que también controla los <b>Uncanny Avengers</b>, y el dibujante es <b>John Romita</b>, hijo de uno de los clásicos de la casa. Yo seguía trabajando en <b>Thor </b>y en los <b>Ultimate Avengers</b>, y después de estar un año trabajando con el <b>Capitán América</b>, <b>John </b>me pide que me encargue de ello. En mi primer acercamiento al personaje quería dar una visión icónica, y actualizar en cierta medida ese uniforme que me dan, el diseño de marine, de luchador en <b>Irak</b>, y convertirlo en superhéroe, porque yo sigo pensando que trabajo con superhéroes. Intento mantener un equilibrio entre lo que <b>Marvel </b>quiere ofrecer, y lo que yo creo que debo ofrecer. La imagen cinematográfica del personaje sigue teniendo ese toque superheroico tradicional, a pesar de que es un medio distinto y una adaptación. En la serie de diseños previos (yo siempre trabajo en papel y rotulador en ello, necesito el contacto físico, el olor) intento alejarme un poco de mis visiones clásicas. Para mí el enfoque perfecto para el superhéroe es el contrapicado. Quien haya estado en <b>Florencia </b>lo comprenderá: la visión de cualquier divinidad es siempre desde abajo. Eso le da a la imagen una dimensión extra, una sensación de inferioridad del espectador frente al objeto que se está mirando. Por lo tanto, si queremos mostrar la grandeza del personaje, el enfoque contrapicado le da esa dimensión añadida. Y más aún en el caso del <b>Capitán América</b>, porque es una especie de autoridad. Aparte del contrapicado, hago algo más: el <b>Capitán América </b>es el policía de <b>Nueva York</b>, y el corazón de <b>Nueva York</b> es <b>Times Square</b>, así que le dibujo allí. Los anuncios luminosos de <b>Times Square</b> son el epítome de toda la simbología del capitalismo, que se supone que es lo que defiende el <b>Capitán América</b>. Para aportarle la fuerza que sigo pensando que le falta al enfoque, hago una aproximación enfundándose el escudo. Todos esos detalles le aportan simbología al personaje. Eso después puede ser percibido por el aficionado que lo va a leer o no, pero mi obligación es añadírselo. Es mi compromiso gráfico con el personaje, conocerle, saber qué puedo aportarle, y aportárselo.</i></div>
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-vFOjzeI4Atk/Uzw6tPCnKYI/AAAAAAAAFAY/hwjA61mmjsg/s1600/Carlos-Pacheco-Captain-America-pagina-2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-vFOjzeI4Atk/Uzw6tPCnKYI/AAAAAAAAFAY/hwjA61mmjsg/s1600/Carlos-Pacheco-Captain-America-pagina-2.jpg" height="400" width="263" /></a></div>
<i>Lo primero que hacemos, después de concebir la forma icónica del personaje, es empezar a trabajar inmediatamente con su pasado, su infancia. Ya había sido tocado por <b>Romita</b>, pero aquí lo finalizamos. Creamos cómo el personaje adquiere esa personalidad introspectiva, introvertida, un tipo solitario, y cómo alguien físicamente débil acaba siendo cobaya para un experimento del gobierno. Lo primero que yo hago cuando trabajo en una página es un boceto en un folio. Es la parte en que más me gusta, con la que me siento más creativo, porque eso va a quedar para ti, no se va a ver impreso, y te puedes permitir el lujo de fallar, de ser caótico. Con respecto a la narrativa, hay que utilizar elementos visuales que sean inmediatos, para que el lector los reconozca de una manera fácil, accesible y empática. […] Para mi es absolutamente vital añadir en cada página exactamente lo que el guionista me pide, otra cosa es que después yo añada cosas. Pero cada uno de los elementos que guionista me pide que esté descrito en cada una de esas viñetas, tiene que estar ahí. […]</i><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-h_OSBvdRha4/Uzw6uZb38YI/AAAAAAAAFAg/UqgPEJHDfdc/s1600/Captain-America-14-Cover-beb6d.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-h_OSBvdRha4/Uzw6uZb38YI/AAAAAAAAFAg/UqgPEJHDfdc/s1600/Captain-America-14-Cover-beb6d.jpg" height="400" width="265" /></a></div>
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<i>Ya hemos mostrado al <b>Capitán América</b>, ya hemos mostrado su infancia, y el siguiente trabajo es el malo: <b>Nuke</b>. Es un personaje creado por <b>Frank Miller</b> para <b>Daredevil</b>, y aquí lo recuperamos para enfrentarse al <b>Capitán América</b>. <b>Nuke </b>es un personaje que simboliza la nueva <b>América</b>. En la película 'Nacido el 4 de Julio' de <b>Oliver Stone</b> (<b>1989</b>), hay un enfrentamiento entre el protagonista, <b>Tom Cruise</b>, y <b>Willem Dafoe</b>, los dos veteranos de <b>Vietnam </b>minusválidos, que no pueden usar sus piernas, y luchan en el desierto en sus sillas de ruedas. No sé si <b>Stone </b>lo hizo intencionadamente, pero ese momento me recuerda mucho al </i><i>cuadro de <b>Goya </b>'Duelo a garrotazos', en el que los personajes están enterrados en la arena, no se pueden mover, están condenado a luchar. Así que los enfrentamientos entre <b>Nuke </b>y el <b>Capitán América </b>están sacados del cuadro de <b>Goya</b>, de la lucha de las dos visiones de un mismo país, los liberales contra los tradicionalistas. En este caso, le doy al <b>Capitán América </b>el punto de ser liberal, frente a esa visión conservadora, tradicional, e incluso fascista, como es el caso de <b>Nuke</b>.</i><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1lTr2tRNdo2EmKYJUb_3PeI_m-5dxqjCajdj2Kew915DAd9zH3a1N6XNAWsr2HNi-944TvNXz1cvb4-1DT3r_rW9SS5DiGfg5rutXPlTCBIZCasLLfLwg402IyqJrkWPE7iMx5QTtRBCS/s1600/goya-duelo-a-garrotazos-1822.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1lTr2tRNdo2EmKYJUb_3PeI_m-5dxqjCajdj2Kew915DAd9zH3a1N6XNAWsr2HNi-944TvNXz1cvb4-1DT3r_rW9SS5DiGfg5rutXPlTCBIZCasLLfLwg402IyqJrkWPE7iMx5QTtRBCS/s1600/goya-duelo-a-garrotazos-1822.jpg" height="306" width="640" /></a></div>
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<i>Me gusta mucho trabajar las escenas de lucha, aunque coreografiarlas es muy complicado. Hay dos cosas que no se pueden mostrar en el cómic mainstream de <b>Marvel</b>: el sexo (ni la desnudez) y la violencia. Pero siempre hay una serie de recursos narrativos que podemos utilizar, y en este caso a mí me gusta mucho no mostrar la imagen completa, sino sacar algunos elementos de plano, como por ejemplo los golpes. Se ve el impacto, pero no se ve la mano. Creo que le añade más fuerza y movimiento el trabajar la violencia de esa manera. En las escenas más tranquilas y más quietas, vemos al <b>Capitán América</b> con esa autoridad de la que hablábamos. No puede vencer a <b>Nuke </b>físicamente, porque es superior, pero le vence psicológicamente, a través de la palabra. Ese es el <b>Capitán América</b> que a mí me gusta dibujar, el personaje tal y como yo lo concibo […]</i></div>
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<i>Evidentemente los dibujantes tenemos un compromiso gráfico con lo que hacemos, el grafismo es vital en nuestro trabajo. Pero para mí es más importante la narrativa, porque no dibujamos historias, las contamos. Somos narradores más que “artistas”, en el sentido tradicional de la palabra. Muchas veces me preguntan en qué manera el dibujante se involucra y puede transformar la historia, y es interesante porque la mayoría de las veces que lo hacemos, el lector es incapaz de saber qué es obra del guionista y qué del dibujante. Pero con ciertas argucias, el dibujante puede añadir muchísimo a la historia, no solo visualmente, sino narrativa y conceptualmente. Dejando el guion de lado, el dibujante de cómic hace todo el trabajo que se realiza en una película él solo: es el realizador, el director, el iluminador, el que se encarga el vestuario, de los actores, el que escoge las localizaciones, el productor… No se trata sólo de dibujar al <b>Capitán América</b>, se trata de hacer reales las historias que estamos contando. Y para ello tenemos que ser capaces de trabajar mínimamente con cada uno de esos recursos con los que estamos obligados, transmitir emociones, trabajar distintos estereotipos… También hay que darles una mínima grandeza y dignidad a los personajes, porque son de la compañía y hay que cuidarlos. Incluso a los villanos, que son quienes les dan su dimensión a los héroes. Yo no sé hasta qué punto soy mejor o peor que los dibujantes norteamericanos, pero sí sé hasta qué punto soy distinto. Yo crecí con la historieta europea (<b>Moebius</b>, <b>Vidal</b>, <b>Hergé</b>…), e intento dar esa visión externa, hasta donde me dejan”.</i><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQgJna17uBnC0QZi6Jm02-LI9QibxaDovqsjLzhrmpjO_uUKaIpYrYyhCVxpdhzrXlsUpysFAvFQnG1ZH6Pm-B4Ge6yM9rVXo7m1vDF1Kdh2Af4K7yXcwk0XBfL8qp5a3wOtTxQcpcUNGa/s1600/DSCF8022.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQgJna17uBnC0QZi6Jm02-LI9QibxaDovqsjLzhrmpjO_uUKaIpYrYyhCVxpdhzrXlsUpysFAvFQnG1ZH6Pm-B4Ge6yM9rVXo7m1vDF1Kdh2Af4K7yXcwk0XBfL8qp5a3wOtTxQcpcUNGa/s1600/DSCF8022.JPG" height="360" width="640" /></a></div>
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A continuación de la clase, hubo un distendido coloquio con <b>Pacheco </b>en el que respondió a cuestiones que le plantearon los alumnos y los periodistas. El artista confesó que para él <i>“dibujar, narrar, contar, ya sea con la palabra o con la imagen, es parir”</i>, reconociendo que envidia a los que disfrutan.<i> “Yo no lo consigo, yo sufro mientras trabajo. Por tanto el concepto divertirme no lo aplico. Otra cosa es que sea inherente, y no pueda evitarlo. Yo no dibujo, yo cuento”. </i>Además, en relación a la importancia de los detalles y los diferentes elementos en su obra, <b>Pacheco </b>afirmó que<i> “para mi es vital que el cuadro del fondo sea el que tiene que ser, se perciba o no se perciba, se comprenda o no se comprenda. Muchas veces sé que hago un trabajo invisible, pero a mí me vale, para mi es visible, por lo tanto es inevitable”. </i><b>Pacheco </b>volvió a hacer referencia a la transversalidad de las artes, que según él,<i> “es obligatoria. No entiendo la endogamia artística. Creo en la multidisciplinariedad, y en que todo lo que te alimenta, te nutre”.</i></div>
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En cuanto al cine, <b>Pacheco </b>dio su opinión sobre la polémica que hay en torno al cambio de raza de algunos personajes en las películas de <b>Marvel</b>.<i> “Hay que tener en cuenta que la mayoría de personajes de cómic norteamericano fueron creados antes de que se iniciara la lucha por los derechos raciales en el 60”</i>, dijo.<i> “Los cómics hoy día tienen que reflejar la realidad social norteamericana, y el cine es un medio de difusión mucho más amplio. Entiendo esa necesidad y obligación de tener que cambiar ciertos aspectos para hacerlos accesibles y no ofensivos con respecto a los nuevos espectadores”. </i>Porque, como afirmó,<i> “aunque para los aficionados la película sea la versión de un cómic que lleva 30 o 40 años en el mercado, para <b>Marvel </b>o <b>Warner</b>, cada una de sus películas es la primera vez que mucha gente ve a esos personajes”. </i>Con respecto a la influencia del cine en la industria del cómic, <b>Pacheco </b>ha notado <i>“cómo el centro de gravedad ha cambiado, de ser la historieta el centro focal de la industria, a que lo sea el cine. Comprendo que es una industria, y su función es la de existir y buscar los mayores beneficios posibles para la compañía. Si ahora el énfasis las películas, todo lo que hacemos y cualquier cambio en los personajes tiene que estar supeditado a ello”. </i>En este sentido, nos advirtió que estemos atentos a la colección del<b> Capitán América</b>,<i> “porque va a sufrir grandes cambios”.</i></div>
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Además, <b>Pacheco </b>dio un consejo fundamental a los estudiantes de diseño:<i> “Un dibujante tiene que tener en su porfolio páginas, narración, historias… Somos narradores, y si alguien quiere ser dibujante de cómics, tiene que enseñar páginas de cómics, y no dibujos de superhéroes. Para ser un dibujante de comics tienes que dibujar superhéroes, pero también niños, ancianos, calles, árboles…”. </i>También afirmó que el único personaje que le queda por dibujar es <b>Spiderman</b>, y nos adelantó noticias sobre su próximo proyecto personal, la nueva entrega de <b>Arrowsmith</b>, en la que empezará a trabajar a finales del verano.<i> “Saldrá para hacerlo coincidir e</i><i>l año que viene con el centenario de la entrada de <b>EEUU </b>en la <b>Primera Guerra Mundial</b>”. </i>Pero, aunque le dedique unos meses a esto, <b>Pacheco </b>de momento seguirá vinculado a <b>Marvel</b>.</div>
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